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Ein Kaff im Nordwesten von Arkansas, wir schreiben das Jahr 1980. Zwei kleine Geschwister sind abgängig, ihre Spuren verlaufen sich im Wald. Den Buben findet Detective Wayne Hays, im Vietnamkrieg geeichter Fährtenleser, am nächsten Tag tot auf. Das Mädchen, Julie Purcell, bleibt in den Weiten des Ozark-Plateaus verschwunden. Die Eltern verzweifeln, am Verlust und aneinander. Im Zuge der Befragungen lernt Hays seine spätere Ehefrau Amelia kennen, sie ist Lehrerin an der Schule der Kinder. Nach zähen Ermittlungen wird ein üblicher Verdächtiger so lange drangsaliert, bis er die Nerven verliert. Hays glaubt nicht, was der Bürgermeister und sein Chef glauben wollen, dass nämlich der Fall damit gelöst sei, und wird deshalb in die Pressestelle versetzt. Case closed.

Zehn Jahre später bringt ein Lebenszeichen der totgeglaubten Julie die Ermittlungen wieder ins Rollen. Amelia Hays zehrt immer noch von dem True Crime Bestseller, den sie dank der Informationen ihres Mannes und eigener Recherchen damals publizieren konnte. Wayne Hays selbst und sein Partner Roland West, mittlerweile zum Lieutenant aufgestiegen, dürfen lose Enden wieder aufgreifen, finden neue Indizien, befragen in den Fall Involvierte, kommen den Tätern ziemlich nahe. Doch dann bringen sie sich durch eine dienstvorschriftswidrige Handlung samt fataler Konsequenzen um den Lohn ihrer Ermittlungsarbeit. Hays quittiert den Dienst. Case closed again.

25 Jahre später, im Jahr 2015, leidet der pensionierte Wachmann Wayne Hays, nun ein ergrauter und wackeliger Witwer, an Anflügen von Demenz. Immer wieder muss sein Sohn ihn abholen, wenn ihm der Faden gerissen ist und er weder weiß, wo er gerade hingefahren ist, noch, was er machen wollte. Wildfremde junge Frauen spricht er plötzlich als seine Tochter an. Die Aussetzer halten ihn freilich nur punktuell davon ab, den Fall seines Lebens im Kopf am Köcheln zu halten, oder besser: davon heimgesucht zu werden. Befeuert wird seine offenbar löchrige Erinnerung durch eine ehrgeizige Journalistin, die ihn zu einem Fernseh-Interview überredet hat. Schließlich schafft er es, seinen vereinsamten Ex-Partner Roland noch einmal zu privaten Ermittlungsausflügen zu motivieren.

Die dritte Season von True Detective erzählt, im Wesentlichen parallel auf diesen drei Zeitebenen, den Fall der vermissten Julie Purcell. Und sie zeichnet detailliert das von diesem Fall geprägte Leben ihres Titelhelden. Während die drei Erzählzeiten in allen acht Episoden kunstvoll ineinander verschachtelt sind – so manche Cliffhanger-Effekte sind dabei erwünscht und unzufällig –, wird die jeweilige Geschichte innerhalb der drei Schachteln chronologisch freigelegt. So diffundieren narrative Elemente gewissermaßen von der einen Ebene in die andere, wirken von der einen in die andere hinüber, ohne eine definitive Lösung des Falls vorwegzunehmen. Entscheidend dabei: Durch diese Erzählstrategie entfallen die handelsüblichen Täuschungsmanöver, mit der man das Publikum in konventionellen Krimis an der Nase herumzuführen pflegt. Das Geschehen erweist sich, auch von hinten gelesen, fast durchgängig als handlungslogisch in den jeweils präsenten Figuren angelegt, auch wenn so mancher Beteiligte länger im Verborgenen bleibt. Wir haben es mit dem beispielhaften Fall eines „character driven drama“ zu tun, dessen narrative Strategie (die nebenbei von der Maske selten eindrucksvoll unterstützt wird) vor allem dafür sorgt, ein äußerst plastisches Bild der Hauptfiguren vor Augen geführt zu bekommen.

Im Gegensatz zu den vorigen Ausgaben der Anthologie-Serie True Detective steht in Teil drei einer der Polizisten deutlicher im Fokus als der andere bzw. die anderen. Beglaubigt durch die Starpower des Oscar-Preisträgers Mahershala Ali, vielmehr jedoch überzeugt von dessen überragender Schauspielkunst, sind wir dazu angetan, ganz überwiegend die Perspektive von Detective Wayne Hays einzunehmen, welcher von Partner Roland West (Stephen Dorff lässt sich durchaus nicht an die Wand spielen) zärtlich grob „Purple“ genannt wird. Dazu gibt Carmen Ejogo die bislang wohl interessanteste Frauenfigur der Serie: Hays’ gebildetere und als Autorin ambitionierte Frau Amelia. Beziehungswickel zwischen den beiden verleiht deren zeitweise zusätzliches Verhältnis als inoffizielles Recherche-Team eine intrikate Note, wobei Pizzolatto die menschliche Psyche sehr interessiert, Psychologisierung zum Glück jedoch seine Sache nicht ist. Hays’ brüchige Karriere in der Major Crimes Division der Arkansas State Police ist nebenbei von zeittypischen Alltagsrassismen bestimmt, auch von vorgesetzter Seite kriegt er Prügel zwischen die Beine geworfen, doch scheitert der Mann in den entscheidenden Momenten im Grunde an sich selbst. Ob ihn das am Ende zu einem eingebildeten Kranken gemacht hat oder ob er womöglich an einer Vorstufe von Alzheimer leidet, bleibt in Alis brillanter Alters-Charakterisierung lange offen.

In ihrem gemächlichen Erzählduktus, bezüglich der Ansiedlung in ruraler Südstaaten-Atmosphäre und im zentralen Verhältnis der Ermittler zueinander stellt die dritte Season von True Detective eine Rückkehr zur ersten dar. Vor allem aber erinnern die weit auseinander liegenden, einander überlagernden Zeitebenen an den quasi therapeutischen Ansatz der kaputten Cops aus Teil eins (Matthew McConaughey und Woody Harrelson). Die Zeit heilt in True Detective eben nicht die Wunden, sondern lässt sie immer wieder aufreißen, weil sie nie vernarben können. Schon in der ersten Season war das an Genre-Gimmicks reiche, jedoch nicht rasend ungewöhnliche Kriminalrätsel nur die Folie, hinter sich die Verwüstung der detektivischen Seele durch einen ungelösten Fall besonders prägnant abzeichnete. Markante Mittel der Porträtierung waren damals und sind nun wieder: die Lücken, die das Gedächtnis aufreißt, die Streiche, welche einem die Erinnerung spielen kann, vor allem aber die Veränderung eines Charakters über einen längeren Zeitraum. Um nicht wie anlässlich der ersten Season von True Detective Proust zu zitieren, probieren wir es mit dem Kino-Denker Jean Epstein, der in „Die Maschine zum Denken der Zeit“ (1946) u.a. davon spricht, „die Intelligenz zur Gymnastik zu animieren“, um „von eingefleischter Unbedingtheit zu instabilen Bedingtheiten überzugehen“. Epstein: „Diese Maschine, die die Dauer in die Länge zieht oder verdichtet, die die variable Natur der Zeit offenbart, die die Relativität alles Messbaren predigt, scheint mit einer Art Psyche versehen zu sein.“ Wie gut das Bewegtbild sich in diesem Sinn als Werkzeug des Geistes anbietet, und wie stark Nic Pizzolatto, der ehemalige Hochschullehrer, dieses Prinzip auf unterhaltsame Weise auszureizen verstand, auch das zeigt True Detective, Teil drei.

Das Vergehen der Zeit offenbart hier auch eine sozialpolitische Dimension, ohne dies allzu sehr auszustellen. Dass der dritte Teil von True Detective eine gültige Erzählung über die Entwicklung der westlichen Gesellschaft geworden ist, über das verzwickte Verhältnis von moralischem Anspruch und dem Pragmatismus der Macht, welches ja gerade in unserer Zeit wieder massiv in Frage steht, verdankt sich auch der Anerkennung der „instabilen Bedingtheiten“, von denen Jean Epstein schrieb. Ein ohne Worte sprechendes Beispiel dafür ist die Hilflosigkeit, mit der der alte Detective Hays mitunter der jungen TV-Journalistin gegenübersitzt. Es geht hier nicht zuletzt um die veränderte Rolle der Medien in einer Zeit, die das einzelne alternde Individuum umso deutlicher zu überholen scheint, wenn dieses in seiner persönlichen Vergangenheit feststeckt. Und dabei ist von den so genannten „sozialen“ Medien noch nicht einmal die Rede.

Interessant an der Entstehung des Skripts erscheint vor allem, dass Pizzolatto sich dabei von David Milch helfen ließ. Im Gegenzug half er Milch bei dessen Deadwood-Film, mit dem der legendäre Improv-Autor und verhaltensoriginelle Freigeist endlich seine geniale, von HBO 2006 abgebrochene Westernserie über den Mythos der Frontier abrunden konnte. Im April 2019 informierte Milch die Öffentlichkeit übrigens bemerkenswert offen darüber, dass ihm eine Alzheimer-Diagnose gestellt worden war.

Man könnte noch viel Außergewöhnliches an True Detective S3 hervorheben. Man kann sich über den tollen Soundtrack von T Bone Burnett begeistern, der eher die jeweilige Befindlichkeit der Protagonisten zu untermalen als dass das Publikum zu manipulieren sucht. Man darf den artifiziell-ingeniösen Vorspann nicht unerwähnt lassen, der seit Teil eins x-fach kopiert wurde, und ebenso wenig die Schlusspointe von Teil drei, die in ihrer Mischung aus Dezenz und Wirkmacht ihresgleichen sucht. Der wahrscheinlich eigentümlichste Reiz der Erzählweise liegt jedoch in der Gestaltung der Schnittstellen zwischen den Erzählzeiten. Mal organisch, mal abrupt, mal logisch, mal überraschend, erliegen sie nie einem effekthascherischen Selbstzweck. Einmal dreht die Kamera sich langsam um die beiden Ermittler, während sie im Auto zu einem entscheidenden Zeugen unterwegs sind. Sie waren schon einmal dahin unterwegs, sie waren angespannt, haben geschwiegen. Nun wieder Schweigen, doch weniger Anspannung. Dabei wechseln die Zeiten, mal sehen wir die alten, dann die mittelalten, dann wieder die alten Detektive. Wohl wie sie sich an die einstige Fahrt erinnern. Wie sie sich einst fühlten, wie sie sich jetzt fühlen. Allein ihre Gesichtsausdrücke erzählen es.

Die vierte Staffel der Anthologieserie, „True Detective: Night Country“ – mit Jodie Foster und Kali Reis in den Hauptrollen, startet am 15. Jänner parallel zum US-Start bei Sky. Alle vorherigen Staffeln sind über Sky Q und auf Sky X abrufbar.

(Der Text erschien zunächst im November 2019 in „ray“.)

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Im Sommer 1983 wollte mir ein Sportfreund ein Fitnessbuch von Arnold Schwarzenegger borgen. Ich lehnte dankend ab. BMX-Biken im Wiener Prater und Fußballspielen auf der Birkenwiese waren bis dahin meine Leidenschaften. Außerdem wollte ich lieber mein Hirn als meine Muskeln trainieren, statt Büchern über Leibesübungen las ich welche über den Urknall, die Herkunft der Welt und des Lebens, die Abstammung des Menschen vom Affen. Es wäre mir affig erschienen, Gymnastik nach Anleitung eines öligen Posers zu treiben.

In der Unterstufe meiner Schule, wie damals vermutlich in weiten Teilen Österreichs, war der ausgewanderte Kernölsteirer entweder unbekannt oder galt als überambitionierter Kraftlackel ohne Hirnschmalz. Den Film Conan, der Barbar hatten alle Nase rümpfend ausgelassen, bis auf meinen erwähnten Sportfreund. Der wiederum ließ nicht locker, mich zu Sit-ups, Klimmzügen und Beincurls zu überreden. Für unser durchwachsenes Trainingsareal im Prater, musste ich allmählich zugeben, waren die mit vielen Improvisationstipps gespickten Übungen aus Arnolds Fitness-Ratgeber recht brauchbar und nicht zuletzt bemerkte ich, dass der Kraftzuwachs meinem Stil als Ballesterer durchaus zuträglich war. Eine der plastischeren Erinnerungen aus dem Buch (in dem sich übrigens auch prototypische Ernährungsratschläge fanden): Arnold beschreibt, wie er spätabends die Notausgangs-Treppen eines fünfzehnstöckigen Hotels drei Mal rauf- und runter rennt, um nicht während eines Business-Trips auf sein Workout verzichten zu müssen. Spinner, dachte ich damals. Doch wir jungen Sportfreunde waren Avantgardisten, denn als die Aerobic- und Kraftsport-Welle mit der üblichen Verspätung über den Atlantik zu uns rüberschwappte, war Schwarzenegger bereits ein Star. Sein Durchbruch trug den Namen Terminator (1984).

Knapp vierzig Jahre später blickt Schwarzenegger, der diesen Sommer 76 Jahre alt wird, in dem Netflix-Dreiteiler Arnold auf sein Leben und seine Karriere zurück. Die Serie ist mit Fotos, Zeitungsausschnitten, Videoclips, Talking Heads (James Cameron, Linda Hamilton, Jamie Lee Curtis, Danny DeVito, Sylvester Stallone u.v.m.) und ausführlichen Interviewsequenzen zwar ziemlich konventionell gestaltet, besticht allerdings durch drei Vorzüge. Erstens erfährt auch, wer so gut wie alles über „Österreichs Hollywood-Export“ zu wissen meint, jede Menge neuer Details. Zum Zweiten inszeniert Klimaschutz-Veteran Schwarzenegger sich im weitläufigen eigenen Anwesen, mal melancholisch leise, mal im üblichen Hau-drauf-Stil, mal augenzwinkernd vor alpenähnlicher Kulisse – u.a. im Schaffelbad-Jacuzzi mit Zigarre im Mund oder beim Schuften im Kraftraum –, fährt im dreiachsigen Steyr-Puch Pinzgauer durch die Gegend oder berichtet von der täglichen Routine seiner Hausesel-Pflege (auch sein Insta-Account zeugt davon). Und drittens gibt Schwarzenegger nicht nur preis, wie er sich in bestimmten Momenten seines Lebens gefühlt hat, sondern spricht sogar freimütig vom „biggest fuckup of my life“: Als er nämlich mit der eigenen Haushälterin einen Sohn gezeugt und dies seiner inzwischen geschiedenen Frau Maria Shriver und seinen vier ehelichen Kindern 14 Jahre lang verschwiegen hatte.

Doch zurück in den Juni des Jahres 1985, als Terminator in Österreich ins Kino kam. Die Leute staunten, wie eindrücklich „unsere“ steirische Eiche eine fast perfekte Tötungsmaschine spielen konnte (was für ein Anlass für eine Nostrifikation), und ich staunte mit. Der eingangs erwähnte Sportfreund hat seitdem übrigens kaum einen seiner Filme ausgelassen, außer vielleicht Twins (1990), in dem Schwarzenegger sein maschinelles Spiel gekonnt in den Dienst hölzerner Comedy-Naivität stellt. Mich interessierten natürlich weniger Arnolds frühe Paraderollen in doofen Rabaukenreißern wie Das Phantom-Kommando oder Predator als, nur zum Beispiel, der in seiner prophetischen Qualität unterschätzte Running Man (1987) oder sein Revoluzzer in Paul Verhoevens legendärem Sci-Fi-Knaller Total Recall (1990). In letzterem manifestierte sich auch Schwarzeneggers beachtliche schauspielerische Lernfähigkeit, welche später in Gestalt des eifersüchtigen Agenten Harry in True Lies (1994) einen seltenen Höhepunkt fand. Freilich: „Jim, I don’t wanna be an actor“, hatte er schon zehn Jahre früher zu James Cameron gesagt. „I wanna be a movie star.“ Den einstigen Actionhero-Titanenkampf gegen Sly Stallone nahm Schwarzenegger beispielsweise mit der Expendables-Reihe (seit 2010) oder mit dem Buddy-Ausbruchs-Thriller Escape Plan (2013) auf die Schaufel. Und neuerdings matchen die beiden einander mit den Serien Tulsa King (Paramount+) und Fubar (Netflix), wobei Arnie qualitativ hier eindeutig den Kürzeren zieht.

Der erste Teil der Miniserie widmet sich Arnolds Anfängen als Bodybuilder, der sich von Championat zu Championat hantelt (nebenbei erwähnt wird der schon damals übliche Steroid-Missbrauch), seinen frühen Freunden und Förderern, seinem vom kriegstraumatisierten Vater eingepflanzten Konkurrenzdenken und natürlich seinem Aufwachsen im idyllischen Thal bei Graz. Klar war ihm schon früh: The world was too small for him in Styria. Der anekdotenreiche zweite Teil zeichnet anhand kollegialer Schnurren und Funfacts seine fulminante Filmkarriere nach; der dritte beleuchtet Schwarzeneggers Quereinstieg in die Politik als Gouverneur von Kalifornien. Großes Staunen, großer Stolz damals in Österreich. Da lebt doch glatt ein immigrierter Steirer, der quasi Kernöl statt Muttermilch verabreicht bekam, den amerikanischen Traum. Mich hat seine Wahl zum Governator dann schon nicht mehr verwundert; Westernstar-Präsident Reagan war noch in Erinnerung, und in die Reagan-Jahre des beginnenden Fake-it-till-you-make-it-Anything-goes-Turbokapitalismus (nicht umsonst ein Bezugspunkt der Trump-Ära) war ja auch Arnolds steiler Aufstieg als Actionheld gefallen.

Einer der hübschesten Momente der Serie ist jener, als der Politikneuling nach zwei Monaten Wahlkampf samt Terminator-Persiflage erstmals in seinen Gouverneurssessel sinkt – mission accomplished –, wie auf dem Filmset scherzhaft nach der Maske fragt, sich dann aber insgeheim eingestehen muss: Keine Ahnung, was ich jetzt tun soll. Für diese neue Rolle konnte er nicht trainieren, doch kurz danach erfindet er ein „Zigarrenzelt“ im Hof seines Amtsgebäudes, und bald wollen alle, die in Kalifornien etwas zu sagen haben, in diesem Zelt mit Arnold plaudern. Und er lernt schnell. Von seinen Verbindungen zum demokratischen Kennedy-Clan profitiert der Republikaner Schwarzenegger damals besonders; so ist er z.B. in der Lage, den damals angesehensten Klima-Experten der Demokraten für sein Kabinett anzuheuern.

Reichlich Glück hatte er auch, der Terminator. Nicht nur kam das Skript zu seinem ersten Welterfolg genau zur richtigen Zeit, bevor seine Karriere als TV-Witzfigur und Herkules-Kampfmaschine – ursprünglich wegen unkaputtbaren Akzents synchronisiert – versandet wäre. Die testosteronschwangeren Macho-Achtziger waren überhaupt die historisch erste Möglichkeit für eine singuläre Weltkarriere wie diese (Muskelmenschen wie Dwayne Johnson oder Dave Bautista konnten später darauf bauen). Glück hatte Arnold auch mit seinen Förderern, mit seiner Ehefrau und ihrem Clan oder mit dem Window of Opportunity durch die historische Gouverneursabwahl seines Vorgängers in Kalifornien. „I’ll be back“: Wahrscheinlich war es das Glück des Tüchtigen, des Stehaufmännchens, das keine Niederlage als endgültig akzeptiert. Des Sohnes einer extrem disziplinierten Mutter. Des Knaben, der immer wieder gegen seinen älteren Bruder antreten muss (auch über den früh verunfallten Meinhard Schwarzenegger spricht er in Arnold). Das Glück des Träumers, der sich seine Träume „visualisieren“ konnte und sie durch stählernen Willen verwirklichte. Schon als Kaufmannslehrling war er in selbstgebauten Eisenschuhen durchs Dorf marschiert.

Gemäß seinem Leitspruch kam Arnold Schwarzenegger immer wieder zurück, ob an der Seite von Greta Thunberg als Klimabotschafter oder mit selbstironischen Action-Rollen. Und jetzt? Immer weitermachen. Sich in Schwung halten. Versuche, deinen Mitmenschen nützlich zu sein, so Arnolds Devise. Man kann schlechter altern.

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„Eine Hand in den Sternen
Die andre am Hintern vom Vordermann
Das ist das Land der begrenzten Unmöglichkeiten
Wir können Pferde ohne Beine rückwärts reiten
Wir können alles was zu eng ist mit dem Schlagbohrer weiten
Können glücklich sein und trotzdem Konzerne leiten“
(Wir sind Helden, „Müssen nur wollen“)

Die Helden der Finanzmärkte, wie wir sie aus dem Kino kennen, sind für gewöhnlich keine tollen Affen. Nicht Christian Bale und Brad Pitt in Adam McKays The Big Short, der womöglich schärfsten US-Satire auf die Kapitalmarktkrise 2008, die auch in J.C. Chandors Margin Call ihren fabelhaften Niederschlag fand, wo wiederum Kevin Spacey, Demi Moore, Stanley Tucci & Co um ihre Existenz kämpfen. Martin Scorseses The Wolf of Wall Street passt da schon eher ins Bild – Leo DiCaprio, wie er einen auf spastischer Kriechwurm macht, bzw. Jonah Hills Zockerkollegen im Motion-Control-Koksrausch sollen uns vor Lachen zum Schenkelklopfen bringen. Insofern erweist Matthias Brandt als karikaturesker Boss der börsenhungrigen Firma Cable Cash eher Leo und Jonah und Marty seine Reverenz als den anderen Genannten.

Brandt fügt dem Phänotypus des abhebenden Superstars aber auch ganz eigene, fantastisch überdrehte Elemente hinzu. Magnus A. Cramer ist rein gar nichts peinlich. Er trommelt sich auf die Brust, beim Lachen grunzt er über die Fremdschamgrenze hinweg und die beste Figur macht er in Sonnenkönigsverkleidung oder mit dressiertem Falken auf dem Arm als Party-Gag. Nur wenn es wieder einmal gefährlich wird, und das unterscheidet Brandts Cable-Cash-CEO von all den amüsanten Gordon-Gecko-Variationen, unterbricht er die Dauerparty-Kasperliade. Dann setzt er plötzlich seine schmalsten Lippen und ein Perlweißzähne fletschendes Lächeln auf. Dann flüstert er seinem Kompagnon Felix Armand, der zunächst noch auf Seriosität pocht und sich in seiner Haut zusehends unwohler fühlt, etwas scheinbar Bedeutungsvolles oder Kompromittierendes ins Ohr oder erinnert ihn schlicht daran, dass Felix nur mit ihm, mit Magnus, reich und berühmt werden kann, nicht aber ohne ihn. Er muss nur wollen.

Die Miniserie King of Stonks dürfte durch den aktuellen Monsterbetrugsprozess um den vor drei Jahren wie ein Kartenhaus zerfallenden deutschen Zahlungsdienstleister Wirecard quasi noch das ganze Jahr 2023 über Hausse haben. Es ist eine Persiflage der Finanzmarktwelt, auf den ersten Blick eher eine Farce als eine Satire, aber was für eine! Die Parallelen zu Wirecard (als „Fintech-Bank“ einst die Prestigehoffnung der deutschen Finanzwirtschaft) sind evident: Ein auf halbseidene Finanziers, mafiöse Rotlichtgewinne und viel heiße Luft gebautes Bezahlservice-Unternehmen geht an die Börse und will gleich einmal kräftig den Kurs hochschrauben. Eine Leerverkäuferin setzt auf Enttarnung von Cable Cash und fallende Kurse. Und der größenwahnsinnige „Visionär“ Magnus versetzt sich unter der Devise „Fake it till you make it“ in einen sozialmedial aufgeblasenen Bullen-Modus und lässt Mitgründer Felix bei Key-Note-Auftritten sein Horcherl bespielen und die Kollateralschäden beseitigen. Derweil spielt der österreichische Geheimdienst eine süffisante Nebenrolle und wird die „alte“ Bankenwelt als moralisch ebenso verrottet dargestellt wie die neue Fintechwelt. Und natürlich sitzt den beiden Möchtegern-Milliardären auch die Mafia im Nacken.

King of Stonks wurde vorgeworfen, sich der oberflächlichen Verspottung eines komplexen Problemfelds hinzugeben, mithin ausschließlich als Posse zu funktionieren. Subtil ist hier tatsächlich nichts, Übertreibung ist angesagt. Und doch kann widersprochen werden: Zwischen all der redundanten Party-Hysterie erfahren Kleinanlegerinnen ein paar wesentliche Hintergründe, erkennen Zusammenhänge von Kapital, System, Person und Institution oder kapieren z.B. die Mechanismen einer Leerverkaufswette auf ein betrügerisches Unternehmen. Zudem liefert King of Stonks neben der sympathischen Short Sellerin (Larissa Sirah Herden) auch eine brauchbare Identifikations-Hauptfigur. Thomas Schubert (dem übrigens nebst weiteren Empfehlungen hier eine kleine Hymne gesungen wird) legt seinen nerdigen Felix nämlich als durchaus zerrissene Figur an, im Spannungsfeld zwischen Erfolgsdruck, banalen WG-Problemen, Sehnsucht nach Liebe und Beliebtheit und heftigen moralischen Bedenkensanwandlungen, mithin: hoch interessant.

Die Macher von King of Stonks mussten nichts faken: Persistenz beim Netflix-Pitchen und der Erfolg ihrer daraus folgenden Mini-Serie How To Sell Drugs Online (Fast) – als der Streaming-Markt vor drei Jahren noch „bullish“ war –, brachte Philipp Käßbohrer und Matthias Murmann letztlich in ihre privilegierte Showrunner-Position. Nächstes Projekt, dann für Disney+: Pauline. Die Titelheldin verliebt sich in einen Herrn namens Teufel, dessen Name selbstredend Programm ist. Mal schauen, ob der Run des hippen Produzentenduos, welches früher für Jan Böhmermann tätig war, auch mit übernatürlichen Kräften fortgesetzt werden kann…

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Die schönsten Bilder unter den Kinostarts dieser Woche hat Park Chan-wook fabriziert. Menschen in diesigen Nieselregenszenarien, erhabene Berglandschaften, Noir-City-Atmosphäre, Blut, das sich im Wasser eines Swimming Pools verteilt. Der Plot und die Figuren ergeben eine schöne, leise Variation des Noir-Genres. Hier unsere Kritik zu Die Frau im Nebel (und hier ein ergänzender Streaming-Tipp).

Um wenigstens hundert Grad weniger stylish oder gar abgründig ist der neue Film von Regie-Routinier Marc Foster, in dem Schauspiel-Routinier Tom Hanks einen starrköpfigen Mann spielt, der nach dem Tod seiner Frau innerlich und äußerlich verhärtet ist. Und, man ist nicht überrascht, durch die Freundschaft zu einer denkbar gegensätzlichen Frau (Mariana Trevino) wieder zurück ins Leben und zum Glück findet. Ein Mann namens Otto ist die zweite Verfilmung von Fredrik Backmans Roman „Ein Mann namens Ove“. Die erste, von 2015, war eine schwedische Produktion und so solide wie unspektakulär. Das gilt dann auch für die Hollywood-Version, wobei Foster und Hanks im Verbund die Drama-, Lakonie- und Versöhnungsknöpfe noch einmal passgenauer drücken (Tom Hanks‘ Karriere-Entwicklung verfolgen wir ja eher besorgt).

Aus meiner Haut, die erste größere Produktion des Studenten-Oscar-Gewinners Alex Schaad, wurde bei den Filmfestspielen in Venedig mit dem Queer Lion ausgezeichnet. Die Plotprämisse ist ambitioniert, aber wenn man die an mindestens einem Punkt nicht ganz nachvollziehbare Logik geschluckt hat, kann man sich auf die Konstruktion einlassen. Eine Kommune praktiziert den Körpertausch. Zwei Paare schlüpfen jeweils in die Körper ihres männlichen bzw. weiblichen Gegenübers. Und dann beginnen die Verwicklungen, die in Aus meiner Haut nichts Komisches haben, sondern als Seelendrama inklusive Retraumatisierung erzählt werden. Die einen wollen ihren neuen Körper nicht mehr verlassen, die anderen halten den Identitätswechsel nicht aus. Auf die eine oder andere Weise geraten alle zunehmend außer sich.

Die nüchterne, spannende, mit teils atemraubend detaillierten Gewaltszenen schockierende Suche nach dem sogenannten „Spinnenmörder“, basierend auf einer wahren Geschichte aus der heiligen Stadt Maschhad Anfang der Jahrtausendwende, kann angesichts derzeitiger misogyner Verbrechen des fundamentalistischen Regimes im Iran mindestens als brennend aktuell bezeichnet werden. Unsere ausführliche Besprechung von Holy Spider finden Sie hier.

Der vielleicht schönste Filmtitel der Woche: Human Flowers of Flesh. IndieWire nennt den zweiten Langfilm von Helena Wittmann eine „meditative Perle“ bzw. ein „halluzinatorisches Märchen“. Kamerafrau und Experimentalfilmemacherin Wittmann lässt ihre Hauptdarstellerin Angeliki Papoulia (die übrigens Stargast des heurigen Crossing Europe Festivals in Linz sein wird) schweigend mit ihren Männern übers Mittelmeer segeln, bis ein Erlebnis am Hafen von Marseille die Crew in Bewegung bringt.

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In dieser Woche kommt ein besonders denkwürdiges Dokument deutscher Populärkultur in die Kinos. Cordula Kablitz-Post hat für ihren Film FCK 2020 – Zweieinhalb Jahre mit Scooter den neben Rammstein global wahrscheinlich bekanntesten deutschen Pop-Act begleitet. Angeführt von Frontmann H.P. Baxxter hampelt das Trio seit über 30 Jahren über die Bühnen und entlässt in scheußlichem Denglisch Denkwürdiges in die Welt („How much is the fish?“, „The Question is What is the Question“). Der Film macht Spaß und zeigt Menschen, die arglos und vollkommen schambefreit wirken. Die Vorgänge sind erstaunlich, man kann nicht wegschauen: Die Musik von Scooter ist atemberaubend dumm und darin so konsequent, dass man sich der Faszination, die von ihr ausgeht, nur schwer entziehen kann. Die Mischung aus Techno-Dorfdisco-Hölle und lyrischer Gnadenlosigkeit („Respect to the man in the icecream van“) wirkt. Das Gute an ihm sei, dass er nichts mehr merke, macht Baxxter gleich am Anfang einem seiner Angestellten ein schönes Kompliment, und dieser Satz ist programmatisch für die Charakterstudie, die FCK 2020 anstellt. Ein Blick in den Abgrund, ohne Frage, aber der Abgrund schaut zurück und grinst schlau. H.P. Baxxter und die übrigen Beteiligten inklusive der Fans wissen, dass hier bombastischer Schrott produziert wird, aber der Schrott lässt sich ironisch abfeiern und ist tatsächlich ein Soundtrack zu einer Utopie im Jetzt (Wodka-Red-Bull und Techno-Tänzchen bis ans Ende aller Tage).

Von den Niederungen der deutschen Populärkultur zu den Höhen der amerikanischen, dem US-Horrorfilm: M3GAN reanimiert das seit dem Versickern der Chucky-Serie – und abgesehen von den zwei Annabelle-Filmen aus dem Conjuring-Universum – etwas eingeschlafene Motiv der unheimlichen Puppe, die ein Eigenleben und außerdem natürlich Mordlust entwickelt. Die Puppe ist hier ein Roboter, M3GAN (Amie Donald), der einem Waisenkind (Violet McGraw) geschenkt wird und bald einen ausgeprägten Beschützerinstinkt an den Tag legt. Heulen und Zähneklappern sind die Folge. Die Idee stammt von James Wan, Regisseur des ersten Conjuring-Films, der auch produziert hat. Unsere Kritik zum Film finden Sie hier.

Was ein kleines Füchslein mit dem Zweiten Weltkrieg zu tun hat, erfährt man in Adrian Goigingers Drama Der Fuchs. Für einen jungen Rekruten (Simon Morzé) stellt das im Wald gefundene, verwundete und gesund gepflegte Tier nämlich bald den so gut wie einzigen Lebenssinn dar. Ein Schoßtier im Krieg? Klingt abwegig, aber der Rekrut fährt eine Beiwagenmaschine und versteckt den Fuchs über ein Jahr darin – mitten an der Westfront. Und den Rekruten mit dem Fuchs gab es wirklich: Es war der Großvater des Regisseurs Adrian Goiginger, der mit Der Fuchs einmal mehr einen stark persönlichen Film vorlegt. Der Krieg dient hier nur als Rahmenhandlung, um die sehr spezielle Überlebensstrategie eines emotional verhärteten jungen Mannes möglichst emotional zu zeigen. Wir haben mit dem Salzburger Filmemacher in unserem Podcast gesprochen. (rs)

Außerdem: Im Österreichischen Filmmuseum gibt es dieser Tage drei hundertjährige Titanen des italienischen Kinos zu bestaunen, mindestens einer davon wird auch außerhalb eingeweihter Kreise als Titan angesehen, nämlich Pier Paolo Pasolini (1922–1975). Dessen Mentor Mauro Bolognini (1922–2001) gilt selbst als einer der großen gesellschaftskrititschen Regisseure Italiens und Carlo Lizzani (1922–2013) war als Dritter im Bunde eine Schlüsselfigur für die Erneuerung des italienischen Kinos durch den Neorealismus.

Neben dem dritten Teil der Lav-Diaz-Kollektion oder dem Forschungsprojekt „Visual History of the Holocaust“ blicken außerdem ab 22. Jänner die strahlenden, erstaunten, müden, traurigen und gehetzten Augen von Peter Lorre (1904–1964) von der Leinwand auf uns herab, wie es das aktuelle Programmheft des ÖFM so schön formuliert. (rs)

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Die Kinowoche beginnt mit dem Film zur Bewegung, die die von Männern dominierte Kinolandschaft erschüttert hat wie eigentlich keine politische Initiative zuvor. Das Metoo-Movement berührte einen Kern des Produktionszusammenhangs, in dem Filme leider nach wie vor entstehen, trotz aller graduellen Fortschritte: die Ausbeutung weiblicher Körper vor und hinter der Kamera. Überraschenderweise hat nun die deutsche Regisseurin Maria Schrader die Geschichte der Enthüllung der nahezu systematischen Vergewaltigungen durch den Filmproduzenten Harvey Weinstein, welche die Bewegung maßgebend auf Touren brachte, verfilmt. Ihr Film basiert auf dem Buch „She said. Breaking the Sexual Harassment Story That Helped Ignite a Movement“ der New-York-Times-Journalistinnen Jodi Kantor (Zoe Kazan) und Megan Twohey (Carey Mulligan). She Said reiht sich in eine ehrenwerte Tradition der Filme um heldenhafte Journalisten ein, von Die Unbestechlichen bis Spotlight. Aber She Said traut sich auch, Leerstellen zu lassen, wo der Film es sich einfacher hätte machen können. Harvey Weinstein taucht als Figur nur kurz auf und wird ausschließlich von hinten gefilmt, eine Vergewaltigung ist – fast schon selbstverständlich in diesem Fall – nicht auf der Leinwand zu sehen.

She Said schafft Klarheit und weiß, was falsch und was richtig ist: Das Problem ist hier nicht, die Wahrheit zu finden, das Problem ist, sie durchzusetzen. In der bereits bei der vorigen Berlinale akklamierten Dramödie Ninjababy, frech inszeniert von der Norwegerin Yngvild Sve Flikke, herrscht dagegen Unsicherheit. Die Website 1000things.at schreibt dazu: „Basierend auf der ebenfalls norwegischen Graphic Novel, erzählt der Film die Geschichte der 23-jährigen Rakel, die mit der Zeit Veränderungen an und in ihrem Körper bemerkt. Als sie, nur um sicherzugehen, einen Schwangerschaftstest macht, stellt sich heraus, sie ist bereits im sechsten Monat. Schon vor der Schwangerschaft wusste sie nicht so wirklich, was sie mit ihrem Leben anfangen will – eine Schwangerschaft war aber definitiv nicht ihr Plan. Der Film begleitet sie dabei, wie sie sich langsam aber doch mit der Situation auseinandersetzen muss.“ Hier geht es z.B. zu den Spielzeiten und Tickets im Wr. Stadtkino.

Dazu das kaum glaubliche Dokument einer Liebe, nämlich der belgischen Opernsängerin Nelly Mousset-Vos und der chinesischen Widerstandskämpferin Nadine Hwang, die sich am Heiligen Abend 1944 als Gefangene im KZ Ravensbrück ineinander verlieben. Der Dokumentarfilm Nelly & Nadine erzählt diese Liebesgeschichte, die das Kino nicht besser erfinden könnte. Kurz vor dem Ende des Krieges werden die Frauen voneinander getrennt, finden aber wieder zusammen und verbringen den Rest ihres Lebens gemeinsam. Jahrelang halten sie ihre Liebesgeschichte geheim, sogar vor engen Familienmitgliedern. Doch zum Glück hat Nellys Enkelin Sylvie beschlossen, das lange verschlossene Privatarchiv zu öffnen.

Und noch ein Kinderfilm: Michael Krummenachers Verfilmung von Otfried Preußlers Kinderbuchklassiker Der Räuber Hotzenplotz modernisiert die Geschichte, ohne dass es aufgesetzt wirken würde und reiht sich so in eine Reihe jüngerer Klassiker-Neuverfilmungen ein (Jim Knopf und Lukas der Lokomotivführer, Der junge Häuptling Winnetou). Nichts Umwerfendes, aber für einen Sonntagnachmittagskinobesuch reicht es auf jeden Fall.

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Ist es nur ein Traum? Ist es Realität, die von Träumen beeinflusst wird? Oder ist es ein von jemand anderem geträumter Traum, etwa von Gideon (gespielt vom akklamierten schottischen Doctor Who-Darsteller Peter Capaldi) – eine der unheimlichsten und zugleich faszinierendsten Figuren, die in jüngerer Zeit auf Bildschirmen zu sehen war (das meint auch der Guardian). Ist es bloß ein Déjà-vu? Aber wenn nicht, warum kommt mir die Situation bloß so verdammt bekannt vor?

The Devil‘s Hour, eine von Tom Moran erdachte Miniserie, funktioniert nach dem Prinzip Wahrnehmungsstörung. Die von Alpträumen geplagte Lucy (Jessica Raine) wacht stets um 3:33 Uhr nachts auf, zur Titel gebenden Stunde des Teufels – aber wir wissen zunächst nicht, ob das von ihr Geträumte Tagesstress-Restverarbeitung, ein ordinärer Alptraum oder Ergebnis eines unbewältigten Traumas ist. Halluzinationen oder Flashbacks, unter denen sie tagsüber leidet, deuten auf Letzteres.

Lucys kleiner Sohn Isaac (Benjamin Chivers) scheint zu keinerlei echten Gefühlsregungen fähig zu sein und ist auch sonst ein Rätsel von einem Kind. Zum Beispiel sieht er Dinge, die sie selbst nicht sieht. Dennoch bemüht Lucy sich um ihn, geht mit ihm zur Therapie und versucht, ihm ihre Mutterliebe zu schenken. Wenig hilfreich bei dieser Herausforderung ist Lucys Ex-Ehemann (Phil Dunster, der Jamie Tartt aus Ted Lasso!), der sich zwar weiterhin um sie bemüht, doch seine Abneigung gegenüber Isaac kaum verhehlen kann. Als gestresste Sozialarbeiterin und Tochter einer dementen Mutter ohnehin unter Druck, wird Lucys Lage fast unerträglich, als Isaac entführt wird.

The Devil’s Hour spielt geschickt mit der Unsicherheit seiner Heldin, indem sie diese auf die Zuseher:innen überträgt. Als scheinbarer Anker für sie entwickelt sich der sensible Ermittler Ravi (Nikesh Patel) und so manche Vision Lucys deutet auf eine künftig tiefergehende Beziehung der beiden hin. Das ist es dann aber mit romantischen Elementen, der Rest der Erzählung besteht aus einem illustrativen Nebenstrang, Nachforschungen Ravis (mit seinem von Alex Ferns gespielten Partner) und wird durch die gleich zu Beginn eingeführte Figur des Gideon ins Reich reichlich verworrener Mystery verwiesen. Denn Gideon ist der Entführung verdächtig, hat einen eher halbseidenen Hintergrund, behauptet aber bei seiner Vernehmung, eine seltene Gabe zu besitzen: ab einem bestimmten Punkt gehe sein Leben immer wieder von vorn los. Ravi glaubt ihm kein Wort, Lucy scheinbar schon. „Was ist deine schlimmste Erfahrung?“, will Gideon von ihr wissen. „Das alles hier. Du!“, schreit sie zurück.

Was folgt, ist weniger amüsant als Groundhog Day oder Palm Springs (siehe hier), dafür aber spannender – jedenfalls wenn man Spaß daran hat, einer genuinen Erzähllogik zu folgen. The Devil’s Hour gibt sich nämlich nicht damit zufrieden, einfach eine Thrillerhandlung und das Drama einer Mutter auszuerzählen; der Sechsteiler arbeitet sich unterdessen an Zeitsprüngen und in der zweiten Hälfte zunehmend persistent an einer Parallelwelt-Theorie ab. Dabei fliegen die Puzzlestücke zum Teil gehörig durcheinander, doch im Verlauf der letzten beiden Episoden lichtet sich das narrative Chaos.

Das Ende lässt (wie erwartet) Raum für Interpretation, nur leider – wie oft im Fall einer gespiegelten Traum(a)geschichte – arbeitet es mit einem unlauteren Mittel. Eine Person entpuppt sich nämlich als eine andere Person als uns vorgeführt wurde. Das geht natürlich über reine Erinnerungstäuschung hinaus. Mit diesem Abstrich und nicht zuletzt wegen des raffinierten Aufbaus, der gediegenen „Halluzinations“-Szenen und des vorzüglichen Schauspiels: eine Empfehlung.

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Das Setup ist fast schon eine Standardsituation im Genrefilm: Mehr oder weniger hochkarätige bzw. eitle Gäste werden per Einladung eines mehr oder weniger mysteriösen Gastgebers zusammengewürfelt (zuletzt etwa auch in der Episode „The Viewing“ in Guillermo del Toros Cabinet of Curiosities) – doch dann eskaliert die Situation aus mehr oder weniger geplanten Gründen.

In diesem Fall finden sich die Gäste in einen schicken Gourmet-Tempel auf einem idyllischen Eiland zusammen (Küche und Gastraum in einem), wo der von Ralph Fiennes köstlich inkarnierte Chef Slowik vor jedem Gang per lautem Händeklatschen um deren Aufmerksamkeit, nein, nicht bittet, sondern diese regelrecht einfordert. Unterstützt wird er dabei von seiner hantig-höflichen Oberkellnerin Elsa (Hong Chau) und bald nach dem Amuse-Gueule und ein paar Sticheleien zwischen dem Hausherrn und ein paar wenig manierlichen Gästen geht es gleich einmal recht beuschelig zu. Wenn nämlich ein minderbegabter Koch aus Slowiks Team sich vor versammelter Kundschaft entleibt, „weil er niemals auch nur annähernd die Klasse seines Chefkochs erreichen wird“.

Ab diesem Moment bricht selbstredend Panik aus, gefolgt von irrationalen Ausrede- und Ausbruchsversuchen, und rasch wird allen klar: Das war nur der Vorgeschmack. Chef Slowik will hier nicht nur eine Speisenabfolge zelebrieren, sondern ein tödliches Gesamtkunstwerk. Kleiner Hinweis: Der Gottkomplex des verkannten Kochkünstlers spielt im Drehbuch mehr als nur eine Nebenrolle. Nicht einmal die Gourmetkritikerin, die ihn einst „hochschrieb“ (Janet McTeer), weiß die Genialität des Meisters wahrlich zu würdigen.

Aus dem Genre-Menü schält sich also ein zunächst verrätselter Thriller heraus – inklusive hochoffiziellem Versteckspiel auf der Insel zwischendurch –, dessen flamboyanter Überbau (philosophische Bemerkungen zu Herkunft und Erlesenheit der Zutaten, Dekorieren der einzelnen Gänge als persönliche Kommentare für die Gäste) im Lauf der rituellen Inszenierung des Chefs zerbröselt. Was The Menu allerdings ziemlich gut schafft, ist, Kapitalismus- und Konsumkritik und Haute-Cuisine-Getue fesselnd und unterhaltsam als böse Horrorkomödie in ein Fegefeuer der Eitelkeiten aufzugießen.

Geschmacklich insgesamt gut abgerundet wird das „More you can eat“-Buffet in der Regie von Mark Mylod, der u.a. für 13 Episoden der vor allem unter US-Demokraten hochbeliebten Serie Succession zuständig war, durch exquisite Schauspielleistungen: Neben Fiennes vor allem von Anya Taylor-Joy (The Queen’s Gambit) und Nicholas Hoult, die als nebulöses Pärchen für Verstörung sorgen. Man darf sich von The Menu erwarten, dass er sein dick aufgetragenes Besteck raffiniert zum Einsatz bringt; nicht aber, dass er seinen künstlerischen „Happening“-Charakter in mehr als eine knalleffektartige Showdown-Performance überführt. Zirka ab dem vierten Gang dominiert selbstzweckhaftes Genre-Gimmick über die vom Film selbst viel beschworene substanzielle Essenz seiner Menüfolge (bzw. seiner Kapitel, was ja hier so ziemlich in eins fällt).

Am Ende wird der ganzen Manieriertheit dann auch noch eine psychologisch gewagte Schlusspointe abgerungen. Mit diesem Kunstwerk ist es ein wenig wie mit dem Genuss von Gänsestopfleber: ein vollmundiger Snack, der aber einen leicht schalen Nachgeschmack hinterlässt.

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Es beginnt mit einer kleinen Sensation, zumindest für alle Freund:innen des weirden body horror: David Cronenberg hat acht Jahre nach dem etwas enttäuschenden Maps to the Stars wieder einen Film gedreht, der auch noch genau so heißt wie eines seiner frühen Werke und damit auf das splatterige Frühwerk verweist. Crimes of the Future hat bis auf den Titel aber nichts mit dem gleichnamigen Film von 1970 zu tun, sondern knüpft gedanklich eher an Videodrome an: David Cronenberg ist nach langer Zeit wieder einmal auf der Suche nach dem „neuen Fleisch“. Hier unsere Kritik zum Film.

Cronenbergs Organwachstumsfilm ist definitiv interessanter als Black Panther 2: Wakanda Forever. Der erste Teil hat als erster Blockbuster mit einem schwarzen Superhelden eine immense soziale und filmhistorische Bedeutung, war als Film aber ähnlich fad wie der Großteil dessen, was in den vergangenen Jahren im Marvel-Universum produziert wurde. Das Sequel besetzt die Titelrolle, die im ersten Black Panther vom 2020 verstorbenen Chadwick Boseman gespielt wurde, nicht neu, sondern lässt den König sterben und tot bleiben. Sein Reich wird nach seinem Ableben angegriffen, viel Gelegenheit für CGI-Action und Gedöns und nach fast drei Stunden ist wieder Ruhe.

In Mrs. Harris und ein Kleid von Dior / Mrs. Harris Goes to Paris sind die Kulissen prachtvoll und die Menschen wohlwollend (auch wenn sie es nicht von Anfang wissen). Die Romanvorlage von Paul Gallico wurde 1982 schon einmal verfilmt, von Peter Waldeck und mit Inge Meysel in der Titelrolle. Anthony Fabians Verfilmung ist weniger betulich, aber doch der Inbegriff des Middle-Brow-Arthaus-Comedy-Dramas. Mrs. Harris (Lesley Manville) arbeitet als Putzfrau in den Häusern der Reichen. Ihr Traum ist ein Kleid von Dior, sie fliegt mit ihren kargen Ersparnissen nach Paris und wirkt dort Wunder – bringt den jungen Menschen bei, auf die Liebe zu vertrauen und erinnert die Angehörigen der Modebranche an das Gute und Wahre. Ein Feel-Good-Rührstück. Aber mit Isabelle Huppert in einer Nebenrolle.

Die Huppert wiederum hat in Michael Hanekes Verfilmung von Elfriede Jelineks Die Klavierspielerin die Hauptrolle gespielt. Der Dokumentarfilm Elfriede Jelinek – die Sprache von der Leine lassen rekonstruiert die Künstlerbiografie der bekanntesten österreichischen Schriftstellerin, mittels Archivmaterial vor allem, aber auch mit für den Film selbst aufgenommenen Kommentaren Jelineks. Ein dankbares Sujet: Eine interessantere und in einem guten, nicht stumpfen Sinne kontroversere Schriftsteller:in wird man in der Geschichte der deutschsprachigen Literatur nicht finden. Und die Montage der Regisseurin Claudia Müller wird ihrem Gegenstand gerecht: „Meine Absicht war, die Zeitebenen unklar zu halten, sodass man nicht weiß, ist man in der Gegenwart oder der Vergangenheit“, hat sie dem Standard erzählt. „Es ging mir darum, die Aktualität ihrer Texte herauszuarbeiten.“ Unsere Besprechung stammt von Alexandra Seitz.

Schließlich – weil vorige Woche die Kinovorschau krankheitsbedingt enfallen musste – wollen wir Ruth Beckermanns neuen Streich Mutzenbacher nicht unter den Tisch fallen lassen. Stichwort „neues Fleisch“, aber naturgemäß anders als bei Cronenberg: In ihrem ersten Film nach dem verdienten Walzer Waldheims lässt die Regisseurin ausgesuchte Männer aus Schnipseln des in Österreich weltberühmten, 115 Jahre alten, anonym geschriebenen Porno-Romanklassikers vorlesen und frei assoziieren – und hat hörbar Spaß daran. Beckermann verriet im Zuge der Promotion-Kampagne, dass sie selbst noch sehr jung war, als sie erstmals mit Dirnen in Berührung kam. (rs)

Verwiesen sei noch auf die Retrospektive zu Hong Sangsoo, dessen frühe Werke derzeit im Österreichischen Filmmuseum laufen (die jüngeren werden dann im Dezember/Jänner gezeigt; Sie wissen schon, das sind dann diese, in denen oft soviel gegessen und vor allem gesoffen, aber auch viel geredet wird). Näheres dazu hier. (rs)

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