Während Alex Garland sich in seinem bildgewaltigen Anti-Kriegsgedicht Civil War im Kino gerade einen zweiten Bürgerkrieg in den USA ausmalt (schwer zu sagen, ob es eine heftige Warnung oder eine finstere Prophezeiung sein soll, vielleicht beides), verkündete Peter Finchs Nachrichtensprecher Howard Beale den Tod der Demokratie schon vor fast fünfzig Jahren in Sidney Lumets Oscar-gekröntem Meistwerk Network (1976): „In unseren verängstigten Seelen wissen wir, dass die Demokratie ein sterbender Riese ist, ein krankes, krankes, sterbendes, verfallendes politisches Konzept, das sich in seinem letzten Schmerz windet!“

Sie können sich den legendären „We’re In A Lot of Trouble“-Monolog und die noch legendärere „I’m Mad As Hell“-Szene in ihrer ganzen, glorreichen Pracht am 27. April auf der großen Leinwand im Wiener Metro-Kino ansehen. Denn mitproduziert hat die Mediensatire Network der in Österreich geborene Eric Pleskow, damals Präsident von United Artists. Nächste Woche wäre der 2019 verstorbene Hollywood-Produzent und ehemalige Präsident der Viennale 100 Jahre alt geworden. Ein guter Grund für das Filmarchiv Austria ein Best-of-Pleskow zu zeigen.

Am 24. April 1924 in Wien als Erich Pleskoff geboren, flüchtete er drei Tage vor Kriegsausbruch mit seinen jüdischen Eltern über Umwege in die USA. Ein Zufall brachte ihn zum Film; der Rest ist Oscar-Geschichte. Selbst produziert hat er tatsächlich nur einen Film, John Boormans Ostasien-Drama Beyond Rangoon (1995), aber für vierzehn Filme, die später mit mindestens einem Academy Award ausgezeichnet wurden, gab er grünes Licht. „Ich habe ein paar Oscars zu Hause und das ist gefährlich“, hat er einmal kokett erzählt. „Ich war neulich kurzatmig und musste den Krankenwagen rufen. Sie kamen rein, sahen die Oscars und vergaßen, warum sie eigentlich reingekommen waren.“

Fünf Oscars in allen Hauptkategorien gewann Miloš Formans One Flew Over the Cuckoo’s Nest, ein Drama, das ein gespaltenes Amerika brillant auf die Dimensionen einer psychiatrischen Anstalt reduzierte. Aber während der Film Jack Nicholson als liebenswerten Schurken New Hollywoods zementierte, erinnere ich mich lieber an seine Gegenspielerin, die so beängstigend war, dass sie Mildred Ratched (gespielt von der wunderbaren Louise Fletcher) in den Bereich der Ikonen hob. Die Banalität des Bösen in einer knackigen weißen Mütze oder einfach nur eine Frau, die sich gegen einen Grobian und Lustmolch durchsetzt.

Eric Pleskow stieß zu dem Film, als der sich bereits in jenem Status befand, der in Hollywood development hell genannt wird (Kirk Douglas hatte 1962 die Rechte an Ken Keseys Roman erworben). Kein Studio wollte ihn produzieren. 20th Century Fox war daran interessiert, aber nur unter der Bedingung, dass McMurphy am Ende überlebt. Dies wurde dankend abgelehnt und United Artists bekam den Film. Für Pleskow war es der Auftakt zu einem Coup: Sein Filmstudio gewann dreimal hintereinander den Oscar für den besten Film. Im Jahr 1976 für Cuckoo’s Nest, 1977 für Rocky und 1978 für Annie Hall. Als Präsident der United Artists und später als Mitbegründer der Orion Pictures ging er Risiken ein, die kein anderer eingehen wollte.

Jonathan Demmes Silence of the Lambs (1991) räumte bei den Oscars ab, wie es nur selten bei Genre-Filmen der Fall ist, und machte Jodie Fosters Clarice Starling zu einem feministischen Leuchtfeuer in der Populärkultur. „Dies ist ein Studio, das riskante Projekte aufnimmt und vorantreibt“, sagte die Schauspielerin über Orion. Ein Risiko war auch Amadeus, ein Film, der aus so manchem Blickwinkel wie das Produkt einer konservativen und risikoscheuen Industrie aussieht, aber in der Art und Weise seiner Entstehung in aller Stille radikal war. Miloš Formans Mozart-Film aus dem Jahr 1984 gewann sieben Oscars, von denen einer ab sofort seinen Platz im Metro-Kinokulturhaus einnehmen wird, wo man auch einen Saal nach Pleskow benannt hat.

Dances with Wolves (1990) klang auch nicht gerade sexy. Western galten Anfang der Neunziger als totes Genre. Große Teile der Dialoge werden in dem Sioux-Dialekt Lakota gesprochen und sind untertitelt. Die ursprüngliche Kinofassung war drei Stunden lang und Kevin Costner hatte noch nie Regie geführt. Pleskow hat ihm vertraut und der Film gewann sieben Oscars. Die Retrospektive zeigt außerdem Alan Parkers tadellos inszeniertes Mississippi Burning (1988) und Oliver Stones Antikriegs-Epos Platoon (1986).

„Manchmal fühlte ich mich wie die Medici“, sagte Pleskow einmal und bezog sich dabei auf die florentinische Dynastie, die über eine blühende italienische Kunstszene herrschte und mit ihrem Geld Größen wie Botticelli, Leonardo und Michelangelo förderte. Keine kleine Leistung für einen Buben aus der Wiener Porzellangasse.

Retrospektive vom 24. April bis 14. Mai 2024 im Wiener Metro Kinokulturhaus

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Ich will mich nicht zu früh freuen, aber wir befinden uns im ersten Quartal des Jahres 2024 und überall sagen Stimmen die letzten Tage des Superheldenfilms voraus. Sogar die New York Times beteiligt sich an der Untergangstreiberei (Ridley Scott und Martin Scorsese werden ihre rege Freude damit haben). Das ist kein Wunder, wenn man bedenkt, dass Superheldenfilme und diverse Serien im Jahr 2023 in die Identitätskrise schlitterten. Seit mehr als einem Jahrzehnt sind Comicverfilmungen ziemlich verlässliche Geldverdiener in Hollywood. Aber sie scheinen inzwischen eher eine Vergangenheit als eine Zukunft zu haben. Sie sind erschöpft und ihr Publikum ist es auch.

Ungefähr vor einem Jahr erschien Ant-Man and the Wasp: Quantumania und sollte „Phase 5“ des Marvel Cinematic Universe einläuten, galt somit als entscheidendes Kapitel. Doch der Film war ein finanzieller Misserfolg. Im November erreichte das Haus dann die Talsohle: The Marvels ist offiziell jener MCU-Film mit den niedrigsten Einspielergebnissen. Für DC lief es nicht besser. Shazam! Fury of the Gods legte eine Bauchlandung hin. Es ist gut möglich, dass Sie noch nie etwas von Blue Beetle gehört haben. The Flash war ein Flopbuster. Aquaman and the Lost Kingdom – anyone?

Sind wir der Superheldinnen und Superhelden müde geworden? Seit Jahren hören wir in der Branche von der „Superhelden Fatigue“. Sogar DC-Chef James Gunn redet davon. Aber ich würde sagen, zum ersten Mal ist sie wirklich fühlbar. Man kann es an den Zahlen ablesen. Man kann es im Gesicht meines zwölfjährigen Neffen lesen. Man kann es auch in den Kritiken der Kolleginnen und Kollegen lesen. Die New York Times schrieb über The Marvels zutreffenderweise: „Sie haben diesen Film schon 32 Mal gesehen“.

Die 2010er Jahre waren die Blütezeit des Genres. Hollywood-Studios konnten risikoarme, extrem positive Wetten abschließen, und das Publikum strömte in Scharen in die Kinos (darunter auch ich)). Diese Ära, die 2008 mit Jon Favreaus Iron Man begann, gipfelte in Marvels Avengers: Infinity War (2018) und Avengers: Endgame (2019). Diese Filme brachten alle Figuren des MCU zusammen, schlossen eine jahrzehntelange übergreifende Erzählung ab, löschten die Hälfte der Weltbevölkerung aus und stellten sie wieder her. Es wäre ein vollkommenes Ende gewesen. Stattdessen hat Marvel die Produktion erheblich gesteigert und neben einer ganzen Reihe von Tentpole-Filmen auch Superhelden-Serien auf Disney+ gestartet.

Fairerweise muss man sagen, dass nicht alles schlecht war im vergangenen Jahr. Guardians of the Galaxy Vol. 3 war ein herzlicher Abschied. Die zweite Staffel von Loki gab Tom Hiddlestons Trickster eine „glorreiche Bestimmung“. Spider-Man: Across the Spider-Verse übertraf so ziemlich alle Erwartungen. Aber einen solchen Film gibt es nicht oft und mit Madame Web (aktuell im Kino) macht Sony nicht gerade Lust auf mehr Spinnenwelt. Was einst aufregendes kinetisches Kino war, hat sich in leere Multiversen multipliziert. 2025 soll das DC-Universum wieder komplett von Neuem beginnen (WTF?!). Der Batman hat ja viele potente Neuinterpretationen über die Jahrzehnte gesehen, aber ob das für die ganze Mischpoche gelten kann, bleibt skeptisch abzuwarten.

Der Erfolg von Barbenheimer deutet auch darauf hin, dass die Menschen vielleicht etwas anderes wollen. Natürlich stellt sich die Frage, was dieses „Andere“ sein könnte, sollten wir tatsächlich in die Phase des Endspiels eingetreten sein. Könnte sein, dass wir quasi vom Regen in die Traufe kommen: Mit Dutzenden von Kinderspielzeugen in petto befinden sich 14 Mattel-Filme in der aktiven Entwicklung, darunter Barney, Polly Pocket und American Girl.  Natürlich steht die Tür auch für Barbie-Fortsetzungen weit offen. Owen Gleiberman von Variety glaubt, dass ein Anstieg der Videospielfilme nach den Blockbuster-Erfolgen von The Super Mario Bros. Movie und Five Nights at Freddy’s „das Zeitalter von Marvel wie die italienische Renaissance aussehen lassen könnte“.

Alle Modeerscheinungen in der Populärkultur haben ein Ende, sicher, aber sie kehren auch wieder auf die eine oder andere Art zurück. Wie auch die Riesenechsen mit dem atomaren Atem alle paar Jahre aus dem Meer wieder auftauchen, werden die Superhelden nicht auf Dauer verschwinden. Das Genre kann man aufgrund der Superhelden Fatigue nicht gleich für tot erklären. Aber Hollywood wird sich mehr als Video-Adaptionen und Spielzeug-Marketingvehikel einfallen lassen müssen, um die Menschen wieder mehr fürs „Eventkino“ zu begeistern.

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Brazil (1985)

Terry Gilliams Science Fiction-Klassiker aus dem Jahr 1985 ist nicht per se ein Weihnachtsfilm. Das „Fest der Liebe“ lauert hier im Hintergrund. Funkelnde Weihnachtslichter hängen an Industrierohren, die sich wie Tentakel durch Räume und Flure schlängeln. Ex-Monty-Python-Mitglied Gilliam verpflanzte George Orwells „Nineteen Eighty-Four“ in ein autoritäres England und nichts bedroht den Status quo mehr als Jonathan Pryces wunderbarer Held, der seinem Herzen folgt. In Gilliams brillanter Dystopie ist das Weihnachtsspektakel politisch, ein Opiat für die Massen. Heute genauso vorausschauend wie damals.

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Eyes Wide Shut (1999)

Maskenorgien, Kinderprostitution und Drogen. Stanley Kubricks letzter Film, der auf dem erotischen Märchen des Wiener Avantgardisten Arthur Schnitzler basiert, passt vielleicht nicht in die traditionelle Klassifizierung eines Weihnachtsfilms, aber es lässt sich nicht leugnen, dass der verstorbene Filmemacher mit seiner Geschichte über die heikle Begegnung eines Mannes und seiner Frau (Tom Cruise und Nicole Kidman) mit einem Sex-Kult etwas über die Exzesse von Weihnachten zu sagen hatte. Barocker Weihnachts-Eskapismus mit Kink auf höchstem Niveau.

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Black Christmas (1974)

Ein Jahrzehnt vor seinem amerikanischen Dauerbrenner A Christmas Story drehte Bob Clark diesen viel gewichtigeren Kultklassiker, der im Grunde das Slasher-Genre mit ins Leben rief. Es ist ein eigensinniges kleines Kammerspiel über eine Gruppe von Studentinnen (u.a. gespielt von Olivia Hussey), die während der Weihnachtszeit von einem Psychokiller terrorisiert werden. Unbedingt das Original aus dem Jahr 1974 ansehen und nicht das Remake von 2006, das nichts von dem Geheimnis, der Klugheit und der Atmosphäre des Originals hat (und noch schlimmer ist das 2019er Remake). Bonus: ein äußerst irritierender, effektiver, aber wahnsinniger Schluss.

Kostenlos bei freevee mit Werbung oder gegen moderates Entgelt bei diversen Streaming-Diensten

Spencer (2021)

Alles beginnt wie ein klassischer Weihnachtsfilm: Eine Prinzessin, die einen festlichen, rot-grünen Mantel trägt, verirrt sich auf dem Weg zum Schloss. Später wird klar, wie verloren sie wirklich ist. Pablo Larraíns Dramatisierung des Lebens von Diana ist ein psychologisches Kammerdrama. Es ist auch um vieles interessanter als die neue Staffel von The Crown auf Netflix. Spencer gibt uns einen Einblick in die persönlichen Probleme von Kristen Stewarts Diana, doch zugleich ist es auch ein universeller Film: Wie fühlt es sich an, ein Weihnachtsfest mit Schwiegereltern zu verbringen, die einen nicht mögen?

Flat bei Prime Video

Little Women (1994)

Louisa May Alcotts klassische amerikanische Coming-of-Age-Geschichte über vier Schwestern, die während des amerikanischen Bürgerkrieges aufwachsen, kam im Laufe der Jahre öfters auf die Leinwand, zuletzt in Greta Gerwigs Version (bei Canal+). Aber fast dreißig Jahre nach dem Kinostart bleibt die Fassung der australischen Regisseurin Gillian Armstrong immer noch die beste. Dabei ist es sogar eine, die an den Geist von Weihnachten glaubt – mit viel Schnee, gemütlichen Feuern und einer festlichen Partitur von Thomas Newman. Außerdem bietet der Film ein gerade im Rückblick sehr stattliches Ensemble: Susan Sarandon, Winona Ryder, Claire Danes, Christian Bale, Eric Stoltz, Gabriel Byrne und die junge Kirsten Dunst.

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The Wizard of Oz (1939)

Dieser Klassiker ist – rein technisch gesehen – auch kein Weihnachtsfilm, zumindest was die Handlung betrifft. Doch er läuft in den USA seit den 1950ern jedes Jahr an Weihnachten im Fernsehen. Zu den Vergnügen zählen eine Reihe mitsummbarer Melodien, das spektakuläre Bühnenbild von MGM, ein süßer Hund, eine grüne Hexe, ein herzloser Blechmann, eine unsinnige Vogelscheuche, ein feiger Löwe, dazu wird die Sehnsucht nach einem Zuhause in der Ferne beschwört – eingewickelt in Judy Garlands Darbietung von „Over The Rainbow“. The Wizard of Oz ist u.a. einer der Lieblingsfilme von Kultregisseur John Waters (hier noch ein alter VHS-Trailer).

Gegen moderates Entgelt bei diversen Streaming-Diensten oder auch im Österreichischen Filmmuseum, wo man die Autorin dieser Tipps am 24. Dezember finden wird können.

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Preacher (Netflix)

Die AMC-Serie von Comedy-Duo Seth Rogen und Evan Goldberg und Showrunner Sam Catlin (Breaking Bad) lief hierzulande bislang bei Prime Video. Nun sind die vier Staffeln Ende September auf Netflix erschienen und im Prime Video-Abo ist nur die erste Staffel zurückgeblieben. Die Comic-Serienadaption ist rotzfrech, erzählerisch erfinderisch und politisch zutiefst unkorrekt. Dominic Cooper spielt den titelgebenden Priester, der sich gemeinsam mit einem irischen Vampir (Joseph Gilgun) und seiner Ex-Freundin (Ruth Negga) auf die Suche nach Gott macht. Ästhetisch liegt Preacher (von Autor Garth Ennis stammen auch die Comics von The Boys) irgendwo zwischen Quentin Tarantino und den Coen-Brüdern, aber es ist ein ganz eigenes, lebendiges Ding.

Netflix verfügt über eine ausgiebige Halloween-Kollektion und zeigt unter anderem auch die neue schwedische Workplace-Slasher-Satire The Conference und Mike Flanagans Gothic-Serie The Fall of the House of Usher. Der Horrorspezialist verabschiedet sich damit vom US-Streamer. Mit 2024 wechselt er zur Konkurrenz und geht zu Amazon.

Don’t Look Now (Canal+)

Selbst diejenigen, die Nicolas Roegs beachtenswerte Adaption von Daphne du Mauriers Kurzgeschichte noch nicht gesehen haben, sind wahrscheinlich mit den eindrucksvollen Bildern vertraut: das ertrunkene kleine Mädchen im roten Regenmantel, das zu Beginn des Films von ihrem Vater aus dem Teich gezogen wird; die für damals sehr intime Sexszene zwischen Donald Sutherland und Julie Christie, unterbrochen von Szenen, in denen sie sich fürs Abendessen fertig machen; und das wirklich schockierende Ende des Films, vielleicht eines der berühmtesten seit Hitchcocks Psycho.

Das Archiv von Canal+ birgt außerdem Schätze wie Ingmar Bergmans 1968er Horrordrama Die Stunde des Wolfs und David Lynchs Schwarzweiß-Klassiker The Elephant Man (1980) mit John Hurt in der großartigen Rolle des Elefantenmenschen.

Only Lovers Left Alive (Mubi)

Existenzielle Erschöpfung lastet schwer auf diesem wunderbaren Film von Jim Jarmusch aus dem Jahr 2013, in dem Tilda Swinton und Tom Hiddleston ein blass-schönes Vampirpaar spielen, das Jahrhunderte damit verbracht hat, die Menschheit aus dem Schatten zu beobachten. Jarmuschs trockener Sinn für Humor ist hier intakt und er hat mit Adam und Eve vielleicht auch die besten Figuren geschaffen, die er je geschrieben hat. Es ist ein Film über die Liebe als Anti-Aging-Kraft, eine Gegenüberstellung von Tanger und Detroit, mit Jarmuschs Band SQÜRL und dem Lautenisten Jozef van Wissem auf dem Soundtrack.

Seit 13. Oktober zeigt Mubi außerdem vier weitere anspruchsvolle Vampirfilme von F.W. Murnaus Stummfilm-Klassiker Nosferatu (1922) bis zu Park Chan-wooks raffinierter Moralstudie Durst (2009).

X (Sky)

Ti Wests Hommage an die Slasher der 1970er spielt 1979 in einem abgelegenen Bauernhaus in der Nähe von Houston und folgt einer Gruppe von sexhungrigen jungen Leuten (darunter die fantastische Mia Goth), die einen Softporno drehen wollen. Mit X  (hier unsere Kritik) ist es dem Regisseur im Jahr 2022 gelungen, lustig, nachdenklich und gelegentlich sogar innovativ zu sein. Er versteht, dass eine von Jugend besessene Gesellschaft nicht nur vor dem Älterwerden Angst hat, sondern auch davor, dass ältere Menschen möglicherweise noch sexuelle Sehnsüchte haben. Die Fortsetzung Pearl ist fast noch besser (auch bei Sky gegen moderates Entgelt).

Sky zeigt zwischen 23. Oktober und 1. November wieder ein spezielles Halloween-Programm. Zu den Highlights zählen unter anderem Black Phone (2021) mit Ethan Hawke als Kindermörder und Halloween Ends (2022), David Gordon Greens kontroverses Finale der Horror-Neuauflage.

Les Yeux sans visage (Prime Video)

Dieses französische Meisterwerk aus dem Jahr 1960 ist nicht nur eklig, sondern schleicht sich an einen heran. Es ist womöglich das größte Psychodrama, das nicht von einem Schweden gemacht wurde – sondern von Georges Franju, einem Großen des französischen Kinos. Es geht um einen Wissenschafter (Pierre Brasseur), der davon besessen ist, das entstellte Gesicht seiner Tochter (Edith Scob) wiederherzustellen, indem er die Gesichtszüge junger Frauen transplantiert. Eine Fabel über Schöpfung, Hybris, Frauenfeindlichkeit, die Illusion körperlicher Perfektion. Es ist ein Film, der endlose Interpretationen zulässt.

Prime Video zeigt außerdem Luca Guadagninos 2018er Suspiria und den neuen, schwarzhumorigen Slasher Totally Killer, der gerne als „Scream meets Back to the Future“ beschrieben wird.

Jennifer’s Body (Disney+)

Als der Film von Karyn Kusama und Diablo Cody im Jahr 2009 in die Kinos kam, waren die meisten Kritiker:innen nicht begeistert. Viele schienen zu glauben, dass dieses von Frauen geschriebene und inszenierte B-Movie mit einer vampirischen Megan Fox ein trashig-spaßiger Softporno für Männer sein wollte. Der Horrorfilm, der die Weichen für spätere Rape-and-Revenge-Filme wie Promising Young Woman (2020) stellte, hat inzwischen allerdings Kult-Status erlangt – als eine Art vergessene, feministische Rachefantasie für Frauen.

Die „Halloween-Sammlung“ von Disney+ beinhaltet seit Oktober außerdem Neuheiten wie die Horrorkomödie Haunted Mansion und die Stephen King-Adaption The Boogeyman (hier unsere Kritik).

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Wenn Sie schon darüber nachgedacht haben, Ihre mit DVDs und Blu-rays gefüllten Regale auszumisten, sollten Sie es sich vielleicht noch einmal überlegen. Um Geld zu sparen, nehmen Streaming-Dienste Serien und Filme einfach aus ihren Bibliotheken.

Disney zieht seine Sparmaßnahmen beinhart durch und hat haufenweise Serien und Filme aus seinem Katalog geschmissen. Zugegeben, es waren nicht nur Perlen darunter, aber auf der schwarzen Liste war zum Beispiel auch die neue Serie Willow, eine gelungene Serienfortsetzung des verschmähten Fantasy-Klassikers.

Serien wie Nautilus sind bereits abgedreht, werden aber gar nicht erst ausgestrahlt. „Vor zwei Jahren war Nautilus eine große Neuigkeit“, schrieb im August Stuart Heritage vom Guardian. Ein teures, in Australien produziertes Disney+-Prequel zu Jules Vernes 20.000 Meilen unter dem Meer. „Allerdings wird niemand Nautilus sehen, denn obwohl es bereits gedreht wurde, hat Disney+ beschlossen, es nicht zu streamen.“ Wenn es Disney nicht schafft, die Abenteuerserie zu verkaufen, wird das U-Boot von Kapitän Nemo nie das Licht der Welt erblicken.

Die Entscheidung ist ein Teil des im Mai vorgestellten Disney-Plans zur Entfernung von Streaming-Content im Wert von etwa 1,5 bis 1,8 Milliarden US-Dollar, was bedeutet, dass der Wert des Unternehmens erheblich sinkt und es weniger Steuern zahlen muss. Durch das Entfernen von Titeln aus ihren Bibliotheken können Streamer diese bei der Steuererklärung als Verluste abschreiben und müssen den Künstlern weniger in Restbeträgen auszahlen. Aber es ist eben auch eine Kultur der Abwertung. Ist alles, was hier gehen muss, wirklich nicht „wert“ zu bleiben?

Disney+ ist nicht der einzige Sender, der Filme und Serien cancelt. HBO Max hat sich unter anderem von Westworld, Raised by Wolves und Love Life getrennt und die zweite Staffel der feministischen Pornokomödie Minx (hier unsere Besprechung) in den Sand gesetzt, gerade als sie mit der Produktion fertig war (der amerikanische Pay-TV-Sender Starz hat die Serie gekauft).

Von Netflix ist man das gewohnt. Der Streamer hat uns an das Verschwinden von Filmen und Serien aus dem System gewöhnt. Es handelt sich dabei aber nie um Eigenproduktionen. Was wir gerade sehen, ist also, gelinde gesagt, beunruhigend. Wenn Disney „ausmistet“ und HBO Max eine Serie wie Westworld loswerden kann, was kommt als nächstes? Succession?

Ich finde es vertretbar, darüber verwirrt zu sein. Früher war es ziemlich einfach: Man gibt jemandem Geld und bekommt dafür eine Ware, die einem dann gehört. Aber das digitale Zeitalter hat die einst einfachen Transaktionen komplizierter gemacht. Wir kaufen keine Medien mehr. Wir lizenzieren sie. Diese Lizenz bleibt bestehen, bis das Unternehmen nicht mehr existiert oder bis das Unternehmen sich dazu entschließt, den Titel nicht mehr zu unterstützen. Nehmen wir zum Beispiel Black Widow, einen Film, für den die Leute bei seiner Veröffentlichung digital 22 Euro bezahlten. Sollte Disney jemals beschließen, aus dem Streaming-Spiel auszusteigen oder den Film aus welchen Gründen auch immer zu entfernen, haben Sie keinen Zugriff mehr auf diesen Titel. Das Gleiche gilt für alles, was Sie etwa über Amazon oder Apple „gekauft“ haben.

Für Zuseher:innen gibt es wenig Grund, optimistisch in die Zukunft des Streamings zu blicken. Auch Sky Deutschland hat die Reißleine gezogen und die Produktion von deutschen Originals eingestellt. Der Markt ist übersättigt. Die Blase rund um den Boom der 2010er Jahre ist endgültig geplatzt. Wenn wir jedoch in die Vergangenheit blicken, gibt es vielleicht eine praktische Alternative. Das bringt mich zu meinem Schlussplädoyer: Die einst boomende Heimvideobranche ist in den vergangenen zehn Jahren erheblich geschrumpft, aber da überschwemmte Dienste schrumpfen und gleichzeitig die Abo-Preise steigen, wird der Wert einer eigenen Bibliothek schnell deutlich. An dem Gefühl, etwas zu haben und dann zu verlieren, führt kein Weg vorbei. Es ist frustrierender und beleidigender als die Erkenntnis, dass es Dinge gibt, die man gar nicht erst hatte. Eine DVD gehört (jedenfalls fachgerecht gelagert) für immer Ihnen und sie wird (so es noch funktionierende Player gibt) voraussichtlich jede Art von Streaming-Krieg überleben.

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Für all jene, die nicht auf Urlaub fahren können oder bereits retour sind, haben wir sieben Filme zusammengestellt, die auf Inseln spielen und es wert sind, gestreamt zu werden.

The Most Dangerous Game (1932)

Richard Connells 1924er Kurzgeschichte „The Most Dangerous Game“ erzählt von einem reichen Mann, der auf einer Privatinsel zum Spaß Jagd auf Menschen macht. Es ist eines der berühmtesten „gemeinfreien“ (also kostenlos nutzbaren) Werke der westlichen Literatur. Trotz dutzender Neuinterpretationen – auch eine relativ ungeliebte mit Liam Hemsworth und Christoph Waltz ist dabei – bleibt die erste und gleichnamige Filmadaption aus dem Jahr 1932 ein Gothic-Kleinod schlechthin. Der Film erschien in der Pre-Code-Ära Hollywoods, und das bedeutet: Wir sehen u.a. einen erregten russischen Grafen, ausgestopfte Körper und die nackte Schulter von Fray Wray, die ein Jahr später auf einer anderen Insel, Skull Island, zum „Love Interest“ von King Kong wurde (das Set war das selbe).

Beide Schwarz-Weiß-Klassiker sind kostenlos auf YouTube zu sehen.

The Wicker Man (1973)

Dieses B-Movie-Artefakt/Musical unter der Regie von Robin Hardy ist ein Meisterwerk des Folk-Horrors und ein Gigant des britischen Kultkinos. Nach dem Verschwinden eines jungen Mädchens reist Edward Woodwards Polizist auf die schottische Insel Summerisle. Aber als der fromme Christ dort ankommt, ist er entsetzt. Die Menschen haben Sex auf Feldern und den Kindern erzählt man in der Schule von den phallischen Ursprüngen des Maibaums. Sir Christopher Lee, der den Anführer spielt, betrachtete The Wicker Man als seinen besten Film. Es gab 2006 ein gleichnamiges Remake von Neil LaBute mit Nicholas Cage in der Hauptrolle, das fast genauso kultig ist, aber aus all den falschen Gründen.

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Battle Royale (2000)

Einige Jahre bevor es die Hunger-Games-Trilogie gab, gab es Battle Royale (Batoru rowaiaru). Der letzte Solo-Film des japanischen Regisseurs Kinji Fukasaku ist eine umstrittene Adaption eines ebenso umstrittenen Romans von Koushun Takami. Er zeigt uns einen Haufen Teenager, die sich zur Unterhaltung anderer auf einer fiktiven Insel gegenseitig mit Beilen, Armbrüsten, Granaten und allen möglichen anderen Waffen töten. Ein gekonntes, brutales Stück Action-Kunst und ein gesellschaftskritischer Kommentar. Quentin Tarantino nannte Battle Royale den Film, den er am liebsten selbst gedreht hätte – verständlich.

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Lucía y el sexo (2001)

Natürlich dreht sich auf Film-Inseln keineswegs immer alles um Mord und Totschlag. Im Gegenteil: Oft keimen dort heftige Gefühle und sinnliche Freuden auf. Obwohl Lucía y el sexo des spanischen Autors und Regisseurs Julio Medem seinem Namen alle Ehre macht, handelt es sich in erster Linie um ein romantisches Drama mit einer tragischen Geschichte, die mit einer zarten Note endet. Die bewegten Bilder von Kiko de la Rica sind malerisch und betonen die hellen und dunklen Stimmungen des Films, einschließlich der blendenden Überbelichtung auf der sonnenverwöhnten Insel. Die bezaubernde Paz Vega spielt die inselflüchtige Titelheldin.

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A Bigger Splash (2015)

Die kleine italienische Insel Pantelleria liegt im südlichen Mittelmeer, zwischen Sizilien und der tunesischen Küste. Sie bietet die passende vulkanische Kulisse für Luca Guadagninos schwüles, sexuell aufgeladenes Drama A Bigger Splash, ein loses Remake von Jacques Derays großartigem Psychothriller La Piscine aus dem Jahr 1969, aber mit ganz eigenen Texturen. Wie Guadagninos andere Filme I Am Love und Call Me by Your Name ist auch dieser hier voller schöner Dinge zum Anschauen, von der Besetzung (eine stimmlose Tilda Swinton, Matthias Schoenaerts, Ralph Fiennes und Dakota Johnson) bis zur beeindruckenden Landschaft.

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The Red Turtle (2016)

Anhand der scheinbar einfachen Robinson-Geschichte eines Mannes, der auf einer tropischen Insel, auf der nur Schildkröten, Krabben und Vögel leben, Schiffbruch erleidet, erzählt The Red Turtle die Meilensteine im Leben eines Menschen, der lebenslange Isolation erlebt. Und das alles ohne auch nur ein einziges Wort einer der Figuren. Die Animation des niederländischen Trickfilmregisseurs Michael Dudok de Wit ist zwar nicht ganz puristischer Ghibli, hat aber dennoch diese liebenswerte, skurrile Qualität. Es sieht aus wie ein tanzendes Aquarellgemälde.

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Isle of Dogs (2018)

Wes Andersons Hommage an das japanische Kino (allen voran Akira Kurosawa) ist ein hinreißender Film, auch wenn die Insel selbst „Trash Island“ genannt wird. Aber was für eine Müllkippe es ist! Dreckig und stinkend und doch irgendwie liebenswert. Dort leben nur noch Hunde, die nach einem Ausbruch der Hundegrippe aus ihrem domestizierten Leben auf eine japanische Insel verbannt wurden. Eine Rede, die Bryan Cranstons streunender Häuptling darüber hält, wie er buchstäblich in die Hand gebissen hat, die ihn fütterte, gehört zu den am besten geschriebenen und gespielten Szenen, die wir je gesehen haben.

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Als Ergänzung verweisen wir noch auf einen ziemlich unterhaltsamen rezenten Inselfilm mit Ex-Bond Daniel Craig, der uns übrigens im kommenden Jahr zum dritten Mal als spleeniger Privatdetektiv Benoit Blanc erfreuen wird.

Und apropos rezent: Den hier gibt es ja auch noch.

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Der als „Barbenheimer“ bekannt gewordene Kulturwahn sorgte für das viertgrößte Kinowochenende der Geschichte – und das ganz ohne Superhelden. „Das Filmgeschäft lebt!“ schrieb Brooks Barnes von der New York Times euphorisch. Ich will keine Partybremse sein, aber tanzen wir vielleicht gerade am Abgrund?

Die gute Nachricht für Hollywood: Greta Gerwigs Phantasie in Pink legte mit einem Einspielergebnis von 162 Millionen US-Dollar in Nordamerika das stärkste Eröffnungswochenende des Jahres hin (und führte Berichten zufolge sogar zu einer Verknappung der Farbe Rosa). An den internationalen Kinokassen spielte Barbie 194 Millionen US-Dollar ein, was einer beeindruckenden weltweiten Bilanz von 356 Millionen US-Dollar entspricht (unsere Kritik hier).

Das ist der beste Start eines Films mit weiblicher Regie überhaupt – und es sei Gerwig vergönnt. Gleichzeitig spielte Christopher Nolans Oppenheimer beachtliche 82,4 Millionen US-Dollar ein, eine gewaltige Leistung für ein dichtes dreistündiges Drama über den „Vater der Atombombe“. An den internationalen Kinokassen spielte er 97,9 Millionen US-Dollar ein, was einer Gesamteinspielsumme von über 180 Millionen US-Dollar entspricht (unsere Kritik hier).

Sobald bekannt geworden war, dass die beiden Megablockbuster am gleichen Tag ins Kino kommen, wurde „Barbenheimer“ im Internet geboren – gratis Werbung für beide sozusagen, oder zumindest für den jeweils anderen Film. Barbie vor einem rosa Atompilz. Oppenheimer-Star Cillian Murphy düster dreinblickend mit Barbies glitzerndem Cowboyhut. Barbie und Oppie – die Stars von La La Land. Es war die Art von viralem Phänomen, von dem Marketingleute in der Regel nur träumen können. „Atomic Kenergy“ lag in der Luft und für all jene, die sich zwischen dem finsteren Weltuntergangsszenario und dem rosa Zuckerrausch nicht entscheiden konnten, hatte man in den USA eine Lösung gefunden: In vielen Kinos gab es Doppelvorstellungen und die Kinos hierzulande, das Burgkino zum Beispiel, machten bei dem Hype mit. Das Double-Feature dauert ganze 316 Minuten (Respekt an alle, die keine Lav-Diaz-Fans sind und das trotzdem durchgestanden haben).

Während all das geschah, verdoppelte sich allerdings auch ein Streik in Hollywood. Die Vertragshandlungen zwischen den Studios und den Drehbuchautoren- und Schauspielergewerkschaften waren gescheitert. Berechtigt ist die Frage: Könnte das lukrative Wochenende Hollywoods für eine Weile auch sein letztes gewesen sein?

Wer sich den Rest des Sommers anschaut, bemerkt: Allzu viel hat die Traumfabrik nicht mehr zu bieten. Bis Dune: Part Two am 3. November stehen keine weiteren Blockbuster auf Barbie-Niveau auf dem Programm. Sogar das Dune-Sequel von Denis Villeneuve könnte sich auf nächstes Jahr verschieben, wenn der Schauspielerstreik anhält, weil dem Ensemble die Teilnahme an der weltweiten Pressetour des Films verboten wäre. Je länger Autorinnen und Schauspieler streiken, desto größer wird das Loch im nächsten oder übernächsten Sommer, wenn die Filme, die gerade gedreht werden sollten, noch nicht fertig sind.

Nicht zu unterschätzen ist auch, dass hinter Barbie eine gigantische Bilderbuch-Marketing-Maschine steckt, die sich kaum ein Film leisten kann – oder sollte. Vergessen wir nicht, dass wir eben erst eine Reihe von „Flopbustern“ hatten. Indiana Jones 5, Ant-Man and the Wasp: Quantumania, Shazam! Fury of the Gods oder der Pixar-Film Elemental blieben allesamt weit hinter den Erwartungen zurück. Hollywood-Produktionen sind zum Teil so teuer geworden, dass es schwierig für sie ist, Gewinne einzubringen.

Die Spielzeugfirma Mattel, die hinter Barbie steckt, hat bereits eine Reihe von Filmen angekündigt, die auf ihren Produkten basieren. Doch erst vergangene Woche wurde bekannt, dass 30 Millionen US-Dollar allein für die Entwicklung von Mattels Masters of the Universe ausgegeben wurden, woraufhin Netflix aus dem Projekt ausstieg.

Mark Harris ist der Autor von „Pictures at a Revolution“, einem Buch über Bonnie and Clyde und die anderen radikalen „New Hollywood“-Dramen, die Mitte der 1960er Jahre die Oberhand gewannen, als das traditionelle Studiosystem in Hollywood ins Stocken geriet. Was jetzt in der Filmindustrie passiert, sagte er auf Twitter, erinnere ihn an das, was kurz vor dem New-Hollywood-Revival geschah. Sinngemäß: „Ich glaube nicht, dass irgendein Moment seit der Krise vor 20 Jahren der Situation vor der damaligen Revolution so sehr ähnelt wie dieser. Größere, längere, aufgeblähtere Filme, von denen die meisten schwächere Versionen dessen sind, was vor 20 Jahren funktionierte.“

Ich glaube nicht, dass Barbie und Oppenheimer das „neue Bonnie and Clyde und Easy Rider“ sind und plötzlich originelle Blockbuster wie Schwammerl aus dem Boden Hollywoods sprießen werden. Es wird wahrscheinlich zu Barbie-und-Ken-Sequels führen. Wer weiß, vielleicht bekommt Kate McKinnon auch ihr eigenes „Weird Barbie“-Movie. Irgendwie fühlt sich Barbenheimer wie die letzte Party am Plastikstrand an – bevor das Hollywood-Puppenhaus zusammenbricht.

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In der ersten Folge der neuen Staffel von Black Mirror mit dem Titel „Joan is Awful“ spielt Annie Murphy die titelgebende Joan. Was Joan nicht weiß, ist, dass ihr Leben aufgezeichnet und an eine KI-Maschine von Streamberry, einem Netflix-artigen Streamer, übertragen wird. Ihr Tag wird dann jeweils am Abend als höchst realitätsnahe und dramaturgisch auffrisierte TV-Serie ausgestrahlt, in der Joan von Salma Hayek gespielt wird. Aber in dieser Serie (innerhalb der Serie) ist nicht wirklich Salma Hayek zu sehen, stattdessen hat die Schauspielerin nur ihr Aussehen zur Verfügung gestellt. Hayek wird dann wiederum in einer übergeordneten Serie von Cate Blanchett gespielt, aber ich bin mir nicht sicher, ob die echte Blanchett ihre Erlaubnis dazu gegeben hat. Sie sehen, es ist kompliziert!

Joans Serie stammt komplett aus dem Computer und kann daher schnell produziert werden. Das Problem: Sowohl Joan als auch Salma Hayek haben die Allgemeinen Geschäftsbedingungen nicht gelesen. Der Vertrag gibt Streamberry die Erlaubnis, mit ihren Abbildern zu tun, was sie wollen. „Sie könnten Salma Hayek dazu bringen, einem Orang-Utan einen zu blasen, wenn sie wollten“, sagt eine Anwältin über die Programmierer. Netflix nimmt sich hier natürlich selbst aufs Korn und schmunzelt die digitale Ersetzung von Schauspielerinnen charmant weg, aber die Black Mirror-Folge „Joan is Awful“ trifft mit aktuell diskutierten Themen wie Deep Fake und Datenschutz voll ins Schwarze.

Hollywood liebt eine gute Geschichte über das Spannungsfeld zwischen Mensch und Maschine, aber mit dem Streik der US-Autorengewerkschaft und (aktualisiert:) ab 14. Juli dem Streik der Schauspieler:innen hat dieses Subgenre der Science-Fiction jetzt die vierte Wand durchbrochen. Menschen rebellieren gegen Roboter, eine Szene wie aus The Matrix. Keanu Reeves hat übrigens eine Klausel in seinen Filmverträgen, die es Studios verbietet, seine Auftritte digital zu bearbeiten. „Keanu Will Never Surrender to the Machines“ lautet der Titel eines Interviews im Wired Magazin. Im Gegensatz übrigens zu Christopher Nolan, der „lernte, sich keine Sorgen mehr zu machen und KI zu lieben“ (Story ebendort).

Die sehr reale Frage, wem Salma Hayek oder Keanu Reeves „gehören“, beschäftigt nicht nur die Hollywoodstars und ihre Vertreter. Es betrifft im Grunde Schauspielergewerkschaften auf der ganzen Welt, die gegen alte Knebelverträge kämpfen. Für einige Experten ist es sogar eine Frage, die jeden betrifft und eine dystopische Zukunft vorwegnimmt – eine, in der Identitäten gekauft, verkauft und beschlagnahmt werden.

Nolan hat gesagt, dass die Kreativindustrie den Kampf gegen die Künstliche Intelligenz längst verloren hat. Der Regisseur hat wahrscheinlich nicht ganz Unrecht. KI ist inzwischen ein fester Bestandteil der Unterhaltungsindustrie. Sie ist in den synthetisierten Stimmen des „von den Toten auferstandenen“ Andy Warhol und Anthony Bourdain zu hören und in visuellen Effekten wie Deep Fakes und De-Aging zu sehen. Aktuelle Beispiele dieser Kunst kann man gerade im Kino und zu Hause bewundern, wenn ein digital verjüngter Harrison Ford in Indiana Jones and the Dial of Destiny noch einmal gegen Nazis oder Samuel L. Jackson in Secret Invasion gegen Aliens kämpft. KI-Deep-Fakes können die digitale Version eines Schauspielers in einem Film oder in einer Werbung beliebig platzieren. Im Mai hat ein Deep Fake von Ryan Reynolds uns einen Tesla verkauft. Es war ein Scherz von einem Fan, der die Aufmerksamkeit von Elon Musk auf sich ziehen wollte, aber ich bin mir nicht sicher, wer zuletzt lacht.

Die Drehbuchautoren in Hollywood streiken bereits seit über zwei Monaten – und das zurecht. Protestschilder wie „ChatGPT hat kein Kindheitstrauma“ warnen Studiomanager, dass Autoren sich nicht durch Maschinen ersetzen lassen wollen. Die mehr als 160.000 Mitglieder der US-Schauspielergewerkschaft stimmen derzeit darüber ab, ob sie ihren eigenen Streik genehmigen sollen, um sich vor dem unregulierten Einsatz von KI zu schützen (Bericht in Deadline).

Die Spannungen wurden auch im Mai deutlich, schrieb der Guardian, als auf KI spezialisierte Technologieunternehmen zu den Sponsoren einer „AI on the Lot“-Konferenz in Hollywood gehörten, die darüber diskutierten, wie Künstliche Intelligenz jeden Aspekt der Filmproduktion verändert. Das in Santa Monica ansässige Unternehmen Flawless hat sich auf die Verwendung von Deep-Fake-Tools konzentriert, um die Mundbewegungen und Gesichtsausdrücke von Schauspielern nach Abschluss der Dreharbeiten zu bearbeiten. Aber KI ist so anpassungsfähig und vielfältig, dass sie nicht nur bei der Filmproduktion, sondern auch bei Filmmarketing, Analysen und Zukunftsplanung hilft. Cinelytic nutzt Künstliche Intelligenz, um Warner Bros. bei der Entscheidung zu helfen, welche Filme in Auftrag gegeben werden sollen: Indem das Programm nämlich die Rentabilität eines Schauspielers ermittelt und berechnet, wie viel Geld ein Film verdienen wird (Geschichte im Hollywood Reporter).

Die KI-Befürworter in Los Angeles preisen die bahnbrechende Technologie als eine demokratisierende Kraft im Film an. Man braucht nicht eine Menge Leute, eine Menge Ausrüstung oder eine Menge komplizierter Software mit teuren Lizenzen. Man würde so viele Kosten sparen. Es soll Schauspielern mehr Flexibilität bieten. Ihr „Zwilling“ könnte gleichzeitig einen Film drehen, während sie um die Welt reisen und Werbung für einen anderen Film machen. Ja, Schauspieler könnten sogar „ewig“ leben, indem sie nach ihrem Tod digital rekonstruiert werden. James Earl Jones hat zum Beispiel bereits zugestimmt, dass die Stimme von Darth Vader künstlich erzeugt werden darf.

Kritiker kontern, dass Studiomanager gewerkschaftlich organisierte Künstler:innen einfach durch Klone ersetzen wollen – ein Prozess, der nur zu mittelmäßiger oder sogar buchstäblich unmenschlicher Kunst führen würde. Es sollte daher niemanden überraschen, dass ausgerechnet Joe und Anthony Russo (die übrigens fest davon überzeugt sind, dass KI bald ganze Filme schreiben wird) die Produzenten von Citadel sind. Mit dieser sehr teuren Amazon-Serie haben die Russos, deren Filmografie vier Marvel-Filme schmücken, ein klischeebeladenes Paradebeispiel vorgelegt: Citadel fühlt sich an wie von einer Maschine geschrieben.

Vor diesem Hintergrund ist es nicht schwer, sich ein Sequel vorzustellen, in der sich ein Deep Fake von Humphrey Bogart und ein Deep Fake von Ingrid Bergman für ein Happy End in Paris wieder treffen. Aber die entscheidende Frage wird sein: Macht es den Leuten etwas aus, wenn das, was sie sehen, von einer KI gemacht wurde? Wenn bloß ein Rechner auf menschliche Drehbücher und Schauspielleistungen trainiert wurde? Wenn sich kein Unterschied zwischen Realem und Simuliertem mehr erkennen lässt, steht zu befürchten, dass es dem Publikum egal sein wird, ob der Star auf dem Bildschirm einen Puls hat.

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Die Leiterin des dänischen Sinfonieorchesters (großartig gespielt von Lise Baastrup) hat sich neue Brüste machen lassen. „Die alten sind nach den Kindern ziemlich schlaff geworden“, sagt sie zu ihrem neuen Stellvertreter. Sie fragt ihn dann, ob er sie „testen“ will. „Komm schon“, sagt sie. „Einfach mal drücken“. Der ängstliche Kerl möchte das lieber nicht, aber am Ende gibt er nach und streckt zögernd seine Hände aus, woraufhin sie brüllt: „Was soll das denn, du Schwein?“ Er ist natürlich schockiert; sie aber fängt an zu lachen.

Konzipiert von Adam Price (Borgen-Schöpfer, Besprechung der jüngsten Ausgabe hier), kreiert von Mikkel Munch-Fals, mokiert sich die Satire Orkestret / Das Orchester über MeToo und woke Empörungskultur. Ein ziemlich riskanter Balance-Akt, der ein bisschen lustig, aber leider weitgehend schief gegangen ist. Weil ist es wirklich so, dass die „armen Männer“ heute fast nichts mehr sagen und schon gar nicht mehr flirten dürfen?

Hauptfigur ist der eingangs erwähnte Sous-Chef des dänischen Radio-Sinfonieorchesters, Jeppe (Rasmus Bruun), der versucht, es immer allen recht zu machen. Der nette und konfliktscheue Mann ist auch der einzige mit einem einigermaßen moralischen Kompass in Das Orchester. Seine ständig betrunkene Frau betrügt ihn mit einem Musiker aus dem Orchester und seine siebenjährige Tochter steckt ihrem Spielkameraden Bleistifte in den Hintern. Die weiblichen Machtspielchen beginnen schon früh in dieser zehnteiligen Komödie.

Das andere männliche „Opfer“ ist Bo Høxenhaven (brillant: Frederik Cilius). Musikalisch ein verkanntes Genie, menschlich eine Katastrophe, will Das Orchester unbedingt, dass wir ihn mögen und Mitleid mit ihm haben (aus Gründen, die mir unerklärlich sind). Er lebt zu Hause bei seiner kontrollsüchtigen Mutter (noch eine anstrengende Frau!) und ist ein bisschen verliebt in die Cellistin (May Simón Lifschitz) im Orchester. Eines Tages fragt er sie, ob sie zu Hause nackt Cello spielt – weil er das auch tut. Es macht ihr nichts aus, aber der erste Klarinettist und Arbeitnehmervertreter Simon (Casper Phillipson) hört die Bemerkung und macht eine Personalsache daraus. Bo soll lernen, wie man in einem nicht-sexuellen Ton mit Frauen spricht und wird zu Sitzungen mit einer Psychologin verdonnert. Die wiederum ist einzig darauf aus, dass er sich hinlegt und seine „patriarchalischen Neigungen“ eingesteht. Also sagt er, was sie hören will, um aus der Nummer rauszukommen: „Als heteronormativer Cis-Man war ich ein sehr unangenehmer Vertreter eines aggressiv und diskriminierend strukturierten Patriarchats, was im Grunde machtsüchtig als auch pervertiert ist. Ich habe eine toxische Männlichkeit an den Tag gelegt.“ Nichts davon meint er ehrlich, nichts davon stimmt.

Wenn es um Missbrauchskultur, echte MeToo-Fälle, unternehmerische „Wokeness“ und Verhaltenszweifel darüber geht, „was Männern und Frauen erlaubt ist“, könnte man sich fragen, wann der richtige Zeitpunkt dafür ist, sich über genau diese Dinge lustig zu machen. Ist es zu früh oder gerade angemessen? Der Start von Das Orchester wurde 2022 jedenfalls um ein halbes Jahr verschoben, weil er als zu nah dran gesehen wurde an dem scheußlichen Skandal um den Mädchenchor des Dänischen Rundfunks, der damals ans Licht gekommen war.

Das Problem ist aber ohnehin weniger das Timing als vielmehr die Tatsache, dass hier die Witze auf Kosten der Frauen stattfinden. Die beiden Hauptdarsteller spielen hervorragend, sind aber auch die einzigen, in die wir uns hineinversetzen können, weil wir alles aus Sicht ihrer Bromance erzählt bekommen. Alle anderen Rollen gehen so weit über die Auswüchse der Karikatur hinaus, dass das Bild von ihnen als echte Menschen verloren geht und das Ganze im Grunde in eine Parodie abrutscht. Eine gute Satire tritt aber nach oben und nicht nach unten. Dass es auch anders geht, hat Todd Field mit Tár ja schon bewiesen (hier unsere Kritik). Fields komplizierte Charakterstudie einer Frau, die ihre Macht missbraucht, war profunde Gesellschaftskritik. Provokant und kompliziert.

Grundsätzlich stellt Orkestret auf humoristische Weise interessante Fragen zu künstlerischen Freiheiten (darf ein Dirigent wie ein Amateurpornograf reden?) und Cancel Culture (darf man Michael Jackson in einem Raum voller Kinder spielen?), aber der Zehnteiler über zwei missverstandene Männer hinterlässt einen komischen Beigeschmack. Ein treffender Titel wäre auch gewesen: „Männer, die in (Selbst-)Mitleid baden“.

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American Gigolo, der Erotikthriller von Paul Schrader aus dem Jahr 1980, der Richard Gere zum Superstar machte, beginnt mit einer großartigen, ikonischen Titelsequenz. Gere fährt in einem Cabriolet mit offenem Verdeck über eine Autobahn am Meer und der Wind weht durch sein Haar. Während Blondies „Call Me“ dröhnt, lässt er sich einen Anzug anfertigen, lässt eine ältere Frau die Rechnung für das Outfit bezahlen, setzt sie zu Hause ab, küsst sie auf den Hals und saust die Straße hinunter, Richtung luxuriöses Eigenheim. Gere ist Julian Kaye, eine High-End-Eskorte.

American Gigolo, die Dramaserie, die man hierzulande gegen Entgelt bei Prime Video sehen kann, hat diese Montage reproduziert (paradoxer Weise stark verdichtet) und ihren coolen Titelsong beibehalten, aber diesmal bekommen wir die gebräunten Bauchmuskeln von Jon Bernthal zu sehen. Gere verkörperte etwas schwer Fassbares, das Schrader als „Reptil-Rätselhaftigkeit“ bezeichnet hat. Bernthal hat keine solche Rätselhaftigkeit. Während der Originalfilm aus dem Jahr 1980 den Geist seiner Zeit einfing, hat die Serie hauptsächlich Redundanz zu bieten. Um das Problem deutlicher zu formulieren: Warum sollen wir uns einen schlechten Doppelgänger ansehen? Noch dazu acht Folgen lang.

Natürlich ist es kein Wunder: In einer Zeit, in der die Mehrheit neuer Kinofilme auf Nostalgie und bestehendem Bekanntheitsgrad basieren, folgt auch das Fernsehen diesem Beispiel. Warum bei null anfangen, wenn Sie eine vorhandene Immobilie umbauen können, wenn alle schweren Arbeiten bereits erledigt sind und ein gewisser Kultstatus bereits aufgebaut ist?

Bei Paramount+ arbeitet man an einer aktuellen Version von Flashdance aus dem Jahr 1983 über eine schwarze Frau, die versucht, in der Welt des Balletts Fuß zu fassen; und an einer Serienwerdung von The Italian Job aus dem Jahr 1969 (als Remake bereits variiert 2003), in der es um „die Enkel des legendären Charlie Croker“ geht. Dass Filme zu Serien verarbeitet werden, ist kein neues Phänomen, aber in letzter Zeit wachsen sie wie die Schwammerl aus dem Hollywood-Boden. In den vergangenen Monaten starteten noch fünf weitere seelenlose Serien, die früher einmal Filme waren: Fatal Attraction bei Paramount+, Dead Ringers bei Prime Video, True Lies bei Disney+, Grease – Rise of the Pink Ladies bei Paramount+ und Fubar bei Netflix, im Grunde nichts anderes als eine inoffizielle Fortsetzung von True Lies.

Man kann diese Filme im Jahr 2023 nicht einfach zu Serien aufgebläht noch einmal drehen, weil sie Produkte ihrer Zeit waren. Schraders American Gigolo kam in die Kinos, als die hedonistischen 1970er Jahre in die reaktionären 1980er Jahre übergingen. Ein stilvoller Gigolo war ein starkes Symbol in einer Zeit, in der Feminismus und Schwulenbefreiung traditionelle Rollen in Frage stellten. Genauso wenig kann man die Sexualpolitik eines Erotikklassikers wie Adrian Lynes Fatal Attraction aus dem Jahr 1987 in die Gegenwart holen – schon gar nicht ohne die großartige Glenn Close.

Das Original hatte die weltweit höchsten Einspielergebnisse des Jahres, bekam sechs Oscar-Nominierungen und enthält legendäre Momente wie einen gekochten Hasen und Sätze wie „I am not going to be ignored, Dan“. Ich habe den Film viele Male gesehen (und genossen), aber er ist natürlich zutiefst sexistisch. Die Erotikthriller des 20. Jahrhunderts waren schmuddelig in jeder Hinsicht. Das war ein großer Teil ihrer Anziehungskraft. Gespräche über Sex, Gender und psychische Gesundheit haben sich im Laufe der Jahrzehnte und besonders mit MeToo verändert. Das erklärt weitgehend, warum die Serie Fatal Attraction, die nicht mit der Zeit gegangen ist, so eine Katastrophe ist.

Die achtteilige Neuauflage bietet jungianische Theorien und einen psychologischen Blick auf die Schurkin Alex Forrest, ist aber alles andere als eine feministische Neuinterpretation. Es ist immer noch, was es immer war: eine Geschichte über einen „guten“ Mann, der von einer „verrückten“ Frau ruiniert wird. Joshua Jackson und Lizzy Caplan sind gute Schauspieler, aber sie fangen nichts von der Erotik zwischen Michael Douglas und Glenn Close im Original ein.

Dead Ringers bei Prime Video erreicht in sechs Stunden weniger als David Cronenbergs Kultklassiker aus dem Jahr 1988 in zwei Stunden schaffte. Der Film mit Jeremy Irons war eklig, provokant und faszinierend. Die Serie, in der die wunderbare Rachel Weisz eineiige Zwillinge und berühmte Gynäkologinnen spielt, wurde unnütz in die Länge gezogen. Dabei hilft auch die Optik des Prestigefernsehens nicht. Makelloser Farbglanz, der weit entfernt ist von David Cronenbergs klinischer Kühle.

Ein anderes algorithmisches Remake aus jüngster Zeit – mit Abstand das schlimmste von allen auf dieser Liste – ist True Lies (Disney+). Für das US-Fernsehen abgemildert, verpfuscht die Serie James Camerons 1994er Action-Comedy mit Arnold Schwarzenegger und Jamie Lee Curtis. Es gibt keine Spannung, keinen Sex und keine Lügen. Die Serie wurde abgesetzt, noch bevor die erste Staffel überhaupt ausgestrahlt worden war.

Um die Worte von Alex Forrest etwas abzuändern: Es handelt sich bei all diesen Serien um Remakes, die Sie gerne ignorieren dürfen. Sehen Sie sich lieber die Originale an.

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