Best of Serien: Angesichts der gigantischen Menge an Fernsehserien, die in diesem nach Eskapismus schreienden Jahr erschienen sind, sind wir in uns gegangen und haben die Perlen des Jahres herausgefiltert. Diese Serien entführten uns in sterile Büros und protzige Hotels, in gesetzlose Küchen, überforderte Spitäler, alternative Existenzen und surreale Traumwelten.

Severance

Dan Ericksons retro-futuristischer Unternehmensthriller unter der Regie von Ben Stiller hat die Idee der Work-Life-Balance großartig ad absurdum geführt. Franz Kafka und Aldous Huxley selbst hätten Mühe gehabt, ein vergleichbar quasi-totalitäres Szenario heraufzubeschwören, das so finster an spätkapitalistische Ausbeutung erinnert. Adam Scotts Angestellter darf/muss jeden Tag die Trauer um seine verstorbene Frau vergessen, um maximale Produktivität für ein dubioses Unternehmen zu erreichen. Severance ist gerade in einer Zeit des „Content Dump“ eine fantastische Errungenschaft; eine zweite Saison ist in Arbeit. (Apple TV+)

Ozark, Finale

Es ist die Serie zur Dauerkrise, denn in ihr herrscht Dauerkrise. Wenn es mit der Weltwirtschaft und der globalen Verschuldung so weiter geht, wird Ozark ev. bald die Trademark-Serie für bankrotte Banker:innen und Manager, die nach alternativen (und schwer kriminellen) Alternativen suchen, ihr Fortkommen zu bestreiten und ihre Familien zu ernähren. Hier werden sie fündig, jedoch Spoiler: Bei der Anwendung der in dieser Serie vorgestellten Methoden braucht es sowohl einen starken Magen als auch ein gerüttelt Maß an Improvisationskünsten. Wir vom filmfilter empfanden das Ende jedenfalls, entgegen so manchen Fan-Kommentaren, als tief erfüllend. (Netflix)

The White Lotus, S2

Die exquisiten Kulissen dieser Serie mögen wie traumhafte Fluchtorte aussehen, aber in den Händen des Autors und Regisseurs Mike White versinken sie in einem einprozentigen Albtraum. Nachdem die erste Saison dieser Satire alle umgehauen hat – den filmfilter inklusive –, verpflanzte White das zweite Kapitel nach Sizilien und kreierte die vielleicht „geilste“ Serie des Jahres. The White Lotus ist ein äußerst zynischer und zutiefst brillanter Blick auf unsere Sexualpolitik (inmitten geradezu „kolonialer“ Strukturen) mit großartigen Darbietungen u.a. von Jennifer Coolidge, Aubrey Plaza und Sabrina Impacciatore. (Sky)

The Bear

Wer hätte gedacht, dass eine der stressigsten Serien aller Zeiten zu einer der besten des Jahres werden würde? Sie werden The Bear auf vielen Best-of-Listen finden, nicht selten auf Platz eins – und das zurecht. Christopher Storers kinetisches, kulinarisches Drama schwelgt im Adrenalin, das durch einen Sandwich-Laden in Chicago pulsiert, durch Jeremy Allen Whites Wunderkoch Carmy, um genau zu sein. Die Serie ist schnell, sie ist laut, meisterhaft gedreht und beeindruckend gespielt und macht sehr, sehr hungrig. (Disney+)

Landscapers

Es war zweifellos das Jahr der wahren Verbrechen, von The Staircase (Sky) über Candy (Disney+) bis hin zu A Friend of the Family (Disney+), aber der HBO-Vierteiler Landscapers ist eines der ungewöhnlichsten True-Crime-Stücke, die wir je gesehen haben. Es könnte die größte Liebesgeschichte nach Bonnie und Clyde sein – aber mit der britischen Höflichkeit von Olivia Colman und David Thewlis. Die Miniserie wurde von Ed Sinclair, Colmans Ehemann, geschrieben und von dem brillanten britischen Regisseur Will Sharpe expressionistisch inszeniert. (Sky)

Five Days at Memorial

Auch diese ungeheuer nah an der Realität gebaute Serie darf in unserem heurigen Best of Serien nicht fehlen. Die Ausnahmeschauspielerin Vera Farmiga überzeugt als Ärztin, die als Diensthabende im Memorial Hospital von New Orleans während der durch Hurrikan Katrina ausgelösten Flutkatastrophe Verantwortung trägt – mehrschichtig, die Perspektive wechselnd, fragt die von Carlton Cuse und John Ridley konzipierte Miniserie die Zuschauerin, was sie an Stelle von Dr. Anna Pou getan hätte. (Apple TV+)

Pachinko

In diesem Jahr entwickelte Apple TV+ sich zu einem ernst zu nehmenden Streamer. Die Freuden und Tiefen von Pachinko, wunderschön adaptiert von Soo Hugh und unter der Regie von Kogonada und Justin Chon, waren so greifbar, dass man am Ende der achten Folge dieser üppigen Miniserie das Gefühl hatte, die leichte Säure des Kimchis schmecken zu können. Die Literaturadaption von Min Jin Lees Roman ist ein bittersüßes Epos, das sich mit der generationsübergreifenden Geschichte einer koreanischen Familie beschäftigt. Ein wahrhaftiges Kunstwerk. (Apple TV+)

Stranger Things, S4

Die Hit-Serie der Gebrüder Duffer hat es in diesem Jahr geschafft, sich in etwas noch Größeres und irgendwie noch Erstaunlicheres als in den vorherigen Staffeln zu verwandeln. Es war beseelte Kleinbild-Action vom Feinsten. Kate Bush kletterte wieder an die Spitze der Charts und wir bekamen Antworten auf lang ersehnte Fragen. Ein weiterer Grund für die Aufnahme ins Best of Serien: Der Erfolg von Stranger Things rettete Netflix im Mai und im Juli wahrscheinlich vor dem Totalausfall angesichts großer finanzieller Probleme. Dennoch kursieren Gerüchte, der Streamer könne nächstes Jahr von Microsoft übernommen werden. Daher hier schnell der Trailer zur nächsten Season (Netflix):

Babylon Berlin, S4

Auch wenn sie ihre goldenen Tage in jeder Hinsicht hinter sich hat und das neue Kapitel bedrückender war denn je, die opulente deutsche Krimi-Serie des Trios Tom Tykwer, Achim von Borries und Hendrik Handloegten verdient immer noch einen Platz auf unserer Liste. In der vierten Staffel wird der Berliner Hedonismus in den 1930ern vom Faschismus verschluckt. Ein komplexes Zeitporträt und wieder eines der beeindruckendsten Produktionsdesigns diesseits des Atlantiks. (Sky, ab 2023 im Ersten)

Chloe

In der Streaming-Welt brachte der Frühling ein Meer an Geschichten, die von Schwindler:innen handeln (The Dropout, Inventing Anna usw.), aber der Autorin und Regisseurin Alice Seabright ist mit Chloe etwas ganz besonders Cleveres gelungen – daher steht diese Produktion in unserem Best of Serien stellvertretend für alle anderen. Der BBC-Sechsteiler mit Erin Doherty in der Hauptrolle spielt sich ab wie ein Hitchcock-Thriller für das Instagram-Zeitalter, der den ganzen Sadomasochismus einfängt, der mit Social Media generell einhergeht. (Prime Video)

Borgen – Power & Glory

Heuer wurden Österreichs Fernsehmacher wieder einmal daran erinnert, welche Stoffe man sich abseits der hiesigen Entertainment-Kost ausdenken könnte (z.B. im Auftrag von Netflix, wie der Nachschlag zur dänischen Vorzeigeserie schlechthin). Denn Dänemarks Kreativindustrie ist von den Möglichkeiten Österreichs nicht so weit entfernt, dass ein großer Wurf wie die Politik-Medien-Gesellschaftsserie Borgen nicht auch einmal hierzulande gelingen könnte. Das könnte dann Streaming-Jünger, die sich längst zur Gänze anderswo bedienen, auch wieder einmal auf den ORF aufmerksam machen. (Netflix)

Better Call Saul, Finale

Sich durchdacht und zugleich vergnüglich mit den Verformungen zu beschäftigen, die das Streben nach Geldvermehrung in einer Gesellschaft verursacht, diese systematischen Verformungen mit den unentrinnbaren Herkunftsvoraussetzungen und Charakterschwächen der porträtierten Individuen zu verquicken, und das auf so originelle, bildhafte und dialogwitzige Weise wie Better Call Saul, ist wahrlich eine Kunst. Wir werden Saul und Kim vermissen, so wie wir Sauls Stammserie Breaking Bad vermisst haben, und doch wissen wir: Nun muss es zu Ende sein. (Netflix)

Nur knapp unser bestes Dutzend verpasst haben: The Watcher (Netflix, Tipp hier), Slow Horses (Apple TV+), Andor (Disney+), All of Us Are Dead (Netflix), Bad Sisters (Apple TV+, Tipp hier), Peripheral (Prime Video), Archive 81 (Netflix), The English (in DE auf Magenta TV) und einige mehr. Wie gesagt: Serienschwemme.

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Das ging schnell und war doch recht überraschend: Kurz nach Start war Wednesday, die erste Netflix-Produktion von Tim Burton, der zuletzt nicht gerade filmische Großtaten fabriziert hat, eine der fünf erfolgreichsten Serien des Streaming-Portals bislang. Der Achtteiler bringt es auf über 800 Millionen Streaming-Stunden, über 100 Millionen Haushalte haben sich das bislang angeschaut. Da drängt sich die Frage auf, warum gerade eine Fortschreibung des eigentlich ja sehr verblichenen Addam’s Family-Franchise so durch die Decke geht. Die einfachste Antwort ist, dass es Wednesday gelingt, zwei der erfolgversprechendsten Komponenten des fantastischen Films, der für (nahezu) alle Altersstufen ab 12 aufwärts funktionieren soll, zusammenzubringen.

Die Titelheldin (Jenna Ortega) wird von ihren Eltern, Gomez und Morticia A. Addams, in ein Außenseiter-Internat gesteckt, das als Mikrokosmos ähnlich wie Hogwarts eine Mischung aus Elite-Institution, Highschool und magischem Paralleluniversum darstellt. „Nevermore“, Edgar Allan Poe soll ebenfalls hier zur Schule gegangen sein. Zum Topos der fantastischen Lehranstalt, die seit Harry Potter immer wieder im Genre auftaucht, kommt – wie bei Stranger Things – eine über verschiedene Kanäle evozierte Nostalgie, die dann auch und vor allem ältere Zuschauer:innen kriegt. Das wäre in diesem Fall zuvorderst das Tim-Burton-Universum. Burton schließt mit Wednesday wieder an seine früheren großen Außenseiter-Erzählungen an (Edward mit den Scherenhänden, Ed Wood und zuletzt Die Insel der verlorenen Kinder), nachdem seine Filme zuletzt etwas irrlichternd und entstofflicht gewirkt hatten.

Die Außenseiterin ist hier eine, die die weit verbreiteten Makel des schief in die Welt gestellten Menschen (Unwohlsein in vielen sozialen Situationen, erschwerter Zugang zu den eigenen Gefühlen, Autismus-artige Züge, strahlende Intelligenz) in Waffen, Qualitäten und Wortwitz verwandelt hat. Das scheint das zentrale Faszinosum der Serie zu sein, zumindest auf der Ebene der Figuren. Soziopathie als Superkraft.

Wednesday bezieht einen Großteil seiner Anziehungskraft aus seiner Atmosphäre, wohliger Retromania und seiner Heldinnenfigur. Vergleichsweise egal scheinen ein sauber konstruierter Plot, Spannung oder gar überraschende, plausible Wendungen zu sein. Damit reiht sich die Serie in eine ganze Reihe jüngerer Produktionen ein, die allesamt nicht mehr plot driven, sondern character driven wirken. Nicht in dem ursprünglichen Sinne des Begriffes, dass es hier um Figurenpsychologie und Empathie ginge. Character driven heißt in diesem Fall, dass die Hauptfiguren die Serien tragen müssen, während man nach einer Folge schon mal Probleme hat, die Story zusammenzufassen. Nicht weil sie so kompliziert wäre, sondern weil sie so egal ist, letzten Endes. Ins Zentrum rücken denkwürdige Oneliner, einzelne Situationen und Sequenzen (der Hashtag #wednesdaydance ging schon mal viral) und meme-taugliche Dialogzeilen. Ähnliches kann man jüngst auch an Mike Flanagans Gruselgeschichtenerzählclub Gänsehaut um Mitternacht beobachten.

Oder man bemerkt es beim norwegischen Film Troll, dessen Kernidee im Titel schon recht komplett enthalten ist, dessen Regisseur Roar Uthaug allerdings zuallererst auf Materialschlacht setzt. Ein Troll kommt aus den norwegischen Bergen, haut die anrückende Armee kaputt und marschiert auf Oslo zu. Wieder sind es Sonderlinge – eine Paläontologin (Ine Marie Wilmann), ihr verschwörungstheorieaffiner Vater (Gard B. Eidsvold) und ein nerdiger Regierungsbeamter (Kim Falck) –, die die Lage klären, wo der militärisch-industrielle Komplex umgehend versagt.

Das eine ist das vergleichsweise hübsche, aber auch nicht weltbewegende CGI-Spektakel, das Troll auffährt. Sehr schön aber ist, wie hier gängige Topoi des latent woken Fantasy-Kinos angetippt werden. Der Troll ist verbunden mit der kolonialen Vergangenheit der eigenen herrschenden Klasse, das Monster ist moralisch im Recht; auch in Wednesday kehrt die unter der polierten Oberfläche der Normalität verborgene Gewaltgeschichte der eigenen Gesellschaft wieder zurück, hervorgeholt von grenzüberschreitenden Outsider-Figuren, die mehr und anderes sehen als die Normalen. Troll wird man nach dem Sehen schnell wieder vergessen haben, aber das ist nicht schlimm, in diesem Fall. Für anderthalb Stunden trägt der schöne Radau ohne Weiteres, und das Herz am rechten Fleck hat er auch.

Nächste oder übernächste Woche widmen wir uns an dieser Stelle der vorzeitig abgesetzten Science-Fiction-Westernserie Westworld, deren vierte Season nun leider die finale wird.

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Viele waren begeistert darüber, selbst entscheiden zu können, was sie wann sehen. Die Kunstform der einzelnen Episode bzw. deren Anerkennung mag darunter gelitten haben, aber das Modell befeuerte die Ausformung der neuen Serienromane mit Filmqualität. Die nicht mehr ganz Jungen unter uns erinnern sich daran, als wir standardmäßig daran gewöhnt waren, eine Woche auf die nächste Folge unserer Lieblingssendung zu warten – bis Netflix diese Ausspielungs-Strategie über den Haufen warf. Nun, alles Alte ist irgendwann wieder neu: Immer mehr Streamingdienste spielen Serien wöchentlich aus und kehren zum alten TV-Modell zurück.

Die Headline einer amerikanischen Website lautet: „2021 Was the Year Binge-Watching Took a Back Seat to Weekly TV“. Laut diesem Artikel von The Ringer, der Daten von Parrot Analytics zitierte, verwendeten 62 Prozent der 50 besten neuen Streaming-Serien des Jahres 2021 eine Art wöchentliche Veröffentlichungsstrategie, gegenüber etwa 30 Prozent in den vorangegangenen zwei Jahren.

Als ich mir also vor wenigen Wochen die erste Folge der Hulu-Serie Under the Banner of Heaven ansah, war ein Teil von mir unglaublich irritiert, dass ich nicht sieben Stunden auf einmal sehen konnte. Während Hulu weiterhin die meisten Komödien als Binge veröffentlicht, werden fast alle Dramen und limitierten Serien des US-Streamers Woche für Woche ausgestrahlt. Und da neue Plattformen in den USA wie Disney+, Apple TV+, HBO Max, Peacock und Paramount+ in den vergangenen zwei Jahren aufgetaucht sind, haben auch diese Streamer wöchentliche Episoden als Strategie bevorzugt.

Disney+ verwendet das wöchentliche Modell und hofft darauf, dass Fans von Marvel und Star Wars immer wieder zurückkehren, um neue Folgen von Obi-Wan Kenobi oder Moon Knight zu sehen. Warum alles auf einmal rausschmeißen, wenn man eine Pawlow’sche Reaktion bei den Zuseher:innen hervorrufen kann? Unterdessen hat Netflix seine Binge-Politik mit Veröffentlichungen wie der hauseigenen Great British Baking Show langsam zurückgenommen.

Sogar Amazon Prime Video scheint sich auf episodisch zu verlagern: Der Megahit The Boys kam in der ersten Staffel als Binge heraus, wurde aber in der zweiten wöchentlich. Die dritte Staffel ist am 3. Juni gestartet. Drei Folgen konnte man über Pfingsten durchbingen, dann erscheint immer freitags eine neue Folge – eine Art Hybrid-Modell. Apple TV+ hat die ersten drei Folgen der ersten Staffel von Ted Lasso auf einmal veröffentlicht und dann episodisch danach, wobei die zweite Staffel von Anfang an wöchentlich ausgestrahlt wurde. Im Fall der überdies in zwei Hälften geteilten Finalseason von Better Call Saul geht Netflix nun ebenfalls hybrid vor.

(Es gibt übrigens News zur letzten Halbseason von BCS, hier unsere textliche Begleitung der vorletzten.)

Das klassische Modell der Fernsehausstrahlungen könnte das TV-Publikum langfristig an die Streamer binden, was dazu anregt, die monatlichen Gebühren zu zahlen. Für Plattformen, die stärker auf Werbung angewiesen sind, ist diese Langlebigkeit noch wichtiger. Eine wöchentliche Veröffentlichung ermöglicht es neuen Serien auch Mundpropaganda aufzubauen, wodurch die Wahrscheinlichkeit verringert wird, dass sie in der Flut von Serien verloren gehen.

Das Binging hat vieles von dem, was das Fernsehen einst auszeichnete – das sorgfältig abgestimmte Geschichtenerzählen, die Cliffhanger oder das gemeinsame Zuschauen – beseitigt. Wer vorletztes Wochenende damit verbracht hat, die vierte Staffel von Stranger Things in ihrer Gesamtheit zu schauen (hier unser Resümee), hat sich am Ende vielleicht erschöpft gefühlt – und geradezu deprimiert, dass man bis Juli auf die nächsten Folgen warten muss. Man hat vielleicht die eine oder andere Verabredung abgesagt. Nennen wir es das „Binge-Dilemma“. Es ist sehr bequem, hat uns aber auch vielleicht eine Spur einsamer gemacht.

Binge wird nicht weggehen. Netflix bleibt eine Supermacht und die überwältigende Serienschwemme macht es immer schwieriger, ein breites Publikum für Programme zu finden, da jede einzelne Serie mit hunderten anderen konkurriert. Infolgedessen müssen Serien, die für Streaming-Plattformen entwickelt werden, kompakt, ansprechend und vollständig verfügbar sein, damit ein Binge die Zuschauer:innen süchtig macht. Wenn eine ganze Season auf einmal verfügbar ist, ist es schwer, dem Sirenengesang der „nächsten Folge“ zu widerstehen. Und wenn eine Serie innerhalb von Stunden nicht mehr aktuell ist, dann müssen immer mehr produziert werden, um das Publikum bei der Stange zu halten.

Es gibt keine objektive Antwort darauf, welches Modell besser ist, und es ist wohl zu früh zu sagen, ob ein Modell das andere verdrängen wird. Auch ist die Art der Veröffentlichung einer Serie eine jeweils strategische Geschäftsentscheidung, die darauf abzielt, den Erfolg einer bestimmten Show zu maximieren. (Beim Ozark-Finale z.B.: geteilt in Halbseasons, aber jeweils alle Folgen. „They have to be binged to be believed“, hieß es über die allerletzten Folgen von Ozark in einer US-Kritik. Hier unsere abschließende Besprechung dieser überlangen Fabel.)

Generell gesprochen: Vielleicht ist ein Modell des Mini-Binge mit drei Folgen, gefolgt von einer wöchentlichen Veröffentlichung, der Kompromiss der Zukunft.

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Netflix kann eine neue Season eines seiner größten Hits gerade gut gebrauchen. Wir haben drei lange Jahre darauf gewartet, nach Hawkins zurückzukehren, in die fiktive Stadt, in der sich gelegentlich schleimige Portale zu einem alptraumhaften Paralleluniversum öffnen. Doch das Warten hat sich gelohnt. Die neuen Folgen von Stranger Things sind großartig und es gibt endlich Antworten auf gewisse Fragen (keine Spoiler).

Die Duffer-Brüder haben die vierte Season ihre Game of Thrones-Staffel genannt, und es ist ein passender Vergleich, denn jede Folge fühlt sich wie ein actiongeladener Mini-Film an. Die Spezialeffekte sind noch besser als in den vorangegangenen Staffeln – zumal die Fortsetzung viel mehr Zeit im Upside Down verbringt. Mehr Budget bedeutet nicht immer eine bessere Produktion, aber man kann sehen, wie die Serienschöpfer ihr angebliches Episodenbudget von 30 Millionen Dollar voll ausgeschöpft haben.

Die Fortsetzung der populären Sci-Fi-Horrorserie beginnt im Frühling 1986. Kate Bush und Falco schwirren durch die Luft. Es ist etwa ein halbes Jahr her, seitdem ein riesiges Spinnenmonster ein Einkaufszentrum zerstört hat. Unsere Heldinnen und Helden haben sich auf der Welt verstreut. Die Byers, angeführt von Joyce (Winona Ryder), und eine immer noch machtlose Eleven (Millie Bobby Brown) sind in Kalifornien. Dort wird Eleven von bösen Klassenkameradinnen gemobbt und erleidet einen Wutanfall in Carrie-Manier; der arme Jim Hopper (David Harbour) sucht in einem sowjetischen Gefängnis nach einem Ausweg (während wir einen Ausweg aus dieser langweiligen Nebenhandlung suchen); und die pubertierende Hawkins-Crew (u.a. Finn Wolfhard, Gaten Matarazzo, Caleb McLaughlin und Sadie Sink) kommt auf die High School. Sie sind jetzt größer, aber auch alle auf die eine oder andere Art traumatisiert (die neue Staffel berührt Dinge wie Alkoholismus, Bulimie und Depressionen) und bleiben so sehenswert wie eh und je.

Natürlich gibt es auch ein Monster in Stranger Things. Es verfolgt seine Opfer, indem es ihre schlimmsten Ängste und Erinnerungen ausnutzt, sie dann in die Luft hebt und ihnen mit einem lauten Knirschen die Gliedmaßen bricht. Die Kinder nennen es Vecna, eine Anspielung auf einen Schurken aus Dungeons & Dragons. Die Kreatur ist das atemraubende Produkt von Barrie Gower, dem Maskenbildner hinter Game of Thrones’ Night King und den Strahlenopfern in Chernobyl. Es sieht aus wie eine Mischung aus beiden, hat ein bisschen was von Swamp Thing und ist dementsprechend grausig. Vecna ist auch eine explizite Anspielung auf Freddy Krueger, sehnig, mit riesigen Klauen; imposant, wie er ​​mit dem Mysterium der gesamten Serie verknüpft ist.

Abgesehen vom starken Einfluss von Nightmare on Elm Street gibt es auch mehr als nur ein paar Hommagen an Horrorklassiker wie Carrie, Halloween, Jaws, Poltergeist und so weiter. Stephen King, John Carpenter, Wes Craven, allen steht man hier Spalier. Auch die Spielberg’sche Essenz ist immer noch da.

Sechs der sieben am 27. Mai veröffentlichten, vom filmfilter bereits gesichteten Episoden sind mindestens 73 Minuten lang. Der Rest der vierten Stranger Things Season hat nur zwei Folgen, wird am 1. Juli veröffentlicht, und wir wissen, dass mindestens eine dieser Folgen zweieinhalb Stunden dauern wird. Man braucht schon ein wenig Sitzfleisch, aber wer denkt, dass das nicht binge-freundlich ist, irrt.

Auf ganz andere Weise beeindruckend ist Flee (bis 28.7. in der Arte Mediathek), die Geschichte eines afghanischen Flüchtlings. Der animierte Dokumentarfilm des dänischen Regisseurs Jonas Poher Rasmussen ist ein zutiefst intimes Porträt anhaltender Traumata und einer der humanistisch stärksten Filme des vergangenen Jahres. Er beginnt damit, dass Amin Nawabi (unter einem Pseudonym, um seine Identität zu schützen) vor der Kamera sitzt und die Augen schließt. Er atmet tief ein und Erinnerungen beginnen aus ihm heraus zu sickern.

Amin ist handgezeichnet – wie fast der gesamte Film. Zuerst ist er ein kleiner Junge, der sorglos durch die Straßen des Kabuls der 1980er tanzt. Er hat einen besonderen Platz für Jean-Claude Van Damme in seinem Herzen. Amin ist schwul, aber er hält es noch geheim. Einige Zeit später erinnert er sich an den Schock, als er mit seiner Mutter und seinen Geschwistern aus dem vom Krieg zerrissenen Afghanistan geflohen ist, nur um mit abgelaufenen Einwanderungspapieren im desolaten, postsowjetischen Russland in der Schwebe zu hängen. Aber seine vielleicht zermürbendste Erinnerung ist die an ein Boot voller Flüchtlinge, darunter auch er selbst, die versuchen, den Finnischen Meerbusen zu überqueren. Ein Kreuzfahrtschiff taucht am Horizont auf und die Flüchtlinge jubeln in der Annahme, dass das Schiff voller wohlhabender Touristen sie retten wird. Doch ihr Jubel schlägt in Entsetzen um, als die Touristen an Deck Fotos von den Menschen in den Booten machen. Eine Durchsage kommt: Die Polizei wurde alarmiert. Die Flüchtlinge werden nach Moskau zurückgebracht.

Die Animation erweist sich als perfekter Schutzschild für Amin und als Inspiration für Rasmussen, der mit Flee in die Fußstapfen von Ari Folmans preisgekröntem Zeichentrickfilm Waltz With Bashir (2008) tritt. Animierte Dokumentarfilme sieht man selten – jedenfalls in der langen Form –, und man könnte denken, sie haben es noch schwerer mit der Grenze zwischen Fiktion und Realität als „reale“ Dokumentarfilme. Doch es gibt nicht viele Filme, die authentischer und verletzlicher sind als Flee. Mehr als alles andere liegt alles in Amins Stimme. Im Atmen, in den Seufzern, dem gelegentlichen Verschlucken, wenn er sich an zurückerinnert.

Amin lebt jetzt in Dänemark, er ist erfolgreich und hat einen Freund. Der möchte gern mit ihm aufs Land ziehen, doch Amin merkt, dass ihn etwas zurückhält. Selbst jetzt strecken sich die Finger der Vergangenheit nach ihm aus. Das Trauma sitzt in den Knochen. Dennoch: Was am Ende bleibt, ist nicht der Schmerz, sondern die Hoffnung darauf, irgendwann bei sich selbst anzukommen.

Hier der ganze Film

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Die frühen Filmerfahrungen sind dann doch die eindrücklichsten. Die beiden ersten Ghostbusters-Filme haben sich bei mir, Jahrgang 1980, tief eingebrannt. Zwei Szenen hab ich nie vergessen: die, in der der Höllenhund Rick Moranis durch den Central Park jagt (an die Alpträume danach erinnere ich mich nicht mehr); und die im zweiten Teil, in dem der fiese alte Sack aus dem Gemälde rauskommt. Man sollte diese Momente und Erfahrungen, vielleicht, da lassen, wo sie sind. Beim Wiedersehen zerbröselt der Zauber manchmal dann doch sehr schnell. Was nicht heißt, dass man die Filme inzwischen, weil mehr oder weniger erwachsen geworden, schlecht findet. Aber es fallen einem doch andere Dinge auf, und die überschreiben gleichsam die Erfahrung von einst (nicht zuletzt ist in dem Fall dann doch unübersehbar, dass der erste Ghostbusters sich gut gehalten hat, während der zweite wohl schon damals eine ziemliche Gurke war – was einen Zehnjährigen natürlich nicht kümmern musste).

Die Vorfreude auf den ersten wirklichen Reanimationsversuch des Franchise war dann jedenfalls groß (das, was Paul Feig 2016 gemacht hat, wir bedenken es mit Schweigen). Und Ghostbusters Legacy schlägt ein großes, schweres Erbe mit sich rum. Eine überkritische Nerd-Fanbase im Nacken, dazu noch die seit der Netflix-Serie Stranger Things nicht abebbende 80s-Nostalgie-Welle, in deren Zugzwang das Ganze schnell zu einem polierten Langweiler hätte werden können. „Erbe“ ist hier nahezu buchstäblich zu verstehen: Regisseur des Films ist Jason Reitman, der Sohn des Ghostbusters-Regisseur Ivan Reitman. Wie geht man mit so einer Last um, gerade, wenn etwas Unbeschwertes entstehen soll? Die Idee liegt nahe und sie funktioniert soweit gut: Reitman, also der Sohn, führt einfach fort, was er in seinen eigenen Filmen (zum Beispiel in Juno, Up in the Air und Young Adult) in den vergangenen fünfzehn Jahren kultiviert hat und verbindet Komödie mit ernsten Tönen.

Hier bekommen die Figuren ein Familiendrama mit auf den Weg. Es beginnt mit einer Privatinsolvenz (Ghostbusters-Urgestein Dan Akroyd verweist in seinem Auftritt dann auch auf Rezession und Wirtschaftskrise), und die alleinerziehende Mutter Callie (Carrie Coon) muss mit Sohn und Tochter (Finn Wolfhard und Mckenna Grace) in das verfallene Geisterhaus ihres verstorbenen Vaters ziehen, der in dem staubigen Farmer-Kaff, in dem die Familie nun rezessionsbedingt leben muss, unter Verrücktheitsverdacht stand. Bald tauchen die ersten übernatürlichen Erscheinungen auf, und die Enkel finden zur allseitigen Freude Positronen-Kollidierer und das Ghostbusters-Mobil. Der Rest erzählt sich dann schon wie von selbst, macht Spaß und ist so gebaut, dass ausnahmslos alle Altersstufen ab acht Jahren aufwärts adressiert werden.

Paul Rudd trägt als Lehrer, der seinen Schüler:innen im Unterricht Cujo und Chucky die Mörderpuppe vorführt, den anarchischen Geist von einst weiter, auch wenn Ghostbusters Legacy wesentlich glatter wirkt als das im Rückblick überraschend wüste Original. Allerdings will er dann gerade im letzten Drittel doch etwas viel auf einmal: Drama, Comedy, Action, Zitatkino. Man kann den Film für den Versuch hassen, es allen recht zu machen, weil er damit dem Original zumindest in dieser Hinsicht nicht gerecht wird; dem nämlich waren Produzenten- und Publikumserwartungen spürbar wurscht, und es war trotzdem der reinste Crowdpleaser. Man kann ihn aber auch dafür mögen, dass er die Ghostbusters-Mythologie derart ernst nimmt, versucht ihr gerecht zu werden und das Franchise so mit Würde in die Gegenwart hinüberrettet. Der Versuch ist geglückt.

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