Bevor Eliza Hittman mit dem berührenden Schwangerschaftsabbruch-Drama Never Rarely Sometimes Always im Jahr 2020 berühmt wurde, und noch vor Beach Rats (2017), schrieb und drehte die Amerikanerin It Felt Like Love. Ihr Debütfilm ist ein melancholisches, neorealistisches Gedicht an den Sommer und das sexuelle Erwachen eines Mädchens – mit all der Unbeholfenheit und dem Schmerz und der Scham, die damit einhergehen. Das Erwachen ist kein besonders schönes. Hittmann und ihr Kameramann Sean Porter (Green Book) haben gefühlt zwei Drittel des Films in einer sehr flachen Fokusebene gedreht. Dies verwischt den größten Teil des Bildes und lenkt unsere Aufmerksamkeit auf das klar umrissene, mal mit weißer Sonnencreme verschmierte, mal blasse Mondgesicht der vierzehnjährigen Lila.

Es ist schwül in Brooklyn und die jungfräuliche Heldin hat große, traurige Augen, die Lust haben. Zuerst sieht sie sehnsüchtig auf ihre hormonell aufgeladene Freundin Chiara (Giovanna Salimeni), die liebestoll am Strand von Coney Island mit diversen Liebhabern herumrollt. Da landen ihre Augen auf dem Waschbrettbauch des älteren Sammy (Ronen Rubinstein) und sie hofft, dass der testosterongesteuerte Kerl, der angeblich „mit jeder vögelt“, ihr sexuelles Verlangen erwidern wird.

Wie Hittman hier mit einem glasigen Blick spielt, ist einer der spannendsten Aspekte von It Felt Like Love. Lila, die bemerkenswert von Gina Piersanti gespielt wird, ist abwechselnd Subjekt und Objekt. Lila beobachtet ihre Freundin und ahmt sie nach. Die Kamera beobachtet Lila, ihre Hand, ihren Hals, ihren nackten Rücken. Die Haut ist entblößt, aber nicht erotisiert. Es liegt eine lyrische Qualität und eine Unaufgeregtheit darin. Der Film ist absolut unromantisch und umso echter. Dass die expliziteste Nacktheit hier aus drei schlaffen Penissen besteht, sagt alles über Hittmans Sexualpolitik aus. 

Der Beitrag It Felt Like Love (2013) erschien zuerst auf filmfilter.

Den offiziellen Begriff des Serienmörders gibt es erst seit den 1970er Jahren, aber das Konzept ist fast so alt wie das Medium Film. Gehen wir den Weg zurück zu Robert Wienes Meisterwerk Das Cabinet des Dr. Caligari aus dem Jahr 1920 (verfügbar bei LaCinetek) und wir haben im Grunde eine Serienmördergeschichte – eine, in der die Morde von einem Schlafwandler, der von einem verrückten Professor hypnotisiert wird, ausgeführt werden.

Angesichts der ungezügelten Popularität von „True Crime“ und echten Mördern in der US-Kultur (speziell seit Truman Capotes „In Cold Blood“ und dessen meisterhafter Adaption 1967 durch Richard Brooks) ist es keine Überraschung: Die Geschichte des sogenannten „Boston Strangler“ wurde schon wieder einmal verfilmt. Die bekannteste Spielfilmversion The Boston Strangler inszenierte Richard Fleischer 1968 mit Hollywood-Star Tony Curtis, der damals gegen sein Sonnyboy-Image ankämpfte. Nur wenige Jahre nach der notorischen Mordserie an mindestens dreizehn alleinstehenden Frauen in der Gegend von Boston veröffentlicht, sind die einzigen bemerkenswerten Rollen für Frauen jene der Leichen.

Der neue Boston Strangler (ohne „the“ im Titel) von Matt Ruskin ist eine blutleere Angelegenheit, aber immerhin sind Frauen hier bei Bewusstsein und dürfen sprechen. Der Fokus liegt entsprechend auf der Geschlechterpolitik des Kriminalfalls und auf den beiden Frauen (gut gespielt von Keira Knightley und Carrie Coon), die erst dafür gesorgt haben, dass die Polizei den Frauenmorden tatsächlich nachging. Ein sehr willkommenes Korrektiv, auch wenn der amerikanische Regisseur und Drehbuchautor Matt Ruskin nicht an die Raffinesse seines augenscheinlichen Vorbilds David Fincher herankommt (Se7en, Zodiac und Mindhunter lassen sich auf Netflix streamen).

Spannung kommt nur selten auf, ebenso selten verdichtet sich die Atmosphäre, augenscheinlich geht es nicht um Nervenkitzel. Ruskins Zeitungsfilm versucht auch nicht, den verschobenen Geist des Mörders zu sezieren. Ähnlich wie das jüngste Journalistendrama über Harvey Weinstein, She Said,  spricht Boston Strangler die Beharrlichkeit von Frauen an, die sich gegen eine misogyne Gesellschaft wehren, in der Gewalt gegen Frauen erst so richtig gedeihen kann.

In den besten Filmen über Serienmörder ging es nie allein darum, transgressive Schocks zu liefern. Die wirklich sehenswerten untersuchen die Rolle, die unsere Gesellschaft bei der Entstehung eines Mörders spielt. Ist in einer kranken Gesellschaft ein Kindermörder wirklich schlimmer als der Lynchmob, der ihn verurteilt? M – Eine Stadt sucht einen Mörder (flat bei Mubi und Prime Video), der erste Tonfilm von Fritz Lang aus dem Jahr 1931, stellte die moralische Autorität der Menschen in Frage, die über Peter Lorres glubschäugigen Mörder zu Gericht saßen. Das hat leider auch Adolf Hitler sehr gut gefallen. Nachdem Nazi-Propagandaminister Joseph Goebbels ihm den größten Job im deutschen Kino angeboten hatte, floh Lang nach Paris und von dort nach Hollywood. M ist das Porträt eines Landes, das kurz vor dem seelischen Bankrott steht.

An der Oberfläche scheint Memories of Murder (ebenfalls flat bei Mubi und Prime Video) von Oscar-Preisträger Bong Joon-Ho eine Geschichte über einen tragikomischen Polizeiermittler (gespielt von seinem Parasite-Schauspieler Song Kang-ho) zu sein, der einen Serienmörder jagt. Großartig genug, aber wenn wir genauer hinschauen, spiegelt die Geschichte die Erinnerungen und das kollektive Trauma einer Nation während Südkoreas Militärdiktatur in den 1980er Jahren wider, wo die Inkompetenz des Autoritarismus den Mörder erst gedeihen ließ. Memories of Murder (2003), der lose auf der realen Geschichte von Südkoreas ersten Serienmorden basiert, ist Bong vom Feinsten und sein bislang vielleicht bester Film, eingehüllt in einen regennassen Neo-Noir-Mantel. Auch in Bongs regennasser Farbpalette und stilisierter Gewalt gibt es Spuren von Zodiac, obwohl Finchers Film erst vier Jahre später erschien. Beide Filme drehen sich nicht so sehr um den Killer als um den Kummer und die Frustration beim Versuch, ein Rätsel zu lösen.

Auch Spike Lees Summer of Sam (1999) ist ein Serienmörderfilm im Stil von Zodiac und verwendet die Morde von Son of Sam als Kulisse, um zu zeigen, wie sich ein kollektives Trauma, Paranoia und Vorurteile auf eine Stadt und ihre Bürger auswirken. Adrien Brody, John Leguizamo, Mira Sorvino u.a. porträtieren Nachbarn in einem italienisch-amerikanischen Teil von Brooklyn Ende der 1970er Jahre, während David Berkowitz New York mit einer 44-Kaliber Pistole terrorisierte. Während sich die Angst ausbreitet und die Hitze steigt, flammen die Spannungen unter den Bewohnern auf, was den Film (flat auf Disney+) auch zu einer inoffiziellen Fortsetzung von Lees Do the Right Thing (1989) macht.

Bekanntlich haben nicht ausschließlich Männer mörderische Absichten. Mit Monster hat Mubi nun eine berüchtigte Serienkillerin neu in seine Videothek aufgenommen. Mit der dafür oscargekrönten Charlize Theron in der Hauptrolle erzählt Petty Jenkins Meisterwerk aus dem Jahr 2003 die finstere Geschichte der Prostituierten Aileen Wuornos, die mindestens sieben ihrer Freier ermordet hatte und die folgenden zwölf Jahre im Schatten der tödlichen Injektionsnadel von Gouverneur Jeb Bush verbrachte. Therons Anverwandlung der Mörderin ist Legende. Sie kroch derart in Wuornos’ Haut, dass nicht einmal Roger Ebert die Schauspielerin in der Rolle erkannte, als er den Film zum ersten Mal sah.

Der Beitrag Killerkomplott erschien zuerst auf filmfilter.

Einmal im Jahr wird auf die Rechte und Errungenschaften meines Geschlechts aufmerksam gemacht – was in einer Welt echter Geschlechterparität nicht notwendig wäre, weil es so wäre, als würde man die Tatsache feiern, dass der Himmel blau ist. Aber hier sind wir nun einmal.

Frauen mögen in Hollywood-Produktionen unerfreulicher Weise immer noch unterrepräsentiert sein, doch sind sie natürlich das ganze Jahr über spannend – nicht nur am Weltfrauentag und nicht nur im Kino. Aber klar: Aus diesem Anlass fahren die Streamer ihre „weiblichen Geschütze“ auf. Kramt man in den Online-Bibliotheken, findet man zum Beispiel bei Sky Michaela Coels humoristische, tabubrechende Rachefantasie I May Destroy You (Tipp hier). Netflix hat eine eigene Damen-Kollektion und veröffentlicht zur Feier des Tages Vanessa Jopps neue deutsche RomCom Faraway. Wer ein bisschen tiefer gräbt, findet auch schöne Filme wie Lulu Wangs The Farewell.

Oder frau sieht sich flat auf Prime Video an, wie der Blick von Mary Harron auf Christian Bales perfekt geformtem Körper verweilt – auf die gleiche Weise, wie Männer seit Jahrzehnten Frauenkörper filmen. Wenige wissen, dass die Literaturverfilmung American Psycho von einer Frau stammt. Genauso wenig wusste ich als junges Mädchen, dass Point Break (flat bei Prime Video und Mubi) oder Gefährliche Brandung, wie er im Fernsehen hieß, von Kathryn Bigelow inszeniert wurde. (Leider realisierte ich erst mit Mitte zwanzig, dass der Blick einer Frau radikale neue Perspektiven eröffnen kann.) Der Kultklassiker aus dem Jahr 1991, der 2015 ein in meinen Augen zu frühes, unnötiges Remake hervorgebracht hat, ist eine actiongeladene Meditation über Männerfreundschaft, Gewalt und die vermeintliche Natur der Dinge, quasi ein Western im Wasser. Keanu Reeves hatte als Schauspieler noch einiges zu lernen, was den Film bei wiederholter Betrachtung auf eine großartige Weise unfreiwillig komisch macht, aber die charismatische Qualität von Patrick Swayze macht ihn auch zeitlos. Mehr Coolness geht nicht. Die Fallschirmsprung-Actionszene bleibt eine der besten, die jemals gefilmt wurden. Bigelow setzte grobe Handkameras ein, ein Stil, den sie später in The Hurt Locker (auch Mubi) perfektionieren würde. Mit diesem geschickt und präzis inszenierten Kriegsfilm über ein Bombenkommando im Irak versetzt sie die Zuschauer:innen mitten ins Geschehen – und erhielt als erste Frau einen Oscar für die beste Regie. Ein technisches Wunderwerk. (Und apropos Mubi: Dort läuft z.B. auch eine infektiös-feministische 68er-Farce.)

Speaking of Action und Oscars. Sie können den Weltfrauentag auch mit dem Sky-Pop-up-Sender begehen und Michelle Yeoh dabei zusehen, wie sie von einem Paralleluniversum zum nächsten springt. Die Schauspielerin, in Asien schon seit Jahrzehnten im Hongkong Action-Kino ein Mega-Star, spielt mehrere Versionen von sich selbst im Film der Stunde, der wohl zu den Oscar-Lieblingen zählen wird. Everything Everywhere All at Once beginnt passenderweise damit, dass die Kamera durch einen Spiegel geht. Gar nicht so subtil sagt das amerikanische Regieduo Dan Kwan und Daniel Scheinert damit, dass man hier wie Alice im Wunderland das Unmögliche erwarten sollte. Die skurrile, beseelte Geschichte mit sprechenden Steinen, Würstel-Fingern und Martial-Arts-Kämpfen mit Sexspielzeugen dreht sich um eine chinesische Waschsalonbesitzerin, fabelhaft gespielt von Yeoh, die eben in mehreren Paralleluniversen durchlebt, was aus ihr geworden wäre, hätte sie im Leben andere Entscheidungen getroffen. Die Oscars haben in diesem Jahr keine Frau für die Regie nominiert, nachdem zwei Jahre in Folge Frauen die Kategorie eingenommen haben (scheinbar war das zu viel), aber Michelle Yeoh sollte den Preis als beste Schauspielerin gewinnen. Cate Blanchett hat schon zwei zu Hause stehen und es wäre eine längst überfällige Würdigung der 60-jährigen Malaysierin.

Melanie Griffith wiederum bekam ihre erste und einzige Oscar-Nominierung für ihre Rolle der unterschätzen Sekretärin Tess McGill, die mit himmelhohen Haaren und Schulterpolstern 1988 Manhattan eroberte. Working Girl (flat bei Disney+) oder auf Deutsch Die Waffen der Frauen, ist selbstverständlich kein Film darüber, den Kapitalismus zu stürzen oder das Patriarchat niederzureißen. Die Komödie hat auch nicht die Scharfsinnigkeit von Mike Nichols besten Filmen wie The Graduate. Es ist eine schamlose Märchenfantasie, aber dass eine Frau, die auch im echten Leben wie ein Sexspielzeug behandelt wurde, am Ende den Job und den Prinzen bekam, war ein bisschen revolutionär.

Dass eine Karrierefrau nicht automatisch eine gute Chefin sein muss, zeigt uns Diane Kruger, neben der Christoph Waltz als „Boss from Hell“ ziemlich blass aussieht. Kann sich noch jemand an Kevin Spaceys Wutanfälle als bösartiger Hollywood-Studio-Boss in Swimming with Sharks erinnern? Knapp dreißig Jahre später behält eine neue sechsteilige Version davon (ab heute in der Canal+ App) etwas von dieser Bösartigkeit bei, teilt sie aber zwischen Diane Kruger und Kiernan Shipka auf. Die Showrunnerin Kathleen Robertson hat die Blaupause des 1994er Films genommen und sie in eine Seifenoper über erotische Besessenheit verwandelt.

Ein letzter Tipp zum Weltfrauentag (gegen moderates Entgelt bei diversen Anbietern): Barbet Schroeders Single White Female (1992) mit einer sehr jungen und fantastischen Jennifer Jason Leigh und mit Bridget Fonda. Obwohl oft kopiert und parodiert, bleibt Weiblich, ledig, jung sucht… wahrscheinlich der beste „Bad Roommate“-Film, der jemals gedreht wurde.

Der Beitrag Die Waffen der Frauen erschien zuerst auf filmfilter.

Schöpferin Sharon Horgan spielt auch selbst mit. Die Irin hat die belgische 2012er Fernsehserie Clan (der Guardian nannte diese „die schwärzeste Krimikomödie aller Zeiten“) adaptiert und mit Gewinn nach Irland verlegt. Mit Serien wie Catastrophe, Motherland und Divorce hat Horgan sich als Schöpferin stacheliger, komplexer Frauenfiguren etabliert. Bad Sisters ist da selbstverständlich keine Ausnahme.

Der Mann im offenen Sarg ist John Paul. Wie wir in Rückblenden sehen werden, war er ein so abscheulicher Schwager, dass Graces vier Schwestern (Sharon Horgan, Eva Birthistle, Eve Hewson und Sarah Greene) beschlossen haben, „der Natur eine helfende Hand zu geben“. Der großartige dänische Schauspieler Claes Bang (The Square) gibt hier laut Horgan eine Mischung aus Tante Lydia aus The Handmaid’s Tale und Cersei Lannister aus Game of Thrones. Naturgemäß scheint der Plan dieser Frauen nur allzu vernünftig, aber sie sind keine erfahrenen Mörderinnen. Ein indiskreter Versuch, John Paul in die Luft zu jagen, geht schief. „Wenn wir es noch einmal versuchen, tun wir es mit Gift … wie normale Frauen!“, sagt eine Schwester.

Angesichts der malerischen Küste und der Geschichte von Frauen, die sich verbünden, um einen missbräuchlichen Mann zur Strecke zu bringen, führen Vergleiche unweigerlich zum amerikanischen Pendant Big Little Lies. Aber in Bad Sisters steckt auch viel von den brillanten Stücken und Filmen von Martin McDonagh (In Bruges). Was den Titel betrifft: Es sind gute Schwestern. Nur moralisch vielleicht ein wenig fragwürdig.

Freitags neue Folgen im Stream auf Apple TV+

Weitere Serientipps gibt es in unserer aktuellen Serienvorschau für den Herbst

Der Beitrag Bad Sisters (2022) erschien zuerst auf filmfilter.

Netflix kann eine neue Season eines seiner größten Hits gerade gut gebrauchen. Wir haben drei lange Jahre darauf gewartet, nach Hawkins zurückzukehren, in die fiktive Stadt, in der sich gelegentlich schleimige Portale zu einem alptraumhaften Paralleluniversum öffnen. Doch das Warten hat sich gelohnt. Die neuen Folgen von Stranger Things sind großartig und es gibt endlich Antworten auf gewisse Fragen (keine Spoiler).

Die Duffer-Brüder haben die vierte Season ihre Game of Thrones-Staffel genannt, und es ist ein passender Vergleich, denn jede Folge fühlt sich wie ein actiongeladener Mini-Film an. Die Spezialeffekte sind noch besser als in den vorangegangenen Staffeln – zumal die Fortsetzung viel mehr Zeit im Upside Down verbringt. Mehr Budget bedeutet nicht immer eine bessere Produktion, aber man kann sehen, wie die Serienschöpfer ihr angebliches Episodenbudget von 30 Millionen Dollar voll ausgeschöpft haben.

Die Fortsetzung der populären Sci-Fi-Horrorserie beginnt im Frühling 1986. Kate Bush und Falco schwirren durch die Luft. Es ist etwa ein halbes Jahr her, seitdem ein riesiges Spinnenmonster ein Einkaufszentrum zerstört hat. Unsere Heldinnen und Helden haben sich auf der Welt verstreut. Die Byers, angeführt von Joyce (Winona Ryder), und eine immer noch machtlose Eleven (Millie Bobby Brown) sind in Kalifornien. Dort wird Eleven von bösen Klassenkameradinnen gemobbt und erleidet einen Wutanfall in Carrie-Manier; der arme Jim Hopper (David Harbour) sucht in einem sowjetischen Gefängnis nach einem Ausweg (während wir einen Ausweg aus dieser langweiligen Nebenhandlung suchen); und die pubertierende Hawkins-Crew (u.a. Finn Wolfhard, Gaten Matarazzo, Caleb McLaughlin und Sadie Sink) kommt auf die High School. Sie sind jetzt größer, aber auch alle auf die eine oder andere Art traumatisiert (die neue Staffel berührt Dinge wie Alkoholismus, Bulimie und Depressionen) und bleiben so sehenswert wie eh und je.

Natürlich gibt es auch ein Monster in Stranger Things. Es verfolgt seine Opfer, indem es ihre schlimmsten Ängste und Erinnerungen ausnutzt, sie dann in die Luft hebt und ihnen mit einem lauten Knirschen die Gliedmaßen bricht. Die Kinder nennen es Vecna, eine Anspielung auf einen Schurken aus Dungeons & Dragons. Die Kreatur ist das atemraubende Produkt von Barrie Gower, dem Maskenbildner hinter Game of Thrones’ Night King und den Strahlenopfern in Chernobyl. Es sieht aus wie eine Mischung aus beiden, hat ein bisschen was von Swamp Thing und ist dementsprechend grausig. Vecna ist auch eine explizite Anspielung auf Freddy Krueger, sehnig, mit riesigen Klauen; imposant, wie er ​​mit dem Mysterium der gesamten Serie verknüpft ist.

Abgesehen vom starken Einfluss von Nightmare on Elm Street gibt es auch mehr als nur ein paar Hommagen an Horrorklassiker wie Carrie, Halloween, Jaws, Poltergeist und so weiter. Stephen King, John Carpenter, Wes Craven, allen steht man hier Spalier. Auch die Spielberg’sche Essenz ist immer noch da.

Sechs der sieben am 27. Mai veröffentlichten, vom filmfilter bereits gesichteten Episoden sind mindestens 73 Minuten lang. Der Rest der vierten Stranger Things Season hat nur zwei Folgen, wird am 1. Juli veröffentlicht, und wir wissen, dass mindestens eine dieser Folgen zweieinhalb Stunden dauern wird. Man braucht schon ein wenig Sitzfleisch, aber wer denkt, dass das nicht binge-freundlich ist, irrt.

Auf ganz andere Weise beeindruckend ist Flee (bis 28.7. in der Arte Mediathek), die Geschichte eines afghanischen Flüchtlings. Der animierte Dokumentarfilm des dänischen Regisseurs Jonas Poher Rasmussen ist ein zutiefst intimes Porträt anhaltender Traumata und einer der humanistisch stärksten Filme des vergangenen Jahres. Er beginnt damit, dass Amin Nawabi (unter einem Pseudonym, um seine Identität zu schützen) vor der Kamera sitzt und die Augen schließt. Er atmet tief ein und Erinnerungen beginnen aus ihm heraus zu sickern.

Amin ist handgezeichnet – wie fast der gesamte Film. Zuerst ist er ein kleiner Junge, der sorglos durch die Straßen des Kabuls der 1980er tanzt. Er hat einen besonderen Platz für Jean-Claude Van Damme in seinem Herzen. Amin ist schwul, aber er hält es noch geheim. Einige Zeit später erinnert er sich an den Schock, als er mit seiner Mutter und seinen Geschwistern aus dem vom Krieg zerrissenen Afghanistan geflohen ist, nur um mit abgelaufenen Einwanderungspapieren im desolaten, postsowjetischen Russland in der Schwebe zu hängen. Aber seine vielleicht zermürbendste Erinnerung ist die an ein Boot voller Flüchtlinge, darunter auch er selbst, die versuchen, den Finnischen Meerbusen zu überqueren. Ein Kreuzfahrtschiff taucht am Horizont auf und die Flüchtlinge jubeln in der Annahme, dass das Schiff voller wohlhabender Touristen sie retten wird. Doch ihr Jubel schlägt in Entsetzen um, als die Touristen an Deck Fotos von den Menschen in den Booten machen. Eine Durchsage kommt: Die Polizei wurde alarmiert. Die Flüchtlinge werden nach Moskau zurückgebracht.

Die Animation erweist sich als perfekter Schutzschild für Amin und als Inspiration für Rasmussen, der mit Flee in die Fußstapfen von Ari Folmans preisgekröntem Zeichentrickfilm Waltz With Bashir (2008) tritt. Animierte Dokumentarfilme sieht man selten – jedenfalls in der langen Form –, und man könnte denken, sie haben es noch schwerer mit der Grenze zwischen Fiktion und Realität als „reale“ Dokumentarfilme. Doch es gibt nicht viele Filme, die authentischer und verletzlicher sind als Flee. Mehr als alles andere liegt alles in Amins Stimme. Im Atmen, in den Seufzern, dem gelegentlichen Verschlucken, wenn er sich an zurückerinnert.

Amin lebt jetzt in Dänemark, er ist erfolgreich und hat einen Freund. Der möchte gern mit ihm aufs Land ziehen, doch Amin merkt, dass ihn etwas zurückhält. Selbst jetzt strecken sich die Finger der Vergangenheit nach ihm aus. Das Trauma sitzt in den Knochen. Dennoch: Was am Ende bleibt, ist nicht der Schmerz, sondern die Hoffnung darauf, irgendwann bei sich selbst anzukommen.

Hier der ganze Film

Der Beitrag Traumabewältigung erschien zuerst auf filmfilter.

Platzspitzbaby von Pierre Monnard beruht auf dem gleichnamigen Erfahrungsbericht von Michelle Halbheer aus dem Jahr 2015 und erzählt von der 11-jährigen Mia, die viel zu früh schon viel zu erwachsen sein musste, und von ihrer jungen Mutter Sandrine, die längst schon jedes Gespür für Verantwortung durch die Spritze gejagt hat. Zu Beginn landen die beiden in einer Sozialwohnung in einer Kleinstadt im Zürcher Oberland, wo ein Neuanfang möglich scheint; Sandrine hat einen Entzug gemacht, Mia geht zur Schule. Dann findet Mia Freund:innen, Außenseiter wie sie, die rauchen, trinken und kiffen. Und Sandrine trifft alte Bekannte. So geht auch schon alles wieder den Bach hinunter, und diesmal droht es Mia mitzureißen.

Schmerzhaft genau bildet Platzspitzbaby das tückische Abhängigkeitsgeflecht zwischen Tochter und Mutter ab: die permanente (Selbst-)Überforderung der Tochter, die eine völlig desolate Mutter umsorgt, die wiederum die allmählich schwächer werdende Tochter manipuliert und ausbeutet, nicht zuletzt als emotionalen Notanker. Größten Respekt verdienen Luna Mwezi und Sarah Spale, die in den Rollen von Mia respektive Sandrine und in schauspielerischer Tour de Force die Dimensionen ihrer Charaktere ausloten, das Gefühlsverhängnis präparieren, das sie im Würgegriff hat, und als Gefängnis vor uns hinstellen. Nichts anderes ist die Sucht.

(Bei EuroVideo auf Disc bzw. gegen moderates Entgelt im Kino VOD Club oder bei diversen Streamern. Christiane F. empfehlen wir ebenfalls.)

Der Beitrag Platzspitzbaby (2020) erschien zuerst auf filmfilter.

Die Celebrity-Mutter: Mommie Dearest (1981) 

Die Macher dieses Films wollten keine Kultkomödie drehen, aber dank des hochgefahrenen Melodramas ist es so gekommen. In ihren umstrittenen Memoiren „Mommie Dearest“ aus dem Jahr 1978 schrieb Christina Crawford über den mutmaßlichen Missbrauch durch ihre Filmstar-Mutter Joan. Gespielt hat sie Faye Dunaway, ihr Gesicht mit gespenstischer Nachtcreme eingeschmiert, ihre Tochter mit einem Kleiderbügel schlagend oder nach einer Axt heulend, während sie besoffen ihren Rosengarten dezimiert. Mommie Dearest (Meine liebe Rabenmutter) unter der Regie von Frank Perry ist quasi die Mutter aller Filme über schlechte Mütter.

Gegen moderates Entgelt bei Apple und Prime Video

Die arbeitende Mutter: Mildred Pierce (1945)  

Apropos Crawford: Aufopferungsvolle Mutterschaft trifft auf Film Noir in Michael Curtiz’ Meisterwerk Mildred Pierce mit Joan Crawford in ihrer Oscar-prämierten Rolle als verlassene Ehefrau und Mutter, die von der Kellnerin zum Restaurant-Tycoon aufsteigt. Doch obwohl oder gerade weil sie ihrer Tochter alles gibt, was diese will, erschafft sie in Veda (Ann Blyth) eine verwöhnte, undankbare Göre, die ihre Liebe nicht erwidert. Sie schlägt ihrer Tochter ins Gesicht und die schlägt zurück – was im Schatten von Mommie Dearest ein interessantes Licht ergibt. Crawford spielt eigensinnig und großartig. Ihre Mildred ist eine der denkwürdigsten Leinwandmütter.

Gegen moderates Entgelt bei Apple und Prime Video

Die jenseitige Mutter: Psycho (1960)

Die Mutter von Norman Bates (Anthony Perkins) in Alfred Hitchcocks Klassiker Psycho ist eifersüchtig und überfürsorglich. Bekanntlich ist sie auch tot, was wir aber erst sehen, wenn wir im Keller auf das Skelett der Dame stoßen. Bekanntlich ist sie die ödipale Kopfgeburt von Norman Bates, dem ikonischen Mörder mit Identitätsstörung, der Janet Leighs Marion Crane in sein Motel eincheckt – und der Rest ist wohl auch bekannt. Obwohl wir sie nie wirklich treffen, ist sie eine der bedeutendsten Mütter der Filmgeschichte. Ihre Stimme so schrill wie die kreischenden Geigen von Bernard Herrmann. Wer sie in einem früheren Leben kennenlernen wollte, ist ihr in Gestalt von Vera Farmiga in der Serie Bates Motel (2013–2017) begegnet.

„Psycho“ gibt es gegen moderates Entgelt bei diversen Streamern, „Bates Motel“ flat auf Sky zu sehen.

Die überfürsorgliche Mutter: Mother (2009)

Mother beginnt mit einer schönen Aufnahme von „Mutter“ (die namenlos bleibt und von Kim Hye-ja gespielt wird), die mit einem teils leeren, teils glücklichen Gesichtsausdruck in einem Feld aus gelben Gräsern tanzt. Am Ende werden wir die Szene ein zweites Mal sehen, aber in einem anderen Kontext. Zehn Jahre vor seinem Oscar-prämierten Parasite erzählte der Südkoreaner Bong Joon-ho die beinahe ödipale Geschichte dieser Mutter, die vor nichts zurückschrecken würde, um den Namen ihres geistig behinderten Sohnes (Won Bin) reinzuwaschen. Mit seiner üblichen Mischung aus dunkel, tragisch und komisch schuf Bong eine beeindruckende Hitchcock-Hommage.

Flat auf Sky oder gegen moderates Entgelt bei Prime Video u.a.

Die suchende Mutter: Todo sobre mi madre (1999)

Pedro Almodóvar ist ein Genre für sich, wenn es um Film-Mütter geht. Aber vielleicht zeigt keiner seiner Filme die Figur der Mutter so liebevoll wie Todo sobre mi madre (Alles über meine Mutter), seine Oscar-gekrönte Ode an Mutterliebe und Selbstfindung. Cecilia Roth spielt eine Frau, die nach dem Mord ihres Sohnes nach Barcelona zurückkehrt und dort eine neue Familie in einer Trans-Sexarbeiterin (Antonia San Juan), einer HIV-positiven, schwangeren Nonne (Penélope Cruz) und einer Schauspielerin (Marisa Paredes) findet. Der Film entstand in den letzten Lebensmonaten von Francisca Caballero, der Mutter des Regisseurs, und endet mit den Worten: „An alle, die Mütter sein wollen. An meine Mutter.“

Ebenso muttertagstauglich, eigentlich an jedem Tag: Almodóvars ¿Qué he hecho YO para merecer esto!! (1984), Volver (2006), Dolor y gloria (2019) und Madres paralelas (2021).

„Todo sobre mi madre“ ist in AT auf Rakuten TV, „Madres paralelas“ am Muttertag noch in einigen Kinos zu sehen.

Die furchteinflößende Mutter: Ich seh, Ich seh (2014)

Die mumifizierte Mutter (gespielt von Susanne Wuest) in diesem klinisch finsteren Horrorfilm von Veronika Franz und Severin Fiala ist vergesslich, unheimlich und sie schläft viel. Sie hortet auch Tiefkühlpizza in der Gefriertruhe im Keller. Gerade von einer Schönheitsoperation nach Hause gekommen, erkennen ihre eineiigen, engelsgleichen Zwillingssöhne (Lukas und Elias Schwarz) sie nicht wieder. Ich seh, Ich seh geht großartig gruselig auf die Essenz der Beziehung zwischen Mutter und Kind ein und verdreht sie böse.

Gegen moderates Entgelt bei Prime Video oder z.B. im KINO VOD CLUB

Die unnatürliche Mutter: The Lost Daughter (2021)

„Ich bin eine unnatürliche Mutter“, sagt Olivia Colmans Figur an einer Stelle im ersten Regiefilm von Maggie Gyllenhaal. Aber im Grunde will die Filmemacherin sagen, dass es so etwas wie „unnatürliche“ Mütter gar nicht gibt. The Lost Daughter (Frau im Dunkeln) sprengt eines der größten verbliebenen Tabus des Feminismus: den Madonna-Mythos. Es ist eine kraftvolle und mutige Darstellung von Mutterschaft und Weiblichkeit aus einer Perspektive, die wir in Filmen nur selten zu sehen bekommen, eine, die sich mehr auf die Liebe einer Frau zu sich selbst konzentriert als auf die Liebe zu ihren Kindern. (hier unsere erste Erwähnung)

Auf Netflix

Die Single-Mutter: 20th Century Women (2016)

Mike Mills’ halbautobiografischer Film 20th Century Women (Jahrhundertfrauen) ist ein Liebesbrief an die unkonventionelle Frau, die ihn in den 1970ern allein großgezogen hat, gespielt von Annette Bening. Zwei Frauen (Greta Gerwig und Elle Fanning) helfen ihr dabei, aus ihrem Sohn (Jamie Fields) einen „guten Mann“ zu machen, in einer Zeit, in der sich Dinge wie „Männlichkeit“ und „Weiblichkeit“ rasant verändern. Reaganismus, Aids und Kapitalismus werden in einem Sommer des Experimentierens und des feministischen Fortschritts erforscht – klitorale Stimulation inklusive.

Gegen moderates Entgelt bei diversen Streamern

Die seriell obsessive Mutter: The Act (2019)

Dee Dee Blanchard hat ihre Tochter Jahrzehnte lang absichtlich krank gemacht und nach außen „die Mutter des Jahres“ gespielt. Im Juni 2015 ließ die 23-jährige Gypsy ihre Mutter von ihrem Freund ermorden. Sie sitzt heute im Gefängnis. Die tragische Geschichte wurde in eine Miniserie verwandelt, mit der großartigen Patricia Arquette als Mutter und Joey King als Tochter. In acht Folgen erforscht die Dramaserie die wirklich komplizierte Textur des gestörten Abhängigkeitsverhältnisses zwischen einer Tochter, die erwachsen werden will, und einer Mutter, die dies nicht zulässt. Eine Spritze gegen eine nicht vorhandene Zuckerallergie wird hier sowohl zu einem Akt der Grausamkeit als auch zu einem perversen Akt der Liebe. Ein ebenfalls rezenter, thematisch dazu paralleler Film heißt Run (2020) und wartet mit dem ebenso superben Mutter-Tochter-Duo Sarah Paulson und Kiera Allen auf.

„The Act“ in DE bei Starzplay auf Prime Video, „Run“ flat auf Prime Video

Die ko-dependente Mutter: Grey Gardens (1975)

Keine Muttertags-Liste wäre vollständig ohne diesen Klassiker. Grey Gardens ist einer der legendärsten Verité-Filme aller Zeiten. Dieses Porträt von Edith Bouvier Beale und ihrer Tochter Edie, den exzentrischen Verwandten von Jacqueline Bouvier Kennedy Onassis, ist ein Walzer der Ko-Abhängigkeit, der Tennessee Williams würdig ist. Die beiden lebten verwahrlost in einem heruntergekommenen Herrenhaus in den East Hamptons, und der zutiefst intime Dokumentarfilm der Maysles-Brüder (mit Ellen Hodvde) aus dem Jahr 1975 fängt die Exzentrizität und die Tragik ihres Lebens ein. Grey Gardens ist so ein Juwel, dass er in Bill Haders und Fred Armisens Comedy-Serie Documentary Now! parodiert wurde. Die Folge „Sandy Passage“ ist fast so gut wie das Original.

Kostenlos zu sehen auf watchdocumentaries

Der Beitrag Mother! erschien zuerst auf filmfilter.

Obwohl Disclosure (1994) mit Demi Moore als Femme fatale als frauenfeindliche Gegenreaktion auf den Beginn einer liberalen Periode in der US-amerikanischen Politik und Geschäftswelt gesehen werden kann, funktioniert der Film mit Michael Douglas als sexuell belästigtem Angestellten auch anders, nämlich als egalitäre, feministische oder postfeministische Untersuchung der Machtdynamik zwischen den Geschlechtern. Gerade in den vergangenen Jahren mit #MeToo und #SheToo fühlte sich das relevant an.

Ich habe in den ersten, einsamen Tagen der Pandemie einen Deep Dive gemacht und mir jeden amerikanischen Erotik-Thriller angesehen, den ich erwischen konnte: American Gigolo (1980), Color of Night (1994), The Postman Always Rings Twice (1981), Body Heat (1981), Dressed to Kill (1980), The Last Seduction (1994), Single White Female (1992), Sliver (1993), Body of Evidence (1993), Wild Things (1998) und so weiter. Ich habe gesehen, wie Patricia Charbonneau sich in Call Me (1988) eine Orange zwischen die Schenkel steckt.

Es wurde also ziemlich steamy (irgendwie muss man so einen Lockdown ja überstehen). In der Blütezeit des erotischen Thrillers trieben es Michael Douglas und Glenn Close am Rand einer Küchenspüle und Sharon Stone schockierte ihre männlichen Verhörer mit ihren ungekreuzten Beinen, um zu enthüllen, dass sie keine Unterwäsche trug. Fatal Attraction (1987) und Basic Instinct (1992) sind beide mehrfach Oscar-nominierte, umsatzstarke Klassiker der Kategorie.

In den vergangenen zwanzig Jahren verschwand Sex immer mehr aus dem amerikanischen Mainstream-Kino, während kastrierte Superhelden praktisch jede Leinwand in jedem Multiplex übernehmen und Pornos im Internet florieren.

Die amerikanische Kultur ist gleichzeitig irgendwie puritanischer und vulgärer geworden. Wenn ein Europäer wie Lars von Trier Nymphomaniac (2013) ins Kino bringt, bleiben die Amerikaner:innen zu Hause. Nicht annähernd eine Million Dollar hat der Film in den USA eingespielt. Es traut sich heute auch keiner mehr in Hollywood (mit wenigen Ausnahmen), solche Filme zu machen, weil das Spielfeld der Sexualpolitik zu prekär ist. Kaum jemand will erforschen, wie Macht und Sex, Lust und Schmerz ineinander verstrickt sein können. Und dann ist die Grenze zwischen Kunst und Trash, zwischen Kunst und Porno, natürlich eine, die ständig im Flux ist. Das Tabu und der Spaß am erotischen Thriller war immer schon die schräge Sexualpolitik, aber es ist schwierig darüber zu sprechen, ohne Tabus zu brechen.

Wer das Gespräch über die alten Tage, als das Hollywood-Kino noch sexy war, fortsetzen möchte, sollte sich You Must Remember This anhören, einen Hollywood-Podcast der amerikanischen Filmkritikerin Karina Longworth, die tief in den Aufstieg, den Niedergang und das Nachleben von Sex und Erotik in Hollywood-Filmen eintaucht.

Meine eigene Faszination für Erotik-Thriller kann ich auf Eyes Wide Shut (1999) zurückführen; in der ersten, zwölfteiligen Staffel („Erotic 80s“) des genannten Podcasts geht es um Sex in Hollywoodfilmen in den zwanzig Jahren vor Stanley Kubricks letztem Film. Die erste Folge führt uns zurück zu einer Party in den 1960er Jahren, als Kubrick, fasziniert von einem Porno, der dort gezeigt wurde, sich offenbar eine Zukunft vorstellte, in der expliziter Sex in das Mainstream-Kino Hollywoods integriert werden könnte. „Wäre es nicht interessant“, soll Kubrick gesagt haben, „wenn das eines Tages jemand tun würde, der ein Künstler ist?“

Es ist leicht, erotische Thriller als sexistische Schmuddelfilme zu disqualifizieren – was sie nicht selten sind. Diese Filme lösten oft zurecht Kontroversen aus und viele von ihnen sind unfreiwillig lustig (I’m looking at you Madonna in Body of Evidence). Aber sie haben mehr zu bieten, als man auf den ersten Blick sieht. Abbey Bender schreibt über ihre „Faszination“ für das Genre in der New York Times: „Der Erotik-Thriller wurde in der prosperierenden Reagan-Ära bekannt, die politisch konservativ, aber kulturell trashig war. Diese Filme erforschten diesen Widerspruch auf fruchtbare Weise und wurden in den Neunzigerjahren an den Kinokassen vergoldet. Sie destillierten die Exzesse und Ängste der Yuppie-Kultur zu psychosexuell chaotischen, aber stilisierten kommerziellen Produkten, bevor sie in der Luft verpufften.“

Eine Theorie ist, dass Sex nicht verpufft ist, sondern sich auf den kleinen Bildschirm verlagert hat: The Voyeurs, The Undoing und so weiter. Fatal Attraction und Paul Schraders American Gigolo, mit Jon Bernthal in der Rolle von Richard Gere, werden derzeit als Serien neu aufgelegt. Aber man kann die alte Formel nicht einfach auf einen Film aus dem Jahr 2022 klatschen. Ein „feministischer Spin“ soll dem Genre neues Leben einhauchen. Vulture hat dem Erotik-Thriller im April eine ganze Woche gewidmet. Die Tagline: „Make Hollywood horny again.” Es lohnt sich wirklich rein zu lesen.

Einige Filmemacher:innen haben versucht, den Erotik-Thriller am Leben zu erhalten, darunter auch Pseudo-BDSM-Filme wie Fifty Shades of Grey oder die polnische Antwort darauf, 365 Dni. Adrian Lyne, der Regisseur von Filmen wie Flashdance (1983), Indecent Proposal (1993) und Fatal Attraction, kehrte 2002 mit Unfaithful zurück. Der Film war ein kommerzieller Erfolg und brachte Diane Lane eine Oscar-Nominierung als beste Hauptdarstellerin. Im März veröffentlichte Lyne seinen ersten Film seit 20 Jahren: Deep Water (bei Amazon), ein Erotik-Thriller, der leider nicht sonderlich erotisch ist.

Man darf sich wünschen, dass das US-Kino wieder mutiger und wieder sinnlicher wird, aber das würde bedeuten, dass die Amerikaner:innen ihre dreckigsten Fantasien und ihre dunkelsten Ängste erforschen müssten.

Der Beitrag Wo ist all die Erotik hin? erschien zuerst auf filmfilter.

Der europäische Traum vom verlorenen Gold führte viele Eroberer auf eine fruchtlose Reise in die Regenwälder und Berge Südamerikas. „Wir verbringen unsere Zeit damit, einen Sinn zu finden“, sagt der quixotische Antiheld von Re Granchio (The Tale of King Crab), „aber tief im Inneren wissen wir, dass wir nichts sind.“ Die tragische Geschichte von Luciano, gespielt von Gabriele Silli, steht im Herzen des gut aussehenden, ersten Spielfilms der italienischen Regisseure Alessio Rigo de Righi und Matteo Zoppis.

Es sind im Grunde zwei Filme in einem. Das erste Kapitel ist üppig und sinnlich und erinnert an die italienischen Meister der Siebziger. Das zweite ist ausgefallen und naturalistisch und beschwört Werner Herzog und Lucrecia Martel herauf. Zusammen mit ihrem Kameramann Simone D’Arcangelo, dem Digital-Imaging-Techniker mehrerer Woody-Allen-Filme, haben de Righi und Zoppis beeindruckende Bilder geschaffen: etruskisches Gold, das auf dem Grund eines Sees leuchtet; das Glitzern der Sonne im Bart eines Betrunkenen; ein altes spanisches Schiff, das nach einem Sturm auf Grund gelaufen ist.

Gabriele Sillis Gesicht ist eine eigene Landschaft für sich, sein Bart ein Urwald. Er ist kein professioneller Schauspieler (und der Großteil des Ensembles auch nicht), und doch merkt man ihm nicht an, dass dies sein Leinwanddebüt ist. Als wir seinen Luciano zum ersten Mal treffen, ist er ein Trunkenbold im Italien des 19. Jahrhunderts, verliebt in Emma (Maria Alexandra Lungu, die in Alice Rohrwachers Le meraviglie mitspielte). Eine Tragödie führt zum zweiten Kapitel, „Das Arschloch der Welt“ genannt, das uns in einen Spaghetti-Western mit magischem Realismus und in die kargen Landschaften von Argentiniens Feuerland versetzt, wo wir auch die Kreatur treffen, die dem Film seinen Titel gibt. Jetzt sucht Luciano nach einem Schatz und benutzt die Krabbe als Kompass. Mehr zu sagen, würde die Geschichte verderben, aber es ist der Stoff, aus dem Legenden gemacht werden.

Auf keiner Legende, sondern einer wahren Geschichte (einem Podcast natürlich), basiert eine neue, achtteilige Polit-Serie auf dem Prime Video Channel Starzplay. Wir ertrinken ja dieser Tage förmlich in True Crime, aber Gaslit zählt zu den besseren Adaptionen, die Streaming zu bieten hat. Julia Roberts spielt Martha Mitchell, die prominente Ehefrau von Richard Nixons Wahlkampfmanager und Generalstaatsanwalt John Mitchell (Sean Penn). Und sie lehnt sich herrlich rein in den Südstaatenakzent der Grand Dame. Sie hat die natürliche Ausstrahlung von zehn Sonnen. Martha Mitchell war eine Schwätzerin und plauderte gerne heimlich mit der Presse. Sie wurde unter Drogen gesetzt, geschlagen und praktisch in einem Hotelzimmer gefangen gehalten, damit sie keine Geheimnisse über Watergate ausplauderte.

Es war einer der größten politischen Skandale in Amerika, aber Gaslit inszeniert die Affäre als eine holprige, dunkle Komödie – und das ganz ohne Nixon. Ein kluger Schachzug, denn mit Nixon haben wir die Geschichte schon oft gesehen.

Die Serie wurde von Sam Esmail produziert und von Robbie Pickering geschrieben, dem Autor von Esmails Mr. Robot, und seine Fingerabdrücke und die von Esmails Homecoming (auch mit Julia Roberts), sind überall in Gaslit zu sehen. Alles ist stimmungsvoll beleuchtet und mit Streichern unterlegt.

Bemerkenswert auch die Besetzung: Sean Penn hat es ein wenig schwierig, weil der Schauspieler unter künstlichen Prothesen begraben ist, aber er liefert sich einen Oscar-würdigen Ehekrieg mit Julia Roberts, auf den Edward Albee („Who’s Afraid of Virginia Woolf?“) stolz wäre. Aber das inoffizielle Highlight ist Shea Whigham (aus Boardwalk Empire und Perry Mason), der hier als der schnauzbärtige, manische, ehemalige FBI-Agent Gordon Libby auf entzückende Weise außer Kontrolle gerät.

Es gibt keinen eleganten Übergang zum dritten Tipp: Fresh (Disney+) fühlt sich an wie eine Mischung aus Get Out, The Tinder Swindler und Raw. Der Debütfilm der Musikvideoregisseurin Mimi Cave ist buchstäblich ein Horrorszenario des modernen Dating. Die Idee ist nicht neu, aber die Art und Weise, wie Cave sie umsetzt, wirkt erfinderisch. Daisy Edgar-Jones (Normal People) spielt Noa, eine abgestumpfte junge Frau, die von Dating-Apps genug hat. In der ersten Szene sagt ihr „Match“ zu ihr, dass Frauen wie sie, in Schlabberpullis, einfach nicht mehr so ​​weiblich sind, wie sie es früher waren. Nachdem er sie eine „hochnäsige Schlampe“ genannt hat, geht Noa desillusioniert wieder nach Liebe wischen. Da trifft sie den charmanten Steve (Sebastian Stan), ausgerechnet im Gemüseregal eines Supermarktes. Er ist gutaussehend, lustig und behauptet, ein plastischer Chirurg zu sein. Sie verstehen sich so gut, dass sie beschließen, für ein Wochenende zusammen wegzufahren. Ungefähr dreißig Minuten nach dem Beginn von Fresh läuft der Vorspann. Bis dahin entfaltet sich der Film wie eine drollige, romantische Komödie. Dann kommt das Hauptgericht.

Steve ist nicht nur ein psychotischer Hannibal Lecter, der Frauen wie Kalbfleisch filetiert. Er züchtet Frauen, um ihr Fleisch an reiche, weiße Männer auf dem Schwarzmarkt zu verkaufen (Fresh ist nichts für zarte Gemüter).

Fresh wurde von Lauryn Kahn geschrieben, der ehemaligen Assistentin von Adam McKay, der den Film produziert hat, und das merkt man. Es ist ein kluger, politisch bewusster, manchmal lustiger Film darüber, wie Frauen in der Gesellschaft auf ihre Körperteile reduziert werden. Der Kameramann Pawel Pogorzelski, der mit Regisseur Ari Aster bei Hereditary und Midsommar zusammengearbeitet hat, inszeniert diese Metapher mit vielen extremen Nahaufnahmen von Augen, Lippen und anderen anatomischen Teilen. Fresh ist ein potenter Horrorfilm mit feministischem Rachebrüllen.

Der Beitrag Krabben und Kannibalen erschien zuerst auf filmfilter.

In der achten und letzten Folge von The Dropout, die den Bluttest-Skandal um das Unternehmen Theranos fiktionalisiert, ist Elizabeth Holmes’ Schwindel aufgeflogen (das ist kein Spoiler). Sie verbringt einen Moment damit, so laut zu schreien wie sie kann, und dann steigt sie ruhig in ein Uber, ihr strahlendes Lächeln wieder aufgesetzt. Das ist die Pathologie der Lizzy Holmes „in a nutshell“.

In The Dropout (ab 20. April bei Disney+) sehen wir Holmes, mit Gusto gespielt von Amanda Seyfried, im Alter von nur neunzehn Jahren Theranos gründen. Sie behauptet, einen Test entwickelt zu haben, der Krankheiten mit nur einem Blutstropfen diagnostizieren kann. Sie bricht ihr Studium ab, vergleicht sich immer wieder mit Steve Jobs, während sie Investoren das Blaue vom Himmel erzählt. Sie schafft es, Rupert Murdoch und den ehemaligen US-Außenminister Henry Kissinger hinters Licht zu führen. Schließlich erklärt Forbes sie zur jüngsten Selfmade-Milliardärin Amerikas. Das Problem daran: Ihre Technologie funktioniert nicht. Von Folge zu Folge zerbricht die Illusion in immer kleinere Stücke.

Es ist eine erstaunliche Geschichte, und wir haben es vorausgesehen und außerdem liegt so etwas im Trend. Smart war die Entscheidung der Showrunner von The Dropout, Liz Meriwether und Regisseur Michael Showalter, Holmes soziopathische Züge zu geben und sie eben nicht zu einer sympathischen Pseudoheldin zu machen. Die Serienschöpfer schenken uns mehrere Szenen, in denen Holmes mit ihrer bizarren, künstlich tiefen Stimme vor dem Spiegel experimentiert. Die Leere ihres Blicks, die Bewegungen ihres Kopfes und das unheimliche Timbre ihrer Stimme: Holmes trainierte all das, um dem Bild einer Disruptorin des Patriarchats im 21. Jahrhundert zu entsprechen.

Während The Dropout uns eine Quasi-Feministin vorstellt, bietet Roar (auf Apple TV+ ab 15. April) acht potente feministische Fabeln. Die Anthologie-Serie der GLOW-Co-Creators Liz Flahive und Carly Mensch basiert auf acht von dreißig Geschichten aus Cecelia Aherns skurriler gleichnamiger Kurzgeschichtensammlung. Jede Folge zeigt die Chronik einer anderen Frau, oft mit magisch-realistischem Touch. Die New York Post hat das Werk als „feministisches Black Mirror“ bezeichnet. So weit würde ich nicht gehen. Nicht jedes Kapitel hat die gleiche Qualität, wie es so oft bei Anthologien der Fall ist.

In der ersten Folge, „The Woman Who Disappeared“, wird eine dunkelhäutige New Yorker Schriftstellerin nach Los Angeles geflogen, um Gespräche über eine Adaption ihrer Kindheitserinnerungen zu führen – nur um festzustellen, dass die weißen Hollywood-Bonzen um sie herum sie nicht wahrnehmen. „The Woman Who Was Kept on a Shelf“ ist ein echtes Highlight, mit Betty Gilpin als buchstäblicher Trophy Wife, die von ihrem Mann gebeten wird, die ganze Zeit über auf einem Deko-Regal zu sitzen und einfach „bewundert zu werden“. In „The Woman Who Ate Photographs“ versucht Nicole Kidman durch den Verzehr von Fotos an wertvollen Kindheitserinnerungen festzuhalten, während sie ihre Mutter (eine wunderbare Judy Davis) an Demenz verliert. Sie merken schon, die Episodentitel sind wörtlich zu nehmen. Die metaphorischen Ideen der kurzweiligen Episoden, teils eindrucksvoll, teils drollig, können innerhalb von dreißig Minuten leider nicht ganz auserzählt werden, aber der Gesamteindruck ist charmant.

Die angebliche Sünde der fünf Schwestern im Herzen von Mustang (bei MUBI) ist, dass sie mit ein paar Buben im Schwarzen Meer Hahnenkampf spielen. Aus dem unschuldigen Geplänkel wird ein Sexskandal, was dazu führt, dass Großmutter und Onkel die Mädchen mehr oder weniger in ihrem Haus einsperren. Sie werden zum Arzt geschleppt, um ihre Jungfräulichkeit zu überprüfen, bevor alle fünf Mädchen aus der Schule genommen, ans Haus gefesselt und gezwungen werden zu lernen, wie sie für ihre zukünftigen Ehemänner kochen.

Die in der Türkei geborene, französische Regisseurin Deniz Gamze Ergüven findet leise und laute Akte der Rebellion, Humor und Wärme in ihrem ersten Film. Sie schwelgt in der Schönheit und dem Freigeist von Elit Iscan, Ilayda Akdogan, Güneş Şensoy, Doga Zeynep Doguslu und Tugba Sunguroglu, insbesondere in deren langen, ungezähmten Haaren – eine Anspielung auf die Kreatur im Titel. Vor allem die natürliche Ausstrahlung seiner Schauspielerinnen hat dem Drama aus dem Jahr 2015 viele verdiente Auszeichnungen eingebracht, einschließlich einer Oscar-Nominierung für den besten fremdsprachigen Film.

Wir haben gerade zwei Jahre hinter uns, die sich für viele von uns seltsam angefühlt haben. Seltsam dazu gepasst hat eine Serie anzusehen, in der zwei Prozent der Weltbevölkerung einfach verschwinden. Nach zweimaligem Sehen halte ich jedenfalls The Leftovers für eines der besten Fernsehdramen des Jahrhunderts, und ich bin nicht allein, aber viele Menschen haben die Serie, die von 2014 bis 2017 erstausgestrahlt wurde, damals nicht gesehen. Sie kämpfte um Einschaltquoten, dabei wurde sie immer besser (und auch immer besser rezipiert) und entpuppte sich als tiefgründiges Werk des modernen Surrealismus.

In drei Seasons (ab 16. April auf Prime Video) untersuchen Damon Lindelof – der mit Lost Weltruhm erlangte – und Tom Perrotta die Folgen eines ungeklärten Ereignisses, das dazu geführt hat, dass sich 140 Millionen Menschen in Luft aufgelöst haben – was unweigerlich dazu führt, dass viele der Menschen, die auf der Erde geblieben sind, nicht in der Lage sind weiterzumachen (überraschenderweise backt niemand Brot). Lindelof lehnt sich an bedeutungsschwangere Symbolik an, spielt mit der Bibel und ausgedehnten Traumsequenzen und weigert sich, sein Publikum mit dem Löffel zu füttern. Er versteht eben, dass es viele Dinge geben kann, die wir nie mit Sicherheit wissen werden. Wir erzählen uns Geschichten, um mit Verlusten fertig zu werden und unserem Leben einen Sinn zu geben.

Perrottas Roman, auf dem die Serie basiert, war im Wesentlichen eine Allegorie für die Trauer nach dem 11. September. Sinnlose Gewalt und die darauf folgende Tragödie, so die Implikation, verleihen der Existenz eine surreale Dimension. Mit opulenter Kinematographie, einer Partitur von Max Richter in der ersten Saison und zu vielen großartigen schauspielerischen Leistungen, um sie alle aufzählen zu können (z.B. Justin Theroux, Carrie Coon, Christopher Eccleston, Ann Dowd oder Regina King), stürzt sich die Serie mit ganzem Herzen in kollektive Trauerarbeit, ob es sich nun um einen kettenrauchenden Weltuntergangskult oder eine wissenschaftliche Verschwörung handelt. Eine häufige Kritik an der Serie war, dass sie zu deprimierend sei. Ich dagegen habe in The Leftovers immer auch einen dunklen Sinn für Humor und Hoffnung gesehen. Wir wissen ja: In jedem Ende steckt auch ein Anfang.

Der Beitrag Das Brüllen der Frauen erschien zuerst auf filmfilter.