Der Regisseur Ari Folman hat mit Waltz with Bashir 2008 einen der beeindruckendsten Animationsfilme der Kinogeschichte fabriziert. Sein neuer Film Wo ist Anne Frank koppelt das Schicksal von Anne Frank mit der Gegenwart. Kitty, die imaginäre Freundin aus Franks Tagebuch, materialisiert sich und macht sich im Amsterdam der Jetztzeit auf die Suche nach Anne. In klaren, vorgeblich kindlichen Bildern entfaltet Folman eine Geschichte über Moral und Engagement für die Verfolgten. Rezensiert haben wir den Film auch schon.

Wann wird es endlich wieder so, wie es nie war basiert auf einem Bestseller-Roman, und tatsächlich versammelt der flott weggeschriebene Text auch einige Bestseller-Ingredienzen, sodass alles andere auch verwunderlich gewesen wäre: eine latent skurrile Familie, ein spannendes Setting (Kinder- und Jugendpsychiatrie) und eine Adoleszenzgeschichte. Der Film fängt den Geist des Buches recht gut ein. Es geht um Betrug, Verlust und Sehnsucht. Eine Aneinanderreihung von Familienanekdoten, die sich zum Porträt einer in mancherlei Hinsicht ungewöhnlichen, in anderer dann aber wieder sehr exemplarischen Familie verdichten.

Die Bilder des durch die Bank weg hektischen Missing spielen sich auf Internetplattformen ab. Die Schnitte sind schnell, der Plot nicht zentral – Junes (Storm Reid) sucht ihre verschwundene Mutter und fährt dabei alles an Internet- und Social-Media-Instrumenten auf. Die Faszination kommt hier aus der Web-Ästhetik und den inszenatorischen Spielereien, die hier noch einmal weitergehen als zum Beispiel im Falle der Webcam-Horrorfilme der letzten Jahre.

Ums Netz dreht es sich auch in What’s Love Got to Do with It?, allerdings verschwindet in Shekhar Kapurs Film niemand. Gesucht wird aber auch etwas, nämlich die große Liebe, über Dating-Apps. Das ist, auch wegen der charmanten Besetzung (Lily James, Emma Thompson) recht vergnüglich für RomCom-Fans. Aber eben auch von einer alles durchdringenden Harmlosigkeit.

Die 27-jährige Studentin Marine Barnérias bekommt eine Multiple-Sklerose-Diagnose. Und entscheidet sich dafür, eine dreigeteilte Reise zu machen. Nach Neuseeland (um den Körper wiederzuentdecken), Burma (für den Geist) und die Mongolei (für die Seele). Ihre Reisen filmt sie mit der Kamera. Die Moral des Ganzen ist im Titel schon enthalten: Rosy – Aufgeben gilt nicht!

Schließlich: Griechenland. Ein Sehnsuchtsort. Reif für die Insel usw. Einen Hotelerben auf Abwegen spielt Thomas Stipsits, mittlerweile ja nicht mehr nur Schauspieler, Kabarettist und Publikumsliebling, sondern auch Bestseller-Krimiautor. In unserem Podcast (und auch auf allen nennenswerten Plattformen) erzählt er ab 23.03. mehr davon.

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Der Regisseur Ari Folman hat mit Waltz with Bashir 2008 einen der beeindruckendsten Animationsfilme der Kinogeschichte fabriziert. Sein neuer Film Wo ist Anne Frank koppelt das Schicksal von Anne Frank mit der Gegenwart. Kitty, die imaginäre Freundin aus Franks Tagebuch, materialisiert sich und macht sich im Amsterdam der Jetztzeit auf die Suche nach Anne. In klaren, vorgeblich kindlichen Bildern entfaltet Folman eine Geschichte über Moral und Engagement für die Verfolgten. Rezensiert haben wir den Film auch schon.

Wann wird es endlich wieder so, wie es nie war basiert auf einem Bestseller-Roman, und tatsächlich versammelt der flott weggeschriebene Text auch einige Bestseller-Ingredienzen, sodass alles andere auch verwunderlich gewesen wäre: eine latent skurrile Familie, ein spannendes Setting (Kinder- und Jugendpsychiatrie) und eine Adoleszenzgeschichte. Der Film fängt den Geist des Buches recht gut ein. Es geht um Betrug, Verlust und Sehnsucht. Eine Aneinanderreihung von Familienanekdoten, die sich zum Porträt einer in mancherlei Hinsicht ungewöhnlichen, in anderer dann aber wieder sehr exemplarischen Familie verdichten.

Die Bilder des durch die Bank weg hektischen Missing spielen sich auf Internetplattformen ab. Die Schnitte sind schnell, der Plot nicht zentral – Junes (Storm Reid) sucht ihre verschwundene Mutter und fährt dabei alles an Internet- und Social-Media-Instrumenten auf. Die Faszination kommt hier aus der Web-Ästhetik und den inszenatorischen Spielereien, die hier noch einmal weitergehen als zum Beispiel im Falle der Webcam-Horrorfilme der letzten Jahre.

Ums Netz dreht es sich auch in What’s Love Got to Do with It?, allerdings verschwindet in Shekhar Kapurs Film niemand. Gesucht wird aber auch etwas, nämlich die große Liebe, über Dating-Apps. Das ist, auch wegen der charmanten Besetzung (Lily James, Emma Thompson) recht vergnüglich für RomCom-Fans. Aber eben auch von einer alles durchdringenden Harmlosigkeit.

Die 27-jährige Studentin Marine Barnérias bekommt eine Multiple-Sklerose-Diagnose. Und entscheidet sich dafür, eine dreigeteilte Reise zu machen. Nach Neuseeland (um den Körper wiederzuentdecken), Burma (für den Geist) und die Mongolei (für die Seele). Ihre Reisen filmt sie mit der Kamera. Die Moral des Ganzen ist im Titel schon enthalten: Rosy – Aufgeben gilt nicht!

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Die Kinowoche beginnt mit einem Meta-Film, der hierzulande seit voriger Woche läuft: ein Kinofilm über das Kino, das in Final Cut of the Dead allerdings nur noch in einer Schwundform auftaucht. Ein französischer semi-begabter und nicht sonderlich erfolgreicher Regisseur soll das Remake eines japanischen Zombiefilms drehen. Wie auch schon das asiatische Original in einem Take und als Livestream. Der Film von Michel Hazanavicius (The Artist, Godard Mon Amour) ist das Remake des japanischen Films One cut of the Dead. Unsere Besprechung, in der dann noch ein paar Meta-Ebenen mehr identifiziert werden, behalten wir noch im Talon.

Es ist, als wäre seit Ewigkeiten kein Film aus dem Marvel-Universe erschienen, mindestens fünf Wochen lang nicht. Wirklich vermisst haben wir es nicht, aber gut, probieren tut man es dann doch immer wieder, trotz aller Abneigung gegen besonders ideenlose Blockbuster-Franchises. Ant-Man and the Wasp: Quantumania hat immerhin den tollen Paul Rudd als Ameisenmann mit dabei. Aber es geht auch, wie strukturell im Genre eigentlich immer, ums große Ganze. Bert Rebhandl hat es in der Frankfurter Allgemeinen Zeitung am Beispiel des neuen Ant Man-Films auf den Begriff gebracht: „Superheldenfilme sind die Konkretion dieser chaotischen Grundverfasstheit des Wirklichen, sie falten aus ins Phantastische, was die meisten Menschen tagtäglich mit der Kaffeemaschine, dem schwierigen Nachbarn oder anderen Tücken des Objekts und der Intersubjektivität erleben.“ Und die Ant Man-Reihe gehört – eben vor allem wegen Rudd, der das ganze humorig angeht, aber auch wegen der Monster- und Ideenvielfalt – zu den unterhaltsameren Vertretern des Genres. Also zu denen, die einen nicht nach 15 Minuten im Kino ermüden.

Nicht unbedingt gebraucht hätte es Perfect Addiction, den neuen Film der After-Love-usw.-Reihe von Castille Landon. Der Plot geht so: Jax (Matthew Noszka) betrügt Sienna (Kiana Madeira), er ist MMA-Champion, sie Trainerin. Sienna trainiert Jax‘ Erzfeind Kayden (Jay DeMerit), der Jax besiegen soll, damit Sienna ihre Rache bekommt. Es entspinnt sich ein Dreieck der Leidenschaft, mit viel Klopperei und High-Gloss-Wandkalender-Erotik.

film.at schreibt über Gagarine / Einmal schwerelos und zurück: Yuri hat sein gesamtes Leben in der Cité Gagarine verbracht, einem Hochhauskomplex aus den 1960er-Jahren am Rande von Paris. Wie der Namensgeber der Sozialsiedlung träumt auch Yuri davon, eines Tages ins All abzuheben und der Tristesse zu entfliehen. Doch als Pläne bekannt werden, das Viertel abzureißen, schließt er sich dem Widerstand an. Gemeinsam mit seinem Freund Houssam und seiner Nachbarin Diana macht er sich daran, Gagarine zu retten – und verwandelt seine Wohnung in eine Raumstation.

Bleibt noch der Kinderfilm der Woche. In dem spanischen Animationsfilm Mumien – Ein total verwickeltes Abenteuer verschlägt es drei lebende Mumien ins heutige London. Culture Clash, Slapstick, zusammengehalten von so etwas wie einem Plot. Und angenehme Harmlosigkeit.

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Die Kinowoche beginnt mit einem Meta-Film: ein Kinofilm über das Kino, das in Final Cut of the Dead allerdings nur noch in einer Schwundform auftaucht. Ein französischer semi-begabter und nicht sonderlich erfolgreicher Regisseur soll das Remake eines japanischen Zombiefilms drehen. Wie auch schon das asiatische Original in einem Take und als Livestream. Der Film von Michel Hazanavicius (The Artist, Godard Mon Amour) ist das Remake des japanischen Films One cut of the Dead. Unsere Besprechung, in der dann noch ein paar Meta-Ebenen mehr identifiziert werden, behalten wir noch im Talon.

Es ist, als wäre seit Ewigkeiten kein Film aus dem Marvel-Universe erschienen, mindestens fünf Wochen lang nicht. Wirklich vermisst haben wir es nicht, aber gut, probieren tut man es dann doch immer wieder, trotz aller Abneigung gegen besonders ideenlose Blockbuster-Franchises. Ant-Man and the Wasp: Quantumania hat immerhin den tollen Paul Rudd als Ameisenmann mit dabei. Aber es geht auch, wie strukturell im Genre eigentlich immer, ums große Ganze. Bert Rebhandl hat es in der Frankfurter Allgemeinen Zeitung am Beispiel des neuen Ant Man-Films auf den Begriff gebracht: „Superheldenfilme sind die Konkretion dieser chaotischen Grundverfasstheit des Wirklichen, sie falten aus ins Phantastische, was die meisten Menschen tagtäglich mit der Kaffeemaschine, dem schwierigen Nachbarn oder anderen Tücken des Objekts und der Intersubjektivität erleben.“ Und die Ant Man-Reihe gehört – eben vor allem wegen Rudd, der das ganze humorig angeht, aber auch wegen der Monster- und Ideenvielfalt – zu den unterhaltsameren Vertretern des Genres. Also zu denen, die einen nicht nach 15 Minuten im Kino ermüden.

Nicht unbedingt gebraucht hätte es Perfect Addiction, den neuen Film der After-Love-usw.-Reihe von Castille Landon. Der Plot geht so: Jax (Matthew Noszka) betrügt Sienna (Kiana Madeira), er ist MMA-Champion, sie Trainerin. Sienna trainiert Jax‘ Erzfeind Kayden (Jay DeMerit), der Jax besiegen soll, damit Sienna ihre Rache bekommt. Es entspinnt sich ein Dreieck der Leidenschaft, mit viel Klopperei und High-Gloss-Wandkalender-Erotik.

Wie so eine Leidenschaft, zumindest in französischen überdurchschnittlich wohlsituierten Kleinbürgerkreisen nach ein, zwei, drei Jahrzehnten Ehe aussehen kann, lässt sich in der französischen Komödie Akropolis Bonjour – Monsieur Thierry macht Urlaub bestaunen. Der über die Lebensmitte hinaus gestolperte Thierry (Jacques Gamblin) lebt, Midlife Crisis und so weiter, eh bereits in der Vergangenheit und in Erinnerung an seine vorgeblich besten Tage, als seine Frau Claire (Pascale Arbillot) ihm mitteilt, dass sie ihn verlassen will. Der Rückeroberungsversuch ist auch ein Versuch, das Problem zur Lösung werden zu lassen. Thierry will mit Frau und Kindern noch einmal den in seiner Erinnerung schönsten Familienurlaub wiederholen. Was zu einer vergnüglichen Reihung von Peinlichkeiten, aber auch rührenden Momenten führt. Ein Film, der niemandem Böses will und angenehme Harmlosigkeit verbreitet.

Bleibt noch der Kinderfilm der Woche. In dem spanischen Animationsfilm Mumien – Ein total verwickeltes Abenteuer verschlägt es drei lebende Mumien ins heutige London. Culture Clash, Slapstick, zusammengehalten von so etwas wie einem Plot. Auch wieder: angenehme Harmlosigkeit.

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Klassische Horrorgenre-Ausgangssituation: Eine Hütte im Wald, eine Kleinfamilie in den Ferien, dann kommen die Psychopathen, brechen die Tür auf und beginnen, Eltern und Kind zu traktieren. Knock at the Cabin, der neue Film von M. Night Shyamalan, nimmt die Genreprämisse und überführt sie in das religiös aufgeladene Filmuniversum des Regisseurs, der nach einer langen Reihe Flops seit Split wieder einen guten Lauf hat. Vier religiös Erweckte meinen, durch ein Opfer die Apokalypse abwenden zu können. Die Kleinfamilie – zwei Väter, eine Adoptivtochter – wehrt sich nach Kräften und kommt dann selbst ins Zweifeln. Der Shyamalan-typische Twist kann hier nur die Antwort auf die Frage sein, ob die Erzählung sich auf die Seite des Mythos oder die der kritischen Vernunft schlägt. Wie weit Shyamalan dabei von der Romanvorlage, Paul Tremblays „The Cabin at the End of the World“, abweicht, ist allerdings erstaunlich.

Sarah Polley arbeitet seit 2010 nicht mehr als Schauspielerin und ist schon 2007 hinter die Kamera gewechselt. Ihr 2011 erschienener Film Take this Waltz ist der vielleicht schönste Liebesfilm der Zehnerjahre, und der direkt im Anschluss gedrehte Stories We Tell gehört zu den schönsten Essayfilmen in der Geschichte des Kinos. Die Aussprache ist Polleys erster Film für die große Leinwand seit neun Jahren. Sein englischer Titel passt besser, weil er aufs Allgemeine zielt: Women Talking. Die Frauen, die hier miteinander sprechen, sind Mitglieder einer mennonitischen Gemeinde. Sie sprechen über die Gewalt, die ihnen von ihren und anderen Männern angetan wurde. Und darüber, was nun zu tun ist. Polley dekliniert am extremen Beispiel einer weitgehend isolierten religiösen Gemeinschaft elementare Fragen durch, die mit patriarchaler Gewalt verbunden sind. Unter anderem die Frage, ob man bleiben oder gehen soll (hier unsere Besprechung).

Vollkommen harmlos dagegen ist der Männerschicksalsfilm Der Geschmack der kleinen Dinge, in dem ein Sterne-Koch (Gérard Depardieu) nach einem Herzinfarkt Einkehr und Neubeginn in Japan sucht. Und außerdem die fünfte Geschmacksrichtung neben süß, sauer, salzig und bitter, die man in Japan umami nennt. Schon erstaunlich, dass die meisten Filme, die ihre Geschichte um das Sujet Essen herum bauen, fast automatisch betulich geraten; Das große Fressen einmal ausgenommen.

Steven Soderberghs Magic Mike war vor zehn Jahren ein Überraschungshit. Die Geschichte um einen Stripper (Channing Tatum), der versucht, seine bescheidenen Träume zu verwirklichen, fand 2012 eine Fortsetzung, bei der Soderbergh die Kamera und den Schnitt übernahm, aber nicht mehr die Regie. Beim dritten Teil, Magic Mike – The Last Dance, ist Soderbergh wieder Regisseur. Die Magic Mike-Filme sind interessant, weil sich in ihnen das klassische Hollywood-Hochglanz-Format mit einer Indie-Sensibilität verbindet, mit der Soderbergh hier im US-Kino eher selten diskutierte Fragen verhandelt: „I’ve always been interested in what people do to make a living. How do they make money? How do they pay rent? And that’s always been central to these movies.“

Zu Final Cut of the Dead, dem Meta-Ausflug von Michel Hazanavicius ins Zombie-Genre, folgt dieser Tage eine Einzelbesprechung, also kommen wir zum Kinderfilm der Woche: Maurice der Kater ist einer der seltenen Filme, die sich auf Terry Pratchetts „Scheibenwelt“ beziehen. Die Romanvorlage ist dann auch eine der familienfreundlicheren Geschichten Pratchetts: Der Kater Maurice zieht mit einer Gruppe Ratten und einem Jungen an der Flöte über die Dörfer und nimmt als angeblicher Rattenfänger die Bewohner aus. Mitgeschrieben hat Terry Rossio, der u.a. an Shrek mitgewirkt hat. Und auch Maurice der Kater ist eine vergnügliche, slapsticklastige Märchenparodie geworden.

Außerdem: Kommende Woche startet der Vorverkauf zu einer der größten Rettungsaktionen in der Geschichte des anspruchsvollen Kinos (jedenfalls in der Alpenrepublik): Unter nonstopkino.at kann man sich schon einmal für den Newsletter anmelden und wird dort künftig Flatrate-Tickets für 18 Programmkinos in Österreich buchen können (more to come) – nämlich für einen fixen Monatsbetrag unbegrenzt alle teilnehmenden Kinos besuchen können. In den Niederlanden funktioniert das Kinoabo-Prinzip unter dem Namen „Cineville“ bereits seit Jahren prächtig. Wer mehr dazu wissen möchte, sollte in unseren Podcast hineinhören: Dort spricht Wiktoria Pelzer über die neue Programmkino-Initiative. Mit deren Hilfe sollte das drohende Kino-Sterben, seit der Pandemie wieder Thema geworden, abgesagt werden können. (rs)

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Klassische Horrorgenre-Ausgangssituation: Eine Hütte im Wald, eine Kleinfamilie in den Ferien, dann kommen die Psychopathen, brechen die Tür auf und beginnen, Eltern und Kind zu traktieren. Knock at the Cabin, der neue Film von M. Night Shyamalan, nimmt die Genreprämisse und überführt sie in das religiös aufgeladene Filmuniversum des Regisseurs, der nach einer langen Reihe Flops seit Split wieder einen guten Lauf hat. Vier religiös Erweckte meinen, durch ein Opfer die Apokalypse abwenden zu können. Die Kleinfamilie – zwei Väter, eine Adoptivtochter – wehrt sich nach Kräften und kommt dann selbst ins Zweifeln. Der Shyamalan-typische Twist kann hier nur die Antwort auf die Frage sein, ob die Erzählung sich auf die Seite des Mythos oder die der kritischen Vernunft schlägt. Wie weit Shyamalan dabei von der Romanvorlage, Paul Tremblays „The Cabin at the End of the World“, abweicht, ist allerdings erstaunlich.

Sarah Polley arbeitet seit 2010 nicht mehr als Schauspielerin und ist schon 2007 hinter die Kamera gewechselt. Ihr 2011 erschienener Film Take this Waltz ist der vielleicht schönste Liebesfilm der Zehnerjahre, und der direkt im Anschluss gedrehte Stories We Tell gehört zu den schönsten Essayfilmen in der Geschichte des Kinos. Die Aussprache ist Polleys erster Film für die große Leinwand seit neun Jahren. Sein englischer Titel passt besser, weil er aufs Allgemeine zielt: Women Talking. Die Frauen, die hier miteinander sprechen, sind Mitglieder einer mennonitischen Gemeinde. Sie sprechen über die Gewalt, die ihnen von ihren und anderen Männern angetan wurde. Und darüber, was nun zu tun ist. Polley dekliniert am extremen Beispiel einer weitgehend isolierten religiösen Gemeinschaft elementare Fragen durch, die mit patriarchaler Gewalt verbunden sind. Unter anderem die Frage, ob man bleiben oder gehen soll (hier unsere Besprechung).

Vollkommen harmlos dagegen ist der Männerschicksalsfilm Der Geschmack der kleinen Dinge, in dem ein Sterne-Koch (Gérard Depardieu) nach einem Herzinfarkt Einkehr und Neubeginn in Japan sucht. Und außerdem die fünfte Geschmacksrichtung neben süß, sauer, salzig und bitter, die man in Japan umami nennt. Schon erstaunlich, dass die meisten Filme, die ihre Geschichte um das Sujet Essen herum bauen, fast automatisch betulich geraten; Das große Fressen einmal ausgenommen.

Steven Soderberghs Magic Mike war vor zehn Jahren ein Überraschungshit. Die Geschichte um einen Stripper (Channing Tatum), der versucht, seine bescheidenen Träume zu verwirklichen, fand 2012 eine Fortsetzung, bei der Soderbergh die Kamera und den Schnitt übernahm, aber nicht mehr die Regie. Beim dritten Teil, Magic Mike – The Last Dance, ist Soderbergh wieder Regisseur. Die Magic Mike-Filme sind interessant, weil sich in ihnen das klassische Hollywood-Hochglanz-Format mit einer Indie-Sensibilität verbindet, mit der Soderbergh hier im US-Kino eher selten diskutierte Fragen verhandelt: „I’ve always been interested in what people do to make a living. How do they make money? How do they pay rent? And that’s always been central to these movies.“

Mark Cousins‘ „The Story of Film“ ist eines der besten Bücher über Filmgeschichte, auch weil es eine so umfassende Geschichte wie möglich erzählt – mit notwendigen Auslassungen, aber auch mit einem Blick auf Ecken und Stränge, die ansonsten nur wenig Beachtung finden. Sein Buch „The Story of Looking“ richtet den Blick auf die andere Seite der Leinwand, auf die Geschichte der Art und Weise, in der wir in die Welt schauen. Der Film zum Buch kommt jetzt in die Kinos, und dass Cousins nicht nur ein brillanter Autor, sondern auch ein brillanter Filmemacher ist, hat sein Mehrteiler The Story of Film bereits gezeigt (hier ein damaliger Aufsatz dazu). The Story of Looking ist autobiografisch strukturiert. Cousins muss sich einer Augenoperation unterziehen. Am Tag vor der OP denkt er über das Sehen nach. Die Bilder, die er in seinem Filmessay montiert, beziehen sich auf Kunstgeschichte, Biologie, Neurowissenschaft, Psychologie, Poesie und Philosophie.

Der Kinderfilm der Woche: Maurice der Kater ist einer der seltenen Filme, die sich auf Terry Pratchetts „Scheibenwelt“ beziehen. Die Romanvorlage ist dann auch eine der familienfreundlicheren Geschichten Pratchetts: Der Kater Maurice zieht mit einer Gruppe Ratten und einem Jungen an der Flöte über die Dörfer und nimmt als angeblicher Rattenfänger die Bewohner aus. Mitgeschrieben hat Terry Rossio, der u.a. an Shrek mitgewirkt hat. Und auch Maurice der Kater ist eine vergnügliche, slapsticklastige Märchenparodie geworden.

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Die schönsten Bilder unter den Kinostarts dieser Woche hat Park Chan-wook fabriziert. Menschen in diesigen Nieselregenszenarien, erhabene Berglandschaften, Noir-City-Atmosphäre, Blut, das sich im Wasser eines Swimming Pools verteilt. Der Plot und die Figuren ergeben eine schöne, leise Variation des Noir-Genres. Hier unsere Kritik zu Die Frau im Nebel (und hier ein ergänzender Streaming-Tipp).

Um wenigstens hundert Grad weniger stylish oder gar abgründig ist der neue Film von Regie-Routinier Marc Foster, in dem Schauspiel-Routinier Tom Hanks einen starrköpfigen Mann spielt, der nach dem Tod seiner Frau innerlich und äußerlich verhärtet ist. Und, man ist nicht überrascht, durch die Freundschaft zu einer denkbar gegensätzlichen Frau (Mariana Trevino) wieder zurück ins Leben und zum Glück findet. Ein Mann namens Otto ist die zweite Verfilmung von Fredrik Backmans Roman „Ein Mann namens Ove“. Die erste, von 2015, war eine schwedische Produktion und so solide wie unspektakulär. Das gilt dann auch für die Hollywood-Version, wobei Foster und Hanks im Verbund die Drama-, Lakonie- und Versöhnungsknöpfe noch einmal passgenauer drücken (Tom Hanks‘ Karriere-Entwicklung verfolgen wir ja eher besorgt).

Aus meiner Haut, die erste größere Produktion des Studenten-Oscar-Gewinners Alex Schaad, wurde bei den Filmfestspielen in Venedig mit dem Queer Lion ausgezeichnet. Die Plotprämisse ist ambitioniert, aber wenn man die an mindestens einem Punkt nicht ganz nachvollziehbare Logik geschluckt hat, kann man sich auf die Konstruktion einlassen. Eine Kommune praktiziert den Körpertausch. Zwei Paare schlüpfen jeweils in die Körper ihres männlichen bzw. weiblichen Gegenübers. Und dann beginnen die Verwicklungen, die in Aus meiner Haut nichts Komisches haben, sondern als Seelendrama inklusive Retraumatisierung erzählt werden. Die einen wollen ihren neuen Körper nicht mehr verlassen, die anderen halten den Identitätswechsel nicht aus. Auf die eine oder andere Weise geraten alle zunehmend außer sich.

Die nüchterne, spannende, mit teils atemraubend detaillierten Gewaltszenen schockierende Suche nach dem sogenannten „Spinnenmörder“, basierend auf einer wahren Geschichte aus der heiligen Stadt Maschhad Anfang der Jahrtausendwende, kann angesichts derzeitiger misogyner Verbrechen des fundamentalistischen Regimes im Iran mindestens als brennend aktuell bezeichnet werden. Unsere ausführliche Besprechung von Holy Spider finden Sie hier.

Der vielleicht schönste Filmtitel der Woche: Human Flowers of Flesh. IndieWire nennt den zweiten Langfilm von Helena Wittmann eine „meditative Perle“ bzw. ein „halluzinatorisches Märchen“. Kamerafrau und Experimentalfilmemacherin Wittmann lässt ihre Hauptdarstellerin Angeliki Papoulia (die übrigens Stargast des heurigen Crossing Europe Festivals in Linz sein wird) schweigend mit ihren Männern übers Mittelmeer segeln, bis ein Erlebnis am Hafen von Marseille die Crew in Bewegung bringt.

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Die schönsten Bilder unter den Kinostarts dieser Woche hat Park Chan-wook fabriziert. Menschen in diesigen Nieselregenszenarien, erhabene Berglandschaften, Noir-City-Atmosphäre, Blut, das sich im Wasser eines Swimming Pools verteilt. Der Plot und die Figuren ergeben eine schöne, leise Variation des Noir-Genres. Unsere Kritik zu Die Frau im Nebel finden Sie hier.

Um wenigstens hundert Grad weniger stylish oder gar abgründig ist der neue Film von Regie-Routinier Marc Foster, in dem Schauspiel-Routinier Tom Hanks einen starrköpfigen Mann spielt, der nach dem Tod seiner Frau innerlich und äußerlich verhärtet ist. Und, man ist nicht überrascht, durch die Freundschaft zu einer denkbar gegensätzlichen Frau (Mariana Trevino) wieder zurück ins Leben und zum Glück findet. Ein Mann namens Otto ist die zweite Verfilmung von Fredrik Backmans Roman „Ein Mann namens Ove“. Die erste, von 2015, war eine schwedische Produktion und so solide wie unspektakulär. Das gilt dann auch für die Hollywood-Version, wobei Foster und Hanks im Verbund die Drama-, Lakonie- und Versöhnungsknöpfe noch einmal passgenauer drücken (Tom Hanks‘ Karriere-Entwicklung verfolgen wir ja eher besorgt).

Aus meiner Haut, die erste größere Produktion des Studenten-Oscar-Gewinners Alex Schaad, wurde bei den Filmfestspielen in Venedig mit dem Queer Lion ausgezeichnet. Die Plotprämisse ist ambitioniert, aber wenn man die an mindestens einem Punkt nicht ganz nachvollziehbare Logik geschluckt hat, kann man sich auf die Konstruktion einlassen. Eine Kommune praktiziert den Körpertausch. Zwei Paare schlüpfen jeweils in die Körper ihres männlichen bzw. weiblichen Gegenübers. Und dann beginnen die Verwicklungen, die in Aus meiner Haut nichts Komisches haben, sondern als Seelendrama inklusive Retraumatisierung erzählt werden. Die einen wollen ihren neuen Körper nicht mehr verlassen, die anderen halten den Identitätswechsel nicht aus. Auf die eine oder andere Weise geraten alle zunehmend außer sich.

Eine ebenfalls ungesunde, weil sehr symbiotisch anmutende Beziehungskonstellation bringt André Szardenings’ Debütfilm Bulldog zur Anschauung. Der 21-jährige Bruno (Julius Nitschkoff) lebt eng, sehr eng mit seiner nur 15 Jahre älteren Mutter Toni (Lana Cooper) zusammen, die beiden machen sogar den gleichen Job. Als Toni sich in Hannah (Karin Hanczewski) verliebt und die neue Liebe in das Mutter-Sohn-Apartment einzieht, gibt es Konflikte, auf die Bulldog aber nicht reißerisch, sondern behutsam blickt – denn letztlich zeigt der Film eine bei aller drohenden oder tatsächlichen Toxizität eben auch ungebrochen liebevolle Mutter-Sohn-Beziehung.

Pacifiction, der neue Film des Regisseurs Albert Serra, ist ausgiebig bepreist worden. Bei den Prix Lumières 2023 wurde er für die beste Regie, den besten Darsteller (Benoît Magimel) und die beste Kamera ausgezeichnet. In Cannes lief er im Wettbewerb um die Goldene Palme. Ein fast dreistündiger Thriller im Trance-Modus, überhitzt, aber ruhig gefilmt, dem es vor allem auf die Atmosphäre ankommt.

Zwei Dokumentarfilme zum Schluss: In Pepe Danquarts Daniel Richter sprechen eben Daniel Richter und Weggefährten über das Schaffen Richters, einem der erfolgreichsten Maler und dem wohl einzigen, der aus der Hausbesetzerszene kommt und dessen Verbindungen in die Hamburger Subkultur auch nach dem internationalen Durchbruch erhalten geblieben sind. Ein Künstler, dem man stundenlang zuhören kann, weil er fortlaufend intelligente, treffende Sätze formuliert, und das auch noch sehr unterhaltsam.

Fritz Bauers Erbe – Gerechtigkeit verjährt nicht dokumentiert einen der letzten NS-Prozesse in Deutschland, den Prozess um den bei Prozessbeginn 93-jährigen Bruno D., der als Wachmann in Stutthof gedient hat. Außerdem geht es um die ehemaligen Wachmänner John Demjanjuk, Oskar Gröning und Johann R.

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Close ist ein Film über eine Freundschaft, die an den gesellschaftlichen Vorstellungen davon scheitert, was für Jungen „normal“ und was als mindestens mal „seltsam“ gilt. Leo (Eden Dambrine) und Remi (Gustav De Waele) sind engste Freunde, seit Jahren, und verbringen fast ihre gesamte Zeit zusammen. Mit 13 Jahren geht es auf die weiterführende Schule und damit in Richtung Pubertät. Und da wird die Umgebung natürlich misstrauisch. Zwei Jungen, die einander sehr verbunden sind – die können ja nur schwul sein. Leo beugt sich dem sozialen Druck und geht auf Distanz. In der ersten Hälfte erzählt der belgische Regisseur Lukas Dhont in Close sehr genau und anrührend von dieser Freundschaft. Dann aber greift der Film, wie schon Dhonts vorheriger, ebenfalls in Cannes bepreister Film Girl, auf einen unnötig grausamen und etwas stumpfen Plot-Twist zurück. Der macht der bis dahin herrschenden Subtilität des Geschehens ein Ende und geht voll in den Dramamodus. Schade, aber sehenswert ist Close trotzdem (und Belgiens Oscar-Beitrag).

Auch The Son erzählt eine Jungengeschichte: Nicholas (Zen McGrath), 17, wird auffällig, schwänzt die Schule und hat keine Freunde. Bei dem Knaben geht offensichtlich was schief, und seine Mutter (Laura Dern) bringt ihn zu seinem Vater Peter (Hugh Jackman), der sich kümmern möchte, obwohl er gerade eine zweite Familie gegründet hat. Was zuerst als Teenager-Verstimmung („Hast du schon mal Teenager gesehen, die vor Glück platzen?“) und Liebeskummer wahrgenommen wird, entpuppt sich bald als ausgeprägte Depression, und damit ist The Son nach The Father der nächste Film von Regisseur Florian Zeller, der von, wenn man so will, Erkrankungen des Geistes handelt. In The Father ging es um eine rapide fortschreitende Demenz und damit um den Verlust der Welt, wie der Erkrankte sie kennt, in The Son geht es um Weltschmerz als ernsthafte Erkrankung. Im einen wie im anderen Fall ist der Blick auf die Figuren empathisch, aber niemals rührselig.

Das Versprechen des True-Crime-Genres einzulösen und zugleich anhand von schlimmsten Gewaltverbrechen etwas Substanzielles über die Welt zu vermitteln, in der diese stattfinden, das versucht Dominik Moll erklärtermaßen in seinem neuen Film. In der Nacht des 12. / La nuit du 12 erzählt von der jahrelangen Suche zweier Polizisten nach einem Frauenmörder. Der Mord als Anlass, um die Geschlechtermatrix in Szene zu setzen und zu hinterfragen: „Die Polizei ist eine Männerwelt, und die Männer sind mit der Gewalt konfrontiert, die von anderen Männern begangen wird, manchmal und oft gegenüber Frauen“, hat Moll im Interview erklärt. „Aber wie stellt das ihre Männlichkeit in Frage? Das war einer der roten Fäden, den wir im Film entwickeln wollten.“

Auf vereinzelte Vorführungen zweier von uns besprochener, mit Oscar-Nominierungen versehener Filme sei an dieser Stelle noch einmal eindrücklich hingewiesen: Die sagenhafte Eselsgeschichte EO von Jerzy Skolimowski ist für den Fremdsprachen-Oscar im Rennen (unsere Kritik hier), und Paul Mescal ist für seine Rolle in dem bestechenden Vater-Tochter-Film Aftersun von Charlotte Wells (unsere Kritik hier) als bester Schauspieler nominiert.

Nicht vergessen wollen wir auf einen von der Kritik umjubelten Film, der sich mit der Identitätsfindung einer in Frankreich aufgewachsenen Koreanerin befasst: Return to Seoul / Retour à Séoul von Davy Chou findet z.B. IndieWire ein hinreißendes Jugenddrama.

Mit Family Dinner haben wir uns ebenfalls bereits beschäftigt (nämlich hier), und den gruselgeneigten Debütregisseur dieses bemerkenswerten Familienterrorfilms, Peter Hengl, haben wir schon anlässlich dessen Viennale-Vorstellungen in unseren Podcast eingeladen. Es ist ein interessantes Gespräch geworden, welches z.B. in unserem Player hörbar ist (aber auch auf allen nennenswerten Plattformen).

Bleiben noch eine deutsche Komödie und ein Kinderfilm. Caveman ist ein sagenhaft erfolgreiches Broadway-Stück, das auch in Österreich und Deutschland auf verschiedenen Bühnen seit Ewigkeiten läuft. In der deutschen Adaption werden fröhlich und unbedarft gängige Klischees von männlich/weiblich durchgekaut, von den üblichen Verdächtigen (Moritz Bleibtreu, Laura Tonke, Wotan Wilke Möhring).

Die drei ??? – Erbe des Drachens ist für alle jungen Fans der Serie eine sichere Bank (die Älteren, die Hörspiele mit einer Mischung aus Nostalgie und Ironie feiern, werden von der Kinoversion hingegen nicht viel haben). Erbe des Drachens versetzt die drei Detektive in die Dreharbeiten zu einem Vampirfilm, was viel Gelegenheit für (kinderfreundliche) Gruselszenen bietet.

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Close ist ein Film über eine Freundschaft, die an den gesellschaftlichen Vorstellungen davon scheitert, was für Jungen „normal“ und was als mindestens mal „seltsam“ gilt. Leo (Eden Dambrine) und Remi (Gustav De Waele) sind engste Freunde, seit Jahren, und verbringen fast ihre gesamte Zeit zusammen. Mit 13 Jahren geht es auf die weiterführende Schule und damit in Richtung Pubertät. Und da wird die Umgebung natürlich misstrauisch. Zwei Jungen, die einander sehr verbunden sind – die können ja nur schwul sein. Leo beugt sich dem sozialen Druck und geht auf Distanz. In der ersten Hälfte erzählt der belgische Regisseur Lukas Dhont in Close sehr genau und anrührend von dieser Freundschaft. Dann aber greift der Film, wie schon Dhonts vorheriger, ebenfalls in Cannes bepreister Film Girl, auf einen unnötig grausamen und etwas stumpfen Plot-Twist zurück. Der macht der bis dahin herrschenden Subtilität des Geschehens ein Ende und geht voll in den Dramamodus. Schade, aber sehenswert ist Close trotzdem.

Auch The Son erzählt eine Jungengeschichte: Nicholas (Zen McGrath), 17, wird auffällig, schwänzt die Schule und hat keine Freunde. Bei dem Knaben geht offensichtlich was schief, und seine Mutter (Laura Dern) bringt ihn zu seinem Vater Peter (Hugh Jackman), der sich kümmern möchte, obwohl er gerade eine zweite Familie gegründet hat. Was zuerst als Teenager-Verstimmung („Hast du schon mal Teenager gesehen, die vor Glück platzen?“) und Liebeskummer wahrgenommen wird, entpuppt sich bald als ausgeprägte Depression, und damit ist The Son nach The Father der nächste Film von Regisseur Florian Zeller, der von, wenn man so will, Erkrankungen des Geistes handelt. In The Father ging es um eine rapide fortschreitende Demenz und damit um den Verlust der Welt, wie der Erkrankte sie kennt, in The Son geht es um Weltschmerz als ernsthafte Erkrankung. Im einen wie im anderen Fall ist der Blick auf die Figuren empathisch, aber niemals rührselig.

Und noch ein Jungenschicksal: 1955 wird der 14-jährige Emmett Till, der seine Tante in Mississippi besucht, beschuldigt, eine Weiße angeflirtet zu haben. Deren Mann und ein Verwandter erschlagen den Jungen und richten ihn auf barbarische Weise zu. Emmetts Mutter entschließt sich, die Leiche ihres Sohnes in einem offenen Sarg aufbahren zu lassen. Das Bild des zerstörten Gesichtes des Kindes geht um die Welt und sorgt in den USA für Aufruhr. Die Ermordung Emmett Tills und sein Begräbnis sind einer der zentralen Momente der amerikanischen Bürgerrechtsbewegung (und haben einen gewissen Muhammad Ali geprägt), es ist also eigentlich verwunderlich, dass es so lange gedauert hat, bis die Geschichte zum klassischen Biopic geformt wurde. Till – Kampf um die Wahrheit von Regisseurin Chinonye Chukwu ist eine grundsolide Angelegenheit, affektintensiv inszeniert, aber nie überraschend, politisch engagiert und trotzdem vor allem auf seine Figuren konzentriert.

Von Selbstermächtigung handelt auch Catch The Fair One – Von der Beute zum Raubtier, allerdings im Kleinen und nicht kollektiv. Die ehemals sehr erfolgreiche Boxerin Kaylee (gespielt von Boxweltmeisterin Kali Reis) muss sich in einen Menschenhändlerring einschleusen, um ihre jüngere Schwester zu befreien. Catch The Fair One geht auf der Plot-Ebene ein wenig drunter und drüber, ist aber schön roh und energetisch gefilmt und hat das Herz am rechten Fleck. Hier der Trailer.

Bleiben noch die allwöchentliche deutsche Komödie und der allwöchentliche Kinderfilm. Caveman ist ein sagenhaft erfolgreiches Broadway-Stück, das auch in Deutschland auf verschiedenen Bühnen seit Ewigkeiten läuft. In der deutschen Adaption werden fröhlich und unbedarft gängige Klischees von männlich/weiblich durchgekaut, von den üblichen Verdächtigen (Moritz Bleibtreu, Laura Tonke, Wotan Wilke Möhring).

Die drei ??? – Erbe des Drachens ist für alle jungen Fans der Serie eine sichere Bank (die Älteren, die Hörspiele mit einer Mischung aus Nostalgie und Ironie feiern, werden von der Kinoversion hingegen nicht viel haben). Erbe des Drachens versetzt die drei Detektive in die Dreharbeiten zu einem Vampirfilm, was viel Gelegenheit für (kinderfreundliche) Gruselszenen bietet.

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