Nur eine nicht: In seiner ersten Szene erzählt uns der chilenische Regisseur, dass sein Film eine Geschichte ist. Eine Lüge, die wir glauben wollen. Nicht umsonst durchbricht er die vierte Wand und führt uns durch ein höhlenartiges, modernes Filmset. Die Kamera schwenkt langsam auf Florence Pughs Gesicht, die auf einem schmuddeligen Boot im 19. Jahrhundert hockt. Die tadellose, gedämpfte Kunstfertigkeit der australischen Kamerafrau Ari Wegner erinnert an ihre Arbeit an The Power of the Dog. Auch hier watet sie in moralisch dunklen Gewässern. Vergessen ist der Wirbel um Don’t Worry Darling. Lelios Film ist weitaus besser als der von Olivia Wilde und ein gutes Beispiel dafür, wie fantastisch Florence Pugh sein kann.

Die englische Schauspielerin ist die Zentrifugalkraft von The Wonder. Als Krankenschwester, die von Florence Nightingale im Krimkrieg ausgebildet wurde, wird sie 13 Jahre nach der großen Hungersnot von 1862 in eine kleine, fromme Gemeinde im ländlichen Irland berufen, um ein elfjähriges Mädchen (eine beeindruckende Kíla Lord Cassidy) zu „beobachten“, das angeblich vier Monate lang nur von Luft und Glauben gelebt hat. Der Zweck dieser Übung besteht darin, zu verstehen, ob dies ein göttliches Wunder ist oder ein Betrug. Wird sie heimlich gefüttert? Hat das Mädchen durch Photosynthese überlebt? Oder, wie sie behauptet, durch „Manna vom Himmel“? Das Urteil liegt am Ende bei den Männern des Dorfes (u.a. gespielt von Toby Jones und Ciarán Hinds).

Adaptiert wurde The Wonder von Lelio selbst, der mit Una Mujer Fantástica (2017) den Fremdsprachen-Oscar gewann, von der englischen Dramaturgin Alice Birch (bekannt für Succession und Normal People) und von Emma Donoghue, der irischen Autorin der gleichnamigen Literaturvorlage aus 2016. Die fundamentale Ambivalenz im Verhältnis von Fiktion und Wahrheit und wem sie schlussendlich dienen, ist der Kern von The Wonder. Mag sein, dass alle Geschichten Lügen sind. Aber ist das Leben nicht schöner, oder vielleicht auch erträglicher, wenn wir bei der Lüge mitspielen?

Der Beitrag The Wonder (2022) erschien zuerst auf filmfilter.

Die Geschichte von Jan Broberg und ihrer Familie dürfte hierzulande kaum jemandem bekannt sein, aber in den USA gibt es ein Buch, einen Podcast und einen Netflix-Dokumentarfilm aus dem Jahr 2017 mit dem Titel Abducted in Plain Sight. Die Doku wurde von vielen kritisiert: zu kitschig, zu reißerisch, zu manipulativ. Nun gibt es mit A Friend of the Family (ab heute bei Sky) eine neunteilige Fiktionalisierung. Mit Regisseurin Eliza Hittman (Never Rarely Sometimes Always), die in der ersten Folge einen bewundernswert zurückhaltenden Ton anschlägt, hat Nick Antosca das Ganze sensibel dramatisiert. Zu behaupten, A Friend of the Family ist eine bizarre Geschichte, wäre eine Untertreibung. Die Geschichte hat so viele WTF-Momente, dass jeder, der sich auf diese Miniserie einlässt, nach der ersten Folge in einem Google-Kaninchenloch verschwinden wird.

Es ist schwer, diese Geschichte zusammenzufassen – weil sie einfach keinen Sinn ergibt, wenn man die Serie nicht gesehen hat. In den 1970ern hat der pädophile Bob Berchtold (Jake Lacy) die zwölfjährige Tochter (zuerst gespielt von Hendrix Yancey und später von McKenna Grace) eines befreundeten frommen Mormonen-Ehepaars (Anna Paquin und Colin Hanks) entführt. Er hat das nicht nur einmal getan, sondern zweimal, weil er die Eltern um den Finger wickelte. Beim ersten Mal kidnappte er das Mädchen namens Jan, fuhr mit ihr nach Mexiko, setzte sie unter Drogen und überzeugte sie davon, dass sie beide Außerirdische sind, deren Mission es ist, ihren Heimatplaneten durch Fortpflanzung zu retten. Bob Berchtold begann dann eine Affäre mit der Mutter, nur um die Tochter wieder zu entführen. Die Details und der Rest werden am besten selbst erlebt.

Das Ensemble ist großartig, aber der Erfolg der Serie ist wohl Jake Lacy zu verdanken. Im Gegensatz zu seinem großartigen Idioten in The White Lotus ist der Schauspieler hier in der Lage, die ultimative Schurkerei nur durch ein breites Lächeln zu verkörpern. Jan und Mary Ann Broberg sind auch die Produzenten der Serie, wobei Jan die erste Episode in einem Vorspann einleitet und uns daran erinnert, dass, so unglaublich die Handlung auch sein mag, alles wirklich passiert ist. Es ist ihre Art und Weise, ihre Eltern in Schutz zu nehmen, zwei Menschen, die die schlimmsten Entscheidungen getroffen haben, die man sich vorstellen kann. Antosca ist allerdings in der Lage (er hat Ähnliches mit The Act und Candy gemacht), ein vollständiges Porträt dieser Familie zu zeichnen – und das Menschliche im Absurden zu finden.

Nicht nur wahre Verbrechen können uns in Angst versetzen. Die Schöpfer Joel Fields und Joe Weisberg, die uns das Meisterwerk The Americans geschenkt haben, sind vier Jahre nach dem Ende ihrer Spionagedrama-Serie mit einem Zehnteiler zurückgekehrt, der nicht minder vielschichtig ist. Mit dem Psychothriller The Patient (ab Mittwoch bei Disney+) nämlich, der auf der Beziehung zwischen einem Psychotherapeuten und seinem Patienten auf der Couch aufbaut.

Steve Carell spielt einen Mann, der scheinbar in einem Albtraum gefangen ist und in einem dunklen Raum an den Boden gekettet ist. Wir erfahren bald, dass er der Therapeut Alan Strauss ist, der von seinem introvertierten Patienten Sam Fortner entführt wurde. Sam (Domhnall Gleeson) hat sozusagen entschieden, dass seine Sitzungen etwas inniger sein sollen. Er will, dass Alan ihn von seinem unkontrollierbaren Wunsch heilt, Menschen zu töten. Aber wie einer seiner ehemaligen Lehrer ihm in einer späteren Folge vermutlich sehr richtig erzählt, ist das Zusammenleben mit einem Therapeuten eine schreckliche Idee.

Es klingt wie eine schwarze Komödie und das ist The Patient zum Teil auch – bis die Serie völlig unerwartet in ziemlich tiefe Gedanken über Schuld und Sühne, jüdische Identität und Gerechtigkeit abtaucht. Alan bringt sein eigenes Gepäck in die Therapiesitzungen mit und seine Probleme spielen eine ebenso große Rolle wie die von Sam. Nicht nur deshalb allerdings hebt sich das Ganze vom typischen Serienkiller-Drama ab. In fast jeder Hinsicht macht The Patient auch das Gegenteil von dem, was seine Blockbuster-Fernsehkollegen versuchen. Während die anderen groß werden und sich aufblähen, bleiben Fields und Weisberg klein und intim. Die Episoden sind nur etwa eine halbe Stunde lang, es bleibt ein Kammerspiel zwischen zwei fabelhaften Schauspielern, die beide sowohl dramatischere, als auch zynisch-komische Rollen stemmen können. Die Geschichte löst sich langsam auf, genau wie eine Therapie, und sie entschädigt den geduldigen Betrachter, auch wenn es keine Garantie dafür gibt, dass der Patient am Ende geheilt wird.

Der Beitrag Wölfe mit Pelzen erschien zuerst auf filmfilter.

Los geht es mit dem wohl romantischsten Kannibalenfilm seit Claire Denis‘ Trouble Every Day (und der war ja eigentlich nicht wirklich romantisch im engeren Sinne, hier unsere Kurzkritik). Luca Guadagnino hat in seinen Filmen einen sehr eigenen Blick auf die Liebe und vor allem die Gefahren, die mit dem Lieben verbunden sind, kultiviert. In Bones and All findet die Metapher von der verschlingenden Kraft der Liebe ein sehr einfaches Bild: Maren (Taylor Russell) und Lee (Timothée Chalamet) sind ein Kannibalenpaar, „Eater“, und reisen durch die USA, auf der Suche nach Marens Mutter. Guadagnino bringt hier Coming-of-Age und Horror zusammen. Im Ergebnis ist das ähnlich pulsierend wie Call Me By Your Name und ähnlich stylish wie Guadagninos Suspiria-Remake. Und wird von einer Liebe zum Medium angetrieben, die darum weiß, dass man Bilder und Effekte wie in Bones and All eben wirklich nur vom Kino geschenkt bekommen kann.

Ein weiterer Regisseur, dessen Filme implizit und explizit von der Liebe zum Kino zeugen, ist Guillermo del Toro. In seinem ersten Stop-Motion-Film kehrt del Toro zu dem Thema seiner zwei besten Filme, The Devil’s Backbone und Pan’s Labyrinth, zurück: die Figur des Außenseiters unter dem Druck des Faschismus. Für seine Pinocchio-Verfilmung hat er die Geschichte der Romanvorlage in die Zeit des italienischen Faschismus verlegt und verfährt sehr frei mit dem Stoff, der hier in knapp zwei Stunden Filmzeit geradezu überbordet. Ein filmisches Zeugnis der Macht von ewig gültigen Geschichten und ihrer Neuerfindung. Bei del Toro wird die Nase des Holzjungen nicht länger, stattdessen wächst ihm ein Ast aus dem Gesicht. „Dass die Lügen, die sich einer ausdenkt, so sehr wuchern, wachsen und gedeihen können, dass sie einem Wege in neue Welten eröffnen, ist ein schönes Bild nicht nur für Guillermo del Toros ausufernde Populärmythologie, sondern für die narrativen Künste überhaupt“, schreibt Nicolai Bühnemann im Perlentaucher. (Eine eigene filmfilter-Kritik folgt kommende Woche.)

Einen ganz anderen Zugang zum Kino verfolgt James Gray mit seinen Filmen. Hier geht es um die Rekonstruktion der Vergangenheit und einen genauen Blick für soziale und vor allem für Familienrealitäten – im Wissen darum, dass Erinnerung nicht objektiv ist. Armageddon Time / Zeiten des Umbruchs ist Grays erster dezidiert autobiografischer Film, und vielleicht sein bester. Unsere Kritik folgt.

Der Kinderfilm der Woche, Strange World, verbindet ein weiteres Mal die Heldenreise mit der Heilung einer unterbrochenen Familien- bzw. Vater-Sohn-Geschichte. Plot-technisch gibt das alles nicht viel her – um die Energieversorgung seines Landes Avalonia zu retten, muss der Held (gesprochen von Jake Gyllenhaal) sich auf eine gefährliche Expedition begeben, auf der er seinen Vater wiederfindet und sich mit seinem Sohn auseinandersetzen muss. Eingebettet ist die Aneinanderreihung narrativer Standardsituationen aber immerhin in wirklich sehr hübsche, quietschbunte Bilder.

Hingewiesen sei noch auf das Metoo-Drama Les Choses humaines / Menschliche Dinge von Yvan Attal mit Charlotte Gainsbourg; und nicht zuletzt auf den Debütfilm der jungen Wiener Regisseurin Clara Stern, die sich in Breaking the Ice tatsächlich die Verbindung des Winzermilieus mit dem Eishockey-Sport für ihre queere Adoleszenzgeschichte zutraut (hier die Standard-Kritik). Mit Breaking the Ice bricht Stern eine Lanze fürs Regelbrechen, wie sie auch in unserem Podcast erzählt. (rs)

Der Beitrag Knochen und sowas erschien zuerst auf filmfilter.

Los geht es mit dem wohl romantischsten Kannibalenfilm seit Claire Denis‘ Trouble Every Day (und der war ja eigentlich nicht wirklich romantisch im engeren Sinne, hier unsere Kurzkritik). Luca Guadagnino hat in seinen Filmen einen sehr eigenen Blick auf die Liebe und vor allem die Gefahren, die mit dem Lieben verbunden sind, kultiviert. In Bones and All findet die Metapher von der verschlingenden Kraft der Liebe ein sehr einfaches Bild: Maren (Taylor Russell) und Lee (Timothée Chalamet) sind ein Kannibalenpaar, „Eater“, und reisen durch die USA, auf der Suche nach Marens Mutter. Guadagnino bringt hier Coming-of-Age und Horror zusammen. Im Ergebnis ist das ähnlich pulsierend wie Call Me By Your Name und ähnlich stylish wie Guadagninos Suspiria-Remake. Und wird von einer Liebe zum Medium angetrieben, die darum weiß, dass man Bilder und Effekte wie in Bones and All eben wirklich nur vom Kino geschenkt bekommen kann.

Ein weiterer Regisseur, dessen Filme implizit und explizit von der Liebe zum Kino zeugen, ist Guillermo del Toro. In seinem ersten Stop-Motion-Film kehrt del Toro zu dem Thema seiner zwei besten Filme, The Devil’s Backbone und Pan’s Labyrinth, zurück: die Figur des Außenseiters unter dem Druck des Faschismus. Für seine Pinocchio-Verfilmung hat er die Geschichte der Romanvorlage in die Zeit des italienischen Faschismus verlegt und verfährt sehr frei mit dem Stoff, der hier in knapp zwei Stunden Filmzeit geradezu überbordet. Ein filmisches Zeugnis der Macht von ewig gültigen Geschichten und ihrer Neuerfindung. Bei del Toro wird die Nase des Holzjungen nicht länger, stattdessen wächst ihm ein Ast aus dem Gesicht. „Dass die Lügen, die sich einer ausdenkt, so sehr wuchern, wachsen und gedeihen können, dass sie einem Wege in neue Welten eröffnen, ist ein schönes Bild nicht nur für Guillermo del Toros ausufernde Populärmythologie, sondern für die narrativen Künste überhaupt“, schreibt Nicolai Bühnemann im Perlentaucher. (Eine eigene filmfilter-Kritik folgt kommende Woche.)

Einen ganz anderen Zugang zum Kino verfolgt James Gray mit seinen Filmen. Hier geht es um die Rekonstruktion der Vergangenheit und einen genauen Blick für soziale und vor allem für Familienrealitäten – im Wissen darum, dass Erinnerung nicht objektiv ist. Armageddon Time / Zeiten des Umbruchs ist Grays erster dezidiert autobiografischer Film, und vielleicht sein bester. Unsere Kritik folgt.

An weniger ehrwürdige Kinotraditionen schließt Shattered – Gefährliche Affäre an, nämlich an den softerotischen Psychothriller der Neunzigerjahre. Eine verhängnisvolle Affäre, Basic Instinct, Enthüllung, Body Heat: Filme, in denen düstere Femme Fatales auf von der eigenen Libido verhängnisvoll aufgepeitschte Männer losgingen. Kann man sich mal wieder anschauen, sowas, kann man aber auch lassen. Der hier ist immerhin von John Malkovich und Veronica Ferres produziert, Ferres-Tochter Lilly Krug spielt die Hauptrolle.

Die nächste Männer mordende Frau in dieser Kinowoche ist Heidi. Mad Heidi versetzt den Schweizer Kinderbuchklassiker in Splatter-Nazi-Exploitation-Spektakel-Szenario, das wohl gerne so etwas wie der nächste Dead Snow sein möchte, aber leider an der eigenen Kalkuliertheit scheitert. Die spürt man nämlich, bei allem Willen des Films zu Bad Taste und Ferkelei. Trash am Reißbrett entworfen, das geht eigentlich selten gut.

Ein weiteres Frauenporträt, aber sehr gediegen: Die Schauspielerin Frances O’Connor hat in ihrem Regiedebüt Emily das Leben der Schriftstellerin Emily Brontë verfilmt. Leidenschaft in Sturmlandschaften, Selbstbehauptung gegen die zeitgenössische männliche Ignoranz, eine Liebesgeschichte – alles erwartbar, aber filmisch schön gebaut.

Formal, inhaltlich und überhaupt in jeder, nicht zuletzt musikalischer Hinsicht interessanter ist Neptune Frost, ein Science-Fiction-Musical, das der Rapper und Schriftsteller Saul Williams gemeinsam mit der ruandischen Schauspielerin und Dramatikerin Anisia Uzeyman gedreht hat. Geflohene Minenarbeiter gründen in Burundi ein antikoloniales Hacker-Kollektiv und planen den Umsturz von einer Elektroschrottdeponie aus. Ein intersexueller Flüchtling und ein Minenarbeiter lösen durch ihre gemeinsame Energie Störungen in den göttlichen Schaltkreisen aus, dann geht alles drunter und drüber. Einer der wildesten Bilderräusche der letzten Jahre.

Neptune Frost zeigt Politik als ekstatischen Widerstand gegen die Macht; der seinem Gegenstand eventuell doch allzu unkritisch gegenüberstehende Dokumentarfilm Merkel – Macht der Freiheit zeigt die Politik der Macht als sehr nüchternes Unterfangen.

Der Kinderfilm der Woche, Strange World, verbindet ein weiteres Mal die Heldenreise mit der Heilung einer unterbrochenen Familien- bzw. Vater-Sohn-Geschichte. Plot-technisch gibt das alles nicht viel her – um die Energieversorgung seines Landes Avalonia zu retten, muss der Held (gesprochen von Jake Gyllenhaal) sich auf eine gefährliche Expedition begeben, auf der er seinen Vater wiederfindet und sich mit seinem Sohn auseinandersetzen muss. Eingebettet ist die Aneinanderreihung narrativer Standardsituationen aber immerhin in wirklich sehr hübsche, quietschbunte Bilder.

Der Beitrag Knochen und sowas erschien zuerst auf filmfilter.

Ist es nur ein Traum? Ist es Realität, die von Träumen beeinflusst wird? Oder ist es ein von jemand anderem geträumter Traum, etwa von Gideon (gespielt vom akklamierten schottischen Doctor Who-Darsteller Peter Capaldi) – eine der unheimlichsten und zugleich faszinierendsten Figuren, die in jüngerer Zeit auf Bildschirmen zu sehen war (das meint auch der Guardian). Ist es bloß ein Déjà-vu? Aber wenn nicht, warum kommt mir die Situation bloß so verdammt bekannt vor?

The Devil‘s Hour, eine von Tom Moran erdachte Miniserie, funktioniert nach dem Prinzip Wahrnehmungsstörung. Die von Alpträumen geplagte Lucy (Jessica Raine) wacht stets um 3:33 Uhr nachts auf, zur Titel gebenden Stunde des Teufels – aber wir wissen zunächst nicht, ob das von ihr Geträumte Tagesstress-Restverarbeitung, ein ordinärer Alptraum oder Ergebnis eines unbewältigten Traumas ist. Halluzinationen oder Flashbacks, unter denen sie tagsüber leidet, deuten auf Letzteres.

Lucys kleiner Sohn Isaac (Benjamin Chivers) scheint zu keinerlei echten Gefühlsregungen fähig zu sein und ist auch sonst ein Rätsel von einem Kind. Zum Beispiel sieht er Dinge, die sie selbst nicht sieht. Dennoch bemüht Lucy sich um ihn, geht mit ihm zur Therapie und versucht, ihm ihre Mutterliebe zu schenken. Wenig hilfreich bei dieser Herausforderung ist Lucys Ex-Ehemann (Phil Dunster, der Jamie Tartt aus Ted Lasso!), der sich zwar weiterhin um sie bemüht, doch seine Abneigung gegenüber Isaac kaum verhehlen kann. Als gestresste Sozialarbeiterin und Tochter einer dementen Mutter ohnehin unter Druck, wird Lucys Lage fast unerträglich, als Isaac entführt wird.

The Devil’s Hour spielt geschickt mit der Unsicherheit seiner Heldin, indem sie diese auf die Zuseher:innen überträgt. Als scheinbarer Anker für sie entwickelt sich der sensible Ermittler Ravi (Nikesh Patel) und so manche Vision Lucys deutet auf eine künftig tiefergehende Beziehung der beiden hin. Das ist es dann aber mit romantischen Elementen, der Rest der Erzählung besteht aus einem illustrativen Nebenstrang, Nachforschungen Ravis (mit seinem von Alex Ferns gespielten Partner) und wird durch die gleich zu Beginn eingeführte Figur des Gideon ins Reich reichlich verworrener Mystery verwiesen. Denn Gideon ist der Entführung verdächtig, hat einen eher halbseidenen Hintergrund, behauptet aber bei seiner Vernehmung, eine seltene Gabe zu besitzen: ab einem bestimmten Punkt gehe sein Leben immer wieder von vorn los. Ravi glaubt ihm kein Wort, Lucy scheinbar schon. „Was ist deine schlimmste Erfahrung?“, will Gideon von ihr wissen. „Das alles hier. Du!“, schreit sie zurück.

Was folgt, ist weniger amüsant als Groundhog Day oder Palm Springs (siehe hier), dafür aber spannender – jedenfalls wenn man Spaß daran hat, einer genuinen Erzähllogik zu folgen. The Devil’s Hour gibt sich nämlich nicht damit zufrieden, einfach eine Thrillerhandlung und das Drama einer Mutter auszuerzählen; der Sechsteiler arbeitet sich unterdessen an Zeitsprüngen und in der zweiten Hälfte zunehmend persistent an einer Parallelwelt-Theorie ab. Dabei fliegen die Puzzlestücke zum Teil gehörig durcheinander, doch im Verlauf der letzten beiden Episoden lichtet sich das narrative Chaos.

Das Ende lässt (wie erwartet) Raum für Interpretation, nur leider – wie oft im Fall einer gespiegelten Traum(a)geschichte – arbeitet es mit einem unlauteren Mittel. Eine Person entpuppt sich nämlich als eine andere Person als uns vorgeführt wurde. Das geht natürlich über reine Erinnerungstäuschung hinaus. Mit diesem Abstrich und nicht zuletzt wegen des raffinierten Aufbaus, der gediegenen „Halluzinations“-Szenen und des vorzüglichen Schauspiels: eine Empfehlung.

Der Beitrag Erinnerungstäuschung erschien zuerst auf filmfilter.

Es beginnt mit Abgründen unter glatter Oberfläche: Ralph Fiennes spielt in der schwarzen Horrorkomödie The Menu einen exzentrischen Starkoch, der auf einer abgelegenen Insel eine Gruppe ausgesuchter Gäste bewirtet und sich nach und nach als faschistoider Extremist entpuppt. Als ästhetischer Extremist, genau genommen, der Kochen als Kunst versteht, der sich die Menschen unterzuordnen haben. Das endet dann natürlich in Heulen und Zähneklappern, und das alles könnte sowohl als Horrorfilm wie auch im Subtext platt geraten sein, wären da nicht der wunderbare Cast (u.a. Ralph Fiennes, Anya Taylor-Joy und Nicholas Hoult) und die erstaunlich stilsichere Regie von Mark Mylod, der bislang vor allem mit Serienproduktionen aufgefallen ist (Shameless, Succession). Unsere Kritik hier.

The Magic Flute – Das Vermächtnis der Zauberflöte hingegen löst ein, was das Luxusdinner seinen gelangweilten Gästen nur verspricht: zwei Stunden Eskapismus. Der Gesangsstudent Tim Walker (Jack Wolfe) öffnet in einem österreichischen Internat ein Portal, das direkt in die Welt von Mozarts Zauberflöte führt. Dort wird er zu Prinz Tamino und in die Geschichte um die Befreiung der Prinzessin Pamina (Asha Banks) aus den Klauen Sarastros (Morris Robinson) hineingezogen – immer im steten Wechsel mit der Wirklichkeit. Der Film ist neben vielem anderen auch ein Beleg dafür, dass man im Kino nach wie vor gerne jeden schönen Quatsch glaubt, wenn er nur überzeugend und pompös genug inszeniert ist.

Manche Songs lösen sich von ihren Autor:innen, entwickeln ein Eigenleben und bleiben doch eng mit ihnen verbunden. Leonard Cohens „Hallelujah“ ist so ein Song. Eines dieser ewig gültigen Lieder, die den Eindruck vermitteln, dass etwas Wesentliches (und beim Hören nach dem vierten Bier vielleicht sogar das Wesentliche) gesagt worden ist. Der Dokumentarfilm Hallelujah: Leonard Cohen, A Journey, A Song entfaltet ausgehend von Cohens populärsten Lied ein Portrait des Künstlers – alles im etablierten Musik-Doku-Format und formal nicht aufregend, aber sehr schön anzusehen. Und vor allem anzuhören.

Karoline Herfurth hat sich in den letzten Jahren als eine Art Chronistin der Gegenwart von Mittelschichtsfrauen in Deutschland etabliert. Ihr letzter Film Wunderschön lief erst vor wenigen Monaten in den Kinos und erzählte recht überzeugend von den Schrecken und Belastungen des Schönheitswahns. Einfach mal was Schönes kreist um unkonventionelle Lebensentwürfe und Familienplanungen. Wenn man, wie Karla (Karoline Herfurth), auf die 40 zumarschiert und sich partout nicht der passende Mann für die Familiengründung finden lassen will, muss man sich anders behelfen. Die Mutter und die Geschwister von Karla sind von der Idee einer Mutterschaft ohne Vater allerdings nicht begeistert, und aus dieser Konstellation bastelt Herfurth Einfach mal was Schönes: treffende Kommentare zu Mutterschaft und den gesellschaftlichen Anforderungen an Frauen im Deutschland der Gegenwart.

Die zweite deutsche Komödie, die in dieser Woche startet, erzählt von einem Paar, das das Gröbste bereits hinter sich hat. Alice (Esther Gemsch) und ihr Mann Peter (Stefan Kurt) sind frisch pensioniert und fahren auf Kreuzfahrt. Alices Idee, die Beziehung nach vierzig Jahren Ehe wieder zu beleben, scheitert; Alice tritt bei einem Landgang die Flucht an, dann geht es drunter und drüber. Die goldenen Jahre, geschrieben von Petra Volpe und inszeniert von Barbara Kulcsar, handelt von einer Ehekrise und tut trotzdem niemandem weh.

Der Kinderfilm der Woche läutet recht früh die Festtagskinosaison ein: Ein Weihnachtsfest für Teddy ist ein geradezu berauschend nostalgischer Weihnachtsfilm über einen Bären, der auf Weltreise gehen will. Und eine wehmütige Erinnerung an die Zeit, in der Kinder sich keine Playstation 5, sondern einen Plüschbären zu Weihnachten gewünscht haben. Wertkonservatives norwegisches Kinderkino mit dem Herz am rechten Fleck.

Der Beitrag Einfach mal was Schönes erschien zuerst auf filmfilter.

Man kann den Filmen von Alejandro González Iñárritu so einiges vorwerfen – formale Überladenheit, ein bisschen arg viel Bedeutsamkeit, Selbstverliebtheit; aber langweilig sind sie eigentlich nie. Das gilt auch für Bardo, die erfundene Chronik einer Handvoll Wahrheiten, der jetzt in einigen Kinos anläuft und im Dezember dann auf Netflix. Überladen ist das alles wieder und allemal: Ursprünglich drei Stunden lang, hat Iñárritu (Birdman, The Revenant) seinen Film nach der Premiere auf zweieinhalb gekürzt. Erzählt wird von der inneren und äußeren Reise des Journalisten und Filmemachers Silverio (Daniel Giménez Cacho), der aus Los Angeles – der Stadt, in der auch Iñárritu lebt – nach Mexiko – dem Heimatland Iñárritus – zurückkehrt und in eine erkenntnisträchtige Lebenskrise gerät. Alles, Gegenwart und Vergangenheit vor allem, gerät durcheinander, und der Trailer ist schon mal rätselhaft wie nur was.

Noch eine Netflix-Produktion, aber eine ungebrochen unterhaltsame. Glass Onion: A Knives Out Mystery schließt an den ersten Knives Out an (hier unser kurzer Text dazu), der dem altehrwürdigen Genre des Whodunit neues Leben einhauchte. Daniel Craig rangelt sich als Privatdetektiv Benoit Blanc wieder, bewaffnet nur mit der eigenen Auffassungsaufgabe und der Macht der Logik, mit einer ganzen Reihe von charakterlich alles andere als astreinen Verdächtigen. Dieses Mal in Griechenland: Dort residiert der Milliardär Miles Bron (Edward Norton), der die Unternehmerin Andi Brand (Janelle Monáe), die Politikerin Claire Debella (Kathryn Hahn), den Wissenschaftler Lionel Toussaint (Leslie Odom Jr.), die Modedesignerin Birdie Jay (Kate Hudson) und deren Assistentin Peg (Jessica Henwick) sowie den YouTube-Star Duke Cody (Dave Bautista) sowie dessen Freundin Whiskey (Madelyn Cline) auf seine Privatinsel eingeladen hat. Jemand stirbt, und los geht es mit der heiteren Rätselraterei, während der sich natürlich Abgründe auftun – was auch sonst.

Abgründe unter der glatten Oberfläche hat es auch in The Menu zuhauf. Ralph Fiennes spielt in der schwarzen Horrorkomödie einen exzentrischen Starkoch, der auf einer abgelegenen Insel eine Gruppe ausgesuchter Gäste bewirtet und sich nach und nach als faschistoider Extremist entpuppt. Als ästhetischer Extremist, genau genommen, der Kochen als Kunst versteht, der sich die Menschen unterzuordnen haben. Das endet dann natürlich in Heulen und Zähneklappern, und das alles könnte sowohl als Horrorfilm wie auch im Subtext platt geraten sein, wären da nicht der wunderbare Cast (u.a. Ralph Fiennes, Anya Taylor-Joy und Nicholas Hoult) und die erstaunlich stilsichere Regie von Mark Mylod, der bislang vor allem mit Serienproduktionen aufgefallen ist (Shameless, Succession). Unsere Kritik hier.

The Magic Flute – Das Vermächtnis der Zauberflöte hingegen löst ein, was das Luxusdinner seinen gelangweilten Gästen nur verspricht: zwei Stunden Eskapismus. Der Gesangsstudent Tim Walker (Jack Wolfe) öffnet in einem österreichischen Internat ein Portal, das direkt in die Welt von Mozarts Zauberflöte führt. Dort wird er zu Prinz Tamino und in die Geschichte um die Befreiung der Prinzessin Pamina (Asha Banks) aus den Klauen Sarastros (Morris Robinson) hineingezogen – immer im steten Wechsel mit der Wirklichkeit. Der Film ist neben vielem anderen auch ein Beleg dafür, dass man im Kino nach wie vor gerne jeden schönen Quatsch glaubt, wenn er nur überzeugend und pompös genug inszeniert ist.

Manche Songs lösen sich von ihren Autor:innen, entwickeln ein Eigenleben und bleiben doch eng mit ihnen verbunden. Leonard Cohens „Hallelujah“ ist so ein Song. Eines dieser ewig gültigen Lieder, die den Eindruck vermitteln, dass etwas Wesentliches (und beim Hören nach dem vierten Bier vielleicht sogar das Wesentliche) gesagt worden ist. Der Dokumentarfilm Hallelujah: Leonard Cohen, A Journey, A Song entfaltet ausgehend von Cohens populärsten Lied ein Portrait des Künstlers – alles im etablierten Musik-Doku-Format und formal nicht aufregend, aber sehr schön anzusehen. Und vor allem anzuhören.

Karoline Herfurth hat sich in den letzten Jahren als eine Art Chronistin der Gegenwart von Mittelschichtsfrauen in Deutschland etabliert. Ihr letzter Film Wunderschön lief erst vor wenigen Monaten in den Kinos und erzählte recht überzeugend von den Schrecken und Belastungen des Schönheitswahns. Einfach mal was Schönes kreist um unkonventionelle Lebensentwürfe und Familienplanungen. Wenn man, wie Karla (Karoline Herfurth), auf die 40 zumarschiert und sich partout nicht der passende Mann für die Familiengründung finden lassen will, muss man sich anders behelfen. Die Mutter und die Geschwister von Karla sind von der Idee einer Mutterschaft ohne Vater allerdings nicht begeistert, und aus dieser Konstellation bastelt Herfurth Einfach mal was Schönes: treffende Kommentare zu Mutterschaft und den gesellschaftlichen Anforderungen an Frauen im Deutschland der Gegenwart.

Die zweite deutsche Komödie, die in dieser Woche startet, erzählt von einem Paar, das das Gröbste bereits hinter sich hat. Alice (Esther Gemsch) und ihr Mann Peter (Stefan Kurt) sind frisch pensioniert und fahren auf Kreuzfahrt. Alices Idee, die Beziehung nach vierzig Jahren Ehe wieder zu beleben, scheitert; Alice tritt bei einem Landgang die Flucht an, dann geht es drunter und drüber. Die goldenen Jahre, geschrieben von Petra Volpe und inszeniert von Barbara Kulcsar, handelt von einer Ehekrise und tut trotzdem niemandem weh.

Der Kinderfilm der Woche läutet recht früh die Festtagskinosaison ein: Ein Weihnachtsfest für Teddy ist ein geradezu berauschend nostalgischer Weihnachtsfilm über einen Bären, der auf Weltreise gehen will. Und eine wehmütige Erinnerung an die Zeit, in der Kinder sich keine Playstation 5, sondern einen Plüschbären zu Weihnachten gewünscht haben. Wertkonservatives norwegisches Kinderkino mit dem Herz am rechten Fleck.

Last, not least: The Middle Man – hier die Besprechung des perlentaucher.

Der Beitrag Einfach mal was Schönes erschien zuerst auf filmfilter.

Das Setup ist fast schon eine Standardsituation im Genrefilm: Mehr oder weniger hochkarätige bzw. eitle Gäste werden per Einladung eines mehr oder weniger mysteriösen Gastgebers zusammengewürfelt (zuletzt etwa auch in der Episode „The Viewing“ in Guillermo del Toros Cabinet of Curiosities) – doch dann eskaliert die Situation aus mehr oder weniger geplanten Gründen.

In diesem Fall finden sich die Gäste in einen schicken Gourmet-Tempel auf einem idyllischen Eiland zusammen (Küche und Gastraum in einem), wo der von Ralph Fiennes köstlich inkarnierte Chef Slowik vor jedem Gang per lautem Händeklatschen um deren Aufmerksamkeit, nein, nicht bittet, sondern diese regelrecht einfordert. Unterstützt wird er dabei von seiner hantig-höflichen Oberkellnerin Elsa (Hong Chau) und bald nach dem Amuse-Gueule und ein paar Sticheleien zwischen dem Hausherrn und ein paar wenig manierlichen Gästen geht es gleich einmal recht beuschelig zu. Wenn nämlich ein minderbegabter Koch aus Slowiks Team sich vor versammelter Kundschaft entleibt, „weil er niemals auch nur annähernd die Klasse seines Chefkochs erreichen wird“.

Ab diesem Moment bricht selbstredend Panik aus, gefolgt von irrationalen Ausrede- und Ausbruchsversuchen, und rasch wird allen klar: Das war nur der Vorgeschmack. Chef Slowik will hier nicht nur eine Speisenabfolge zelebrieren, sondern ein tödliches Gesamtkunstwerk. Kleiner Hinweis: Der Gottkomplex des verkannten Kochkünstlers spielt im Drehbuch mehr als nur eine Nebenrolle. Nicht einmal die Gourmetkritikerin, die ihn einst „hochschrieb“ (Janet McTeer), weiß die Genialität des Meisters wahrlich zu würdigen.

Aus dem Genre-Menü schält sich also ein zunächst verrätselter Thriller heraus – inklusive hochoffiziellem Versteckspiel auf der Insel zwischendurch –, dessen flamboyanter Überbau (philosophische Bemerkungen zu Herkunft und Erlesenheit der Zutaten, Dekorieren der einzelnen Gänge als persönliche Kommentare für die Gäste) im Lauf der rituellen Inszenierung des Chefs zerbröselt. Was The Menu allerdings ziemlich gut schafft, ist, Kapitalismus- und Konsumkritik und Haute-Cuisine-Getue fesselnd und unterhaltsam als böse Horrorkomödie in ein Fegefeuer der Eitelkeiten aufzugießen.

Geschmacklich insgesamt gut abgerundet wird das „More you can eat“-Buffet in der Regie von Mark Mylod, der u.a. für 13 Episoden der vor allem unter US-Demokraten hochbeliebten Serie Succession zuständig war, durch exquisite Schauspielleistungen: Neben Fiennes vor allem von Anya Taylor-Joy (The Queen’s Gambit) und Nicholas Hoult, die als nebulöses Pärchen für Verstörung sorgen. Man darf sich von The Menu erwarten, dass er sein dick aufgetragenes Besteck raffiniert zum Einsatz bringt; nicht aber, dass er seinen künstlerischen „Happening“-Charakter in mehr als eine knalleffektartige Showdown-Performance überführt. Zirka ab dem vierten Gang dominiert selbstzweckhaftes Genre-Gimmick über die vom Film selbst viel beschworene substanzielle Essenz seiner Menüfolge (bzw. seiner Kapitel, was ja hier so ziemlich in eins fällt).

Am Ende wird der ganzen Manieriertheit dann auch noch eine psychologisch gewagte Schlusspointe abgerungen. Mit diesem Kunstwerk ist es ein wenig wie mit dem Genuss von Gänsestopfleber: ein vollmundiger Snack, der aber einen leicht schalen Nachgeschmack hinterlässt.

Der Beitrag Tortilla total erschien zuerst auf filmfilter.

Der True Crime-Trend kämpft gegen jedwede Erschöpfungserscheinung und ignoriert alle Anzeichen von Anstand. Während die Popularität dieses Subgenres angesichts unseres manchmal moralisch zweifelhaften Fetischs für wahre Verbrechen in den vergangenen Jahren explodiert ist – und wir reißerischen Schrott wie Dahmer auf Netflix getrost ignorieren können –, stellt sich Candy (Disney+) als Geschichte von zwei ungleichen und sehr unglücklichen Hausfrauen vor. Ihre Wut schwelt subkutan, gespielt werden sie hervorragend und mit Dauerwellen von Jessica Biel und Melanie Lynskey (die Ehemänner der beiden haben übrigens auch nette kleine Rollen).

Der Titel der Miniserie ist entweder keine oder eine ironische Anspielung auf Süßes, nämlich der Name der fröhlichen, texanischen Hausfrau Candace „Candy“ Montgomery (Biel), die eines Nachmittags in den 1980ern ihre Freundin Betty Gore (Lynskey) zerstückelte. Ihrer eigenen Meinung nach war es Notwehr – obwohl sie mit einer Axt einundvierzig Mal auf die Frau eingehackt hat. Candy Montgomery wurde von einer Jury für unschuldig befunden. Wenn es nicht wirklich passiert wäre, man könnte es für eine Folge der Vorstadthöllensaga Desperate Housewives halten, aber unter der Ägide von Steven Soderbergh. Inszeniert wurden zwei Folgen von Michael Uppendahl (Mad Men, Fargo), der im Stile Soderberghs niederdrückendes Braun und Senfgelb mit Noir-Elementen vermischt.

Nick Antosca, der den Fünfteiler gemeinsam mit Robin Veith geschaffen hat, kreierte auch die hervorragenden True Crime-Serien The Act (Prime Video) und A Friend of the Family (ab 25. November bei Sky Q). In beiden geht es um zutiefst bizarre Verbrechen im amerikanischen Vorstadtmilieu, eine Welt, die spätestens mit Twin Peaks Anfang der Neunziger aufgeflogen ist.

Reißerisches Spektakel mit salonfähiger Raffinesse konnte kaum einer so gut wie Brian de Palma verweben. Im Versuch, seine Karriere wiederzubeleben und einen kleinen Kassenschlager zu landen, beschloss De Palma, Alfred Hitchcock zu huldigen, als der „Master of Suspense“ langsam aus der Mode kam. Die erste Inspiration für seinen späteren Slasher Sisters (1973; jetzt auf MUBI) kam 1966 aus einem Artikel im Life-Magazin über Mascha und Dascha Kriwoschljapowa, siamesische Zwillingsschwestern aus Moskau. Besonders beeindruckt war De Palma offenbar von einem Foto, auf dem eine von ihnen sonnig und fröhlich aussah, während die andere finster dreinschaute.

Margot Kidder, die später als Lois Lane im 1978er Superman berühmt wurde, ist großartig als Doppelpersönlichkeit, eine süße, schikanierte Schönheit, die von William Finlay in einer seiner gruseligsten Figuren manipuliert wird. Dass Sisters De Palmas erster vollwertiger Versuch im Suspense-Genre war und die Weichen für größere und bekanntere Filme wie Carrie (1976), Dressed to Kill (1980) und Body Double (1984) stellte, erkennt man dank der schieren filmischen Brillanz, die er hier demonstriert, kaum. Er teilt auch zum ersten Mal die Bilder, was gut zum Zwillingsmotiv passt. Eine Splitscreen-Szene mitten im Film gehört zu den besten, die De Palma je gemacht hat. Es ist ein Film, der für die meisten als spannender Schmäh und für andere als durchtriebene Komödie fungiert.

Auch die Deutschen haben seit geraumer Zeit ihr Talent für Genre bewiesen. Der neue Achtteiler Souls (Sky Atlantic) hat eine gedämpfte, spröde Kunstfertigkeit, die Fans der deutschen Serie Dark bekannt vorkommen dürfte. Am Ende verlor sich das in einem Knoten aus verschiedenen Zeiten und Welten, aber für viele ist das jetzt der Goldstandard. Erdacht von Jantje Friese und Baran bo Odar, war Dark nicht nur die erste deutsche Serienproduktion für Netflix, sondern läutete quasi eine neue Ära für die deutsche Unterhaltungsindustrie ein. Wenn das die Zukunft sein soll, dann sieht sie allerdings sehr finster aus. Das Farbspektrum reichte von melancholischem Waldgrün bis hin zu deprimierendem Nebelgrau. Die Sonne scheint übrigens auch in Frieses und Odars neuer Mystery-Serie 1899 (ab 17. November auf Netflix) nie.

Ähnlich verhält es sich mit Souls. Die neue Eigenproduktion von Sky hat einen sehr hohen handwerklich-ästhetischen Anspruch und zeigt Menschen, die in meeresblaugetönten, stimmungsvollen Bildern schweben, begleitet von einem bedrohlichen Soundteppich, der heuer in Cannes ausgezeichnet wurde. Das Ganze ist zumindest in den ersten beiden Folgen sehr bedeutungsschwanger inszeniert. „Kaum zu glauben, dass das eine deutsche Produktion ist”, schreibt etwa die SZ.

Aber man kann es ruhig glauben. Die Pathologin Allie ist wie einst Bill Murray in einer Endlosschleife gefangen. Sie wird von der großartigen Julia Koschitz gespielt und die Österreicherin ist so herzbewegend in ihrer Rolle, dass man sich fragen muss, warum wir sie nicht viel öfter zu sehen bekommen. Ihre herrlich überdrehte Figur, die ihr Schicksal schwarzhumorig aus dem Off erzählt, muss den Tag immer und immer wieder erleben, an dem ihr Mann Leo (Laurence Rupp), Pilot von Beruf, seine Passagiermaschine mit 125 Menschen an Bord bei einer Entführung zum Absturz bringt.

Parallel dazu erzählen die Drehbuchautor:innen um Schöpfer Alex Eslam und Hanna Maria Heidrich auch eine zweite (und dritte) Handlung. Derweil Allie jeden Morgen in Schweden aufs Neue erwacht und versucht, kreative Lösungen zu finden, damit ihr Mann nicht abstürzt, behauptet anderswo in Deutschland, in einer anderen Zeit, der vierzehnjährige Jacob (Aaron Kissiov), eben jener wiedergeborene Pilot zu sein. Unterdessen schließt sich im Berlin der Zukunft die 25-jährige Linn (Lili Epply) einer mysteriösen Sekte an, die an Wiedergeburt, also Seelenwanderung, glaubt.

Wie all diese wirklich anspruchsvoll erzählten Stränge zusammengeführt werden, lässt sich nach zwei von acht Folgen noch nicht sagen. Nur weil man einen Teil der Zukunft kennt, hat man noch lange nicht das große Ganze verstanden. Was für Souls spricht: Es ist ein Rätsel, das man lösen will.

Der Beitrag Eye-Candy erschien zuerst auf filmfilter.

Es beginnt mit einer kleinen Sensation, zumindest für alle Freund:innen des weirden body horror: David Cronenberg hat acht Jahre nach dem etwas enttäuschenden Maps to the Stars wieder einen Film gedreht, der auch noch genau so heißt wie eines seiner frühen Werke und damit auf das splatterige Frühwerk verweist. Crimes of the Future hat bis auf den Titel aber nichts mit dem gleichnamigen Film von 1970 zu tun, sondern knüpft gedanklich eher an Videodrome an: David Cronenberg ist nach langer Zeit wieder einmal auf der Suche nach dem „neuen Fleisch“. Hier unsere Kritik zum Film.

Cronenbergs Organwachstumsfilm ist definitiv interessanter als Black Panther 2: Wakanda Forever. Der erste Teil hat als erster Blockbuster mit einem schwarzen Superhelden eine immense soziale und filmhistorische Bedeutung, war als Film aber ähnlich fad wie der Großteil dessen, was in den vergangenen Jahren im Marvel-Universum produziert wurde. Das Sequel besetzt die Titelrolle, die im ersten Black Panther vom 2020 verstorbenen Chadwick Boseman gespielt wurde, nicht neu, sondern lässt den König sterben und tot bleiben. Sein Reich wird nach seinem Ableben angegriffen, viel Gelegenheit für CGI-Action und Gedöns und nach fast drei Stunden ist wieder Ruhe.

In Mrs. Harris und ein Kleid von Dior / Mrs. Harris Goes to Paris sind die Kulissen prachtvoll und die Menschen wohlwollend (auch wenn sie es nicht von Anfang wissen). Die Romanvorlage von Paul Gallico wurde 1982 schon einmal verfilmt, von Peter Waldeck und mit Inge Meysel in der Titelrolle. Anthony Fabians Verfilmung ist weniger betulich, aber doch der Inbegriff des Middle-Brow-Arthaus-Comedy-Dramas. Mrs. Harris (Lesley Manville) arbeitet als Putzfrau in den Häusern der Reichen. Ihr Traum ist ein Kleid von Dior, sie fliegt mit ihren kargen Ersparnissen nach Paris und wirkt dort Wunder – bringt den jungen Menschen bei, auf die Liebe zu vertrauen und erinnert die Angehörigen der Modebranche an das Gute und Wahre. Ein Feel-Good-Rührstück. Aber mit Isabelle Huppert in einer Nebenrolle.

Die Huppert wiederum hat in Michael Hanekes Verfilmung von Elfriede Jelineks Die Klavierspielerin die Hauptrolle gespielt. Der Dokumentarfilm Elfriede Jelinek – die Sprache von der Leine lassen rekonstruiert die Künstlerbiografie der bekanntesten österreichischen Schriftstellerin, mittels Archivmaterial vor allem, aber auch mit für den Film selbst aufgenommenen Kommentaren Jelineks. Ein dankbares Sujet: Eine interessantere und in einem guten, nicht stumpfen Sinne kontroversere Schriftsteller:in wird man in der Geschichte der deutschsprachigen Literatur nicht finden. Und die Montage der Regisseurin Claudia Müller wird ihrem Gegenstand gerecht: „Meine Absicht war, die Zeitebenen unklar zu halten, sodass man nicht weiß, ist man in der Gegenwart oder der Vergangenheit“, hat sie dem Standard erzählt. „Es ging mir darum, die Aktualität ihrer Texte herauszuarbeiten.“ Unsere Besprechung stammt von Alexandra Seitz.

Schließlich – weil vorige Woche die Kinovorschau krankheitsbedingt enfallen musste – wollen wir Ruth Beckermanns neuen Streich Mutzenbacher nicht unter den Tisch fallen lassen. Stichwort „neues Fleisch“, aber naturgemäß anders als bei Cronenberg: In ihrem ersten Film nach dem verdienten Walzer Waldheims lässt die Regisseurin ausgesuchte Männer aus Schnipseln des in Österreich weltberühmten, 115 Jahre alten, anonym geschriebenen Porno-Romanklassikers vorlesen und frei assoziieren – und hat hörbar Spaß daran. Beckermann verriet im Zuge der Promotion-Kampagne, dass sie selbst noch sehr jung war, als sie erstmals mit Dirnen in Berührung kam. (rs)

Verwiesen sei noch auf die Retrospektive zu Hong Sangsoo, dessen frühe Werke derzeit im Österreichischen Filmmuseum laufen (die jüngeren werden dann im Dezember/Jänner gezeigt; Sie wissen schon, das sind dann diese, in denen oft soviel gegessen und vor allem gesoffen, aber auch viel geredet wird). Näheres dazu hier. (rs)

Der Beitrag Crimes of the Past erschien zuerst auf filmfilter.