1. The Power of the Dog

Manche sehen The Power of the Dog vielleicht als abgedroschenes Drama über einen Kerl, der die neue Frau seines Bruders nicht mag und deshalb rotzig wird. Aber die haben nicht aufgepasst. Der Western von Jane Campion hat Schichten und wieder Schichten auf Schichten, und je genauer man hinsieht und je mehr man darüber nachdenkt, desto besser wird er. Jeder Teil des Schauspielquartetts spiegelt einen anderen Aspekt des verdorbenen Versprechens des amerikanischen Westens wider. Campions Drama hat bereits den Golden Globe in der Satteltasche, gilt als Favorit und hat in der Oscar-Nacht die Chance, zwölf Goldbuben zu gewinnen. Es wäre der erste Gewinn in dieser Sparte für Netflix; doch schon jetzt ist die neuseeländische Filmemacherin – im Jahr 1994 für The Piano nominiert – die erste Frau in der Geschichte, die zum zweiten Mal für einen Regie-Oscar in Rede steht.

(Auf Netflix)

2. Belfast

Während Hollywood nunmehr bereit zu sein scheint, Netflix als einen würdigen Gewinner in der Königskategorie in seine Reihen aufzunehmen, gibt es einen anderen Film, dessen Wohlfühlfaktor man nicht unterschätzen sollte. Der in Belfast geborene Schauspieler und Regisseur Kenneth Branagh nähert sich in seinem schwarz-weißen Drama Belfast seiner eigenen Kindheit aus einer rosaroten Linse mit einigen der beruhigendsten Melodien der Belfaster Legende Van Morrison. Als monochrome Memoiren hat der sechsfach nominierte Film viele Vergleiche mit Alfonso Cuaróns Roma nach sich gezogen, doch zwischen den Seelen dieser Filme liegen Welten. Für einige Leute ist die Rührseligkeit, die sich durch Belfast zieht, vielleicht zu viel, aber es feiert den lebensbejahenden menschlichen Geist, den die Academy so liebt.

(Im Kino)

3. CODA

Apropos Wohlfühlen. Dieser Indie-Film der amerikanischen Regisseurin Siân Heder ist unverschämt klebrig. Es ist der Stoff, aus dem Oscar-Träume gemacht sind. Der Titel des Films CODA ist ein Akronym für „Children of Deaf Adults“, also Kinder gehörloser Erwachsener. Hier bezieht er sich auf eine Jugendliche, gespielt von Emilia Jones, die als einzige in ihrer Familie hören kann und ausgerechnet Sängerin werden will. Ihr Vater wird von Troy Kotsur gespielt, der in der Sparte Bester Nebendarsteller nominiert ist (und hoffentlich gewinnt). CODA hat die beiden wichtigsten Oscar-Gebote verpasst, die ein Film normalerweise benötigt, um den Produktions-Hauptpreis zu gewinnen: Nominierungen für Beste Regie und/oder Bester Schnitt. Aber das Herz erwärmende Drama, insgesamt für drei Oscars nominiert, schrieb Geschichte bei den Screen Actors Guild Awards als erste Besetzung von hauptsächlich gehörlosen Schauspielern, die den Preis mit nach Hause nahmen. Es könnte gewinnen.

(Flat auf Apple TV+)

4. West Side Story

Viele hatten ihre Zweifel, als sie hörten, dass Steven Spielberg bei einer neuen Version von West Side Story Regie führen würde. Das Original aus dem Jahr 1961, unter der Regie von Robert Wise und Jerome Robbins, adaptiert aus dem Broadway-Musical von 1957, gilt als perfekt. Die New Yorker Romeo-und-Julia-Geschichte war nicht nur ein Kassenerfolg, sondern gewann auch zehn Oscars. Das Remake kann das mit „nur“ sieben Nominierungen nicht toppen. Außerdem gewinnen Musicals selten den Hauptpreis – zuletzt Chicago im Jahr 2003. Aber egal, ob er gewinnt oder nicht: Spielberg hat mit seinem Musical-Debüt eines der lebendigsten Werke des jüngeren Hollywood-Kinos geschaffen.

(Auf Disney+)

5. King Richard

Reinaldo Marcus Greens Sportsaga King Richard ist ein Film mit einer unbeschreiblichen Geschichte: „Es ist, als würde man jemanden bitten zu glauben, dass die nächsten zwei Mozarts unter deinem Dach leben“, sagt ein ungläubiger Trainer im Film. Richard, der eifrige Vater von Venus und Serena Williams, hatte die Tenniskarriere seiner Töchter beschlossen, noch bevor sie überhaupt geboren waren. An Stellen fühlt sich der Film wie die unbedingte Will-Smith-Oscar-Fabrik an. Der Schauspieler war zwei Mal nah dran mit Ali und The Pursuit of Happiness. Obwohl es einige Kontroversen darüber gab, einen Mann in den Mittelpunkt der Erfolgsgeschichte zweier Frauen zu rücken, hat Smith gute Chancen, nun den Oscar als Bester Darsteller mit nach Hause zu nehmen. Der Hauptpreis für den fünffach nominierten Film scheint dagegen außer Reichweite.

(Im Kino)

6. Dune

Vielleicht nicht der beste Film, den man auf dieser Liste findet, geschweige denn der beste Film von Denis Villeneuve, aber mit Abstand der einzige, der als Blockbuster-Kinohit gezählt werden kann. Es wäre vermessen zu sagen, dass der kanadische Regisseur versucht, mit seinen Science-Fiction-Filmen Preise zu gewinnen, aber seine kunstvollen Spektakel haben eine bessere Chance als die meisten anderen. Dune erhielt nach The Power of the Dog die meisten Nominierungen, nämlich zehn. Erstaunlicherweise wurde Villeneuve jedoch in der Kategorie „Beste Regie“ übergangen (übrigens genauso wie Maggie Gyllenhaal mit The Lost Daughter). Dune ist schillernd, frustrierend und eine beeindruckende filmische Leistung. Einige Regisseure sind vor Villeneuve an der Verfilmung des Romans von Frank Herbert gescheitert.

(Flat auf Sky, u.a.)

7. Drive My Car

Der japanische Regisseur Ryûsuke Hamaguchi hat eine Kurzgeschichte von Haruki Murakami aus dem Jahr 2014 adaptiert und erweitert, aber nichts daran wirkt aufgesetzt oder in die Länge gezogen. In fünf Minuten von Drive My Car passiert mehr als in manchen Filmen insgesamt. Es ist ein Drama über Liebe und Verlust und die Art und Weise, wie Kunst einige der Enttäuschungen des Lebens heilen kann – und einige auch nicht. Die kritische Wertschätzung für den Film ist – aus filmfilter-Sicht zurecht – euphorisch. Die vier Kategorien, in denen Drive My Car nominiert ist, sind übrigens die gleichen, die Bong Joon-hos Parasite vor zwei Jahren gewonnen hat: Film, Regie, adaptiertes Drehbuch und Internationaler Film. Wenn er gewinnt, wäre er der zweite internationale Film, der nach Parasite den Oscar in der Haupt-Kategorie holt.

(Vereinzelt noch im Kino)

8. Licorice Pizza

Paul Thomas Andersons Oscar-Contender spielt Anfang der 1970er Jahre im Geburtsort des Filmemachers, im kalifornischen San Fernando Valley – es ist ein sonnenverwöhnter Film, der das treibende Gefühl des Verliebens wirklich schön einfängt. Anderson und sein Ko-Kameramann Michael Bauman haben den dreifach nominierten Film auf 35 mm gedreht, was heute in Hollywood selten ist; mit Objektiven, die einst von der Legende Gordon Willis verwendet wurden, der die Godfather-Trilogie und einige von Woody Allens besten Werken gedreht hat. Aus filmfilter-Sicht ist Licorice Pizza ein Traum von einem Film. Eines von mehreren Highlights: Bradley Cooper als perverser Produzent, Promi-Friseur, Barbra Streisand-Freund und Wasserbett-Käufer Jon Peters.

(Im Kino)

9. Don’t Look Up

Der vierfach nominierte Film von Oscar-Gewinner Adam McKay (The Big Short) ist vielleicht der lustigste des vergangenen Jahres. Aber zugleich der deprimierendste. Don’t Look Up ist eine bissige Satire, in deren Fadenkreuz eindeutig Politiker und jene Teile der Gesellschaft da draußen stehen, denen die Klimakrise gleichgültig ist. Das Ergebnis ist eine dissonante Komödie, die die Mischung aus Erschöpfung und Wut, die wir in den vergangenen Jahren mit uns herumgeschleppt haben, sehr gut einfängt. Man sollte für die Credits auf dem Sofa sitzen bleiben. Nicht, dass die Gewinnchancen von Don’t Look Up besonders hoch wären, aber in seiner Entlarvung der Welt, in der wir leben, polarisiert er stärker als die anderen auf dieser Liste.

(Auf Netflix)

10. Nightmare Alley

Der jüngste von Guillermo del Toros Filmen ist vielleicht der erste, in dem das Übernatürliche völlig fehlt. Hier sind Magie und Geister das Produkt menschlicher Tricks (entspringen mithin der menschlichen Natur). Aber es ist schwer, sich eine Noir-Geschichte vorzustellen, die besser zu del Toro passen würde, diesem Märchenerzähler, der Männer mehr fürchtet als Monster. Nightmare Alley verbindet Horror, amerikanische Desillusionierung und die beseelte Dunkelheit, die Bradley Cooper in seinen kristallblauen Augen zu wecken vermag. Der große Preis ist wohl nicht drin (der mexikanische Regisseur durfte 2018 gleich zwei Oscars für The Shape of Water mitnehmen), aber er ist in vier Kategorien nominiert. Nightmare Alley ist der Underdog in diesem Jahr – aber was für einer.

(Im Kino und auf Disney+)

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Große Gewinner sind im Bereich Kinofilm Jane Campions grübelnder, großartiger Western The Power of The Dog und Steven Spielbergs schönes West Side Story-Remake mit je drei Auszeichnungen. Die HBO-Serien Succession und Hacks gewannen die besten Serienpreise. Kein schlechtes Zeugnis. Aber es gab kein Publikum, keine Fernsehübertragung, keine tränenreichen Dankesreden, keinen roten Teppich, keine Promis, keine Party. Die Show wurde nicht einmal live gestreamt. Die Gewinner wurden nüchtern auf Social Media verlautbart.

Die Hollywood Foreign Press Association (HFPA), die seit 1944 die Golden Globes vergibt, war vor zwei Jahren (völlig zu Recht, wenngleich viel zu spät) in Ungnade gefallen. Die Organisation sei zu exklusiv, zu rassistisch, zu bestechlich, zu inkompetent. Gipfel: Rund dreißig Mitglieder wurden von den Produzenten von Emily in Paris nach Paris geflogen, wo sie in einem Hotel für je 1.400 US-Dollar pro Nacht untergebracht waren. Die klischeestrotzende Netflix-Serie wurde für zwei Globes nominiert, während z.B. Michaela Coels hervorragende Serie I May Destroy You völlig ignoriert wurde. Eher kein Zufall, denn kein einziges der damals 87 Mitglieder war schwarz. Die Gruppe hat inzwischen ihre Reihen diversifiziert, 21 neue Mitglieder aufgenommen und neue Compliance-Regeln verabschiedet. A little late.

Da war ein kurzer Auftritt von Arnold Schwarzenegger am Sonntagabend fast schon verzweifelt peinlich. Um das angekratzte Image der Organisation zu retten, pries der Schauspieler die Großzügigkeit und Offenheit der HFPA und betonte, dass die Gruppe einst ihm, einem jungen österreichischen Bodybuilder mit änderungswürdigem Nachnamen, einen Award zugesprochen hatte – für seine Rolle in Stay Hungry (1976) .

Ganz abgesehen von der Kontroverse, die von der L.A. Times angekurbelt wurde, hatten die Golden Globes lange vor der Pandemie ein Reputations- und Einschaltquotenproblem. Ricky Gervais nannte sie „wertlos“, als er sie im Jahr 2016 moderierte: „Es ist ein bisschen Metall, das einige nette, alte, verwirrte Journalisten Ihnen persönlich geben wollen, damit sie ein Selfie mit Ihnen machen können, okay?“

Hoffentlich ist dies das letzte Jahr, in dem wir die Golden Globes ernsthaft diskutieren. Was sind sie, wenn nicht irrelevant? Jedes Jahr, als noch Galas möglich waren, gelang es einer kleinen, dubiosen Gruppe von Auslandsjournalist:innen, ein elitäres, antiquiertes Pseudo-Ereignis zu inszenieren. Alle klopften sich auf die Schultern, die Gewinner verbeugten sich vor der Echokammer/Kollegenschaft, und am nächsten Morgen jammerten alle in den Medien darüber, wie langweilig es war (inklusive dieser Autorin). Während die Welt prekärer wird, fühlt sich der schillernde, selbstbeglückende Geist von Preisverleihungen immer bizarrer an.

Das gilt im Übrigen auch für die Oscars, die am 27. März stattfinden sollen. Keiner weiß, wie die Veranstaltung aussehen wird. Kernfrage: Wer wird zusehen wollen? Ich kann mich gut an lange Nächte mit Augenringen erinnern, in denen ich aufgeblieben bin, um die Oscars live im Fernsehen zu verfolgen. War auch einige Jahre vor Ort, um Bericht zu erstatten. Obwohl ich jetzt näher an der passenden Zeitzone lebe, sehe ich mir stattdessen lieber einen guten Film an.

Die Oscar-Zuschauerzahlen sind seit Jahren im freien Fall. In ihren besten Zeiten zog die Gala 55 Millionen Zuschauer an. Während die Zahlen von 2020, als letztlich Parasite gewann, als neues Allzeittief (23,6 Millionen) in die TV-Geschichte eingingen, brachen sie schon im nächsten Jahr um weitere 60 Prozent ein: Im April 2021 wollten nur mehr 10,4 Millionen Zuschauer live dabei sein, als die Goldmännchen ausgehändigt wurden.

Die Oscars verstehen sich als Wächter der „hohen“ Kunst, in einer Zeit, in der ein Actionspektakel voller Maschinen-Fetische (F9: The Fast Saga) sowie ein Superhelden-Franchise (Spider-Man: No Way Home), zu den wirtschaftlich erfolgreichsten Filmen der Welt zählen. Freilich: Oscars spiegeln nicht in erster Linie die hohe Filmkunst wider (das können Festivals viel besser), es ging bei der Gala immer schon mehr um Voyeurismus, um Pomp, um Politik, um Einschaltquoten. Darüber hinaus wissen wir alle, wie subjektiv Preisverleihungen sind.

Preise sollten eine Wertschätzung für künstlerische Anstrengungen sein. Die Anerkennung ist für viele ein Grund, sich einen „kleineren“ Film anzuschauen. Der Entfall pompöser Preisverleihungen hätte wohl wenig Wirkung auf die Erinnerung und Relevanz kultureller Produkte. Wenn wir sie als veraltete Schiedsrichter für künstlerische Verdienste nicht loswerden können, dann müssen sie sich wieder mit den Menschen verbinden. Wenn sich die Viruswolke eines Tages endlich hebt, werden sich unsere Sehgewohnheiten geändert haben. Vielleicht ist das auch gut so. Vielleicht definieren wir dann auch den Erfolg eines Films anders. Die Errungenschaften einer Frau hinter der Kamera zum Beispiel, wie Jane Campion, bleiben auch ohne Blitzgewitter, High Heels und Glamour dieselben bewunderungswürdigen Errungenschaften.

Stellt euch vor, es ist Preisverleihung in einem schicken Hotel in Beverly Hills und niemand geht hin.

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Der Broadway-Musical-Adaption In the Heights (Sky) ging es vor einem halben Jahr im Kino ähnlich wie unlängst Steven Spielbergs West Side Story-Auffrischung: Bei den Kritiker:innen hoch beliebt, beim Publikum nicht ganz so, jedenfalls nicht genug, um sein Geld wieder einzuspielen. Dabei gehören solche Filme auf die große Leinwand, gerade die schwungvollen ersten zehn Minuten samt Massentanz-Szene auf der Straße im Latino-Grätzel von New York sind nicht nur für einen Meter Bildschirmdiagonale oder weniger choreografiert. Überhaupt ist das ein Energiebündel von einem Film (Regie wie bei Crazy Rich Asians: Jon M. Chu, Text und Musik wie bei Hamilton: Lin-Manuel Miranda): Soviel kommunale Lebensfreude und vitale Flirterei und trotz Armut Ja zum Leben sagen und Stehaufweibchen-Mentalität (und natürlich auch Diversity!) gibt es im gegenwärtigen Kino ja selten ohne Kitschkopfschmerzen zu haben. Wir sparen uns hier die Handlung und betonen das dieser Feelgood-Mechanik inhärente Kunststück, Old School Hollywood bruchlos mit modernster Coca-Cola-Werbeästhetik zu amalgamieren. Mirandas Regiedebüt, das Meta-Musical Tick, Tick … Boom!, gibt es übrigens auf Netflix.

Sollte es nicht eh allen klar sein: Olivia Colman zählt zu den ausdrucksstärksten Schauspielerinnen unserer Zeit; in dem entrückten Anti-Urlaubsfilm The Lost Daughter (Netflix) stellt sie es erneut unter Beweis. Basierend auf dem gleichnamigen Roman von Elena Ferrante, trifft es ausnahmsweise der deutsche Titel Frau im Dunkeln eher: Auf einer griechischen Insel samt zugehörigem Personal (u.a. gespielt von Dakota Johnson und Ed Harris), geht es zwar zwischendurch um eine buchstäblich verlorene Tochter; viel mehr aber geht es um eine verloren gegangene Puppe und was die von Colman faszinierend mehrschichtig angelegte Titelfigur, die alleinstehende Literaturprofessorin Leda aus Cambridge, damit anstellt. Dass Leda ein dunkles Geheimnis mit sich herumschleppt, aber vor allem, wie sie es schleppt (und in welchen Rückblenden die Last allmählich spürbar wird), gibt dem atmosphärisch und spannungstechnisch erstaunlichen Regiedebüt von Maggie Gyllenhaal sein dramatisches Gewicht. Gyllenhaal ist ja selbst auch so eine wunderbare Schauspielerin, zumal in David Simons grandioser historischer Porno-Business-Serie The Deuce (Sky) kann man ihr stundenlang zusehen.

Mir immer noch nicht klar ist, wie der Netflix-Algorithmus funktioniert. Oder vielleicht ist mir nicht klar, wie Österreichs Netflix-Publikum funktioniert: Wie kann The Lost Daughter (und das völlig zurecht) noch in der Vorwoche global auf Platz drei der englischsprachigen Netflix-Filme klassiert sein, in Österreich aber schon ein paar Tage später aus dem Top-Ten-Ranking fallen? Sofa Surfing kann sehr kompliziert sein. Weniger mysteriös ist, dass das neue Netflix-Original Kitz derzeit angeblich auf dem ersten Platz der Beliebtheitsskala in Österreich weilt, denn Kitzbühel ist natürlich eine quotenträchtige Gams. Daher ein kleiner Warnhinweis: Diese Teenie-Serie, angesiedelt in der Teenie-Schickeria („Nachwuchs-Hautevolee“ würde Norbert Hofer ev. dazu sagen) des „Aspen der Alpen“, ist eine Katastrophe. Bereits innert zwei Minuten, spätestens aber nach zwanzig, entpuppt sie sich als extrem unterfordernd für Teenies, Twens und eigentlich alle, die mehr von einer Serie wollen als schummelpapierene Dialoge. Wenn schon Klassenfahrt, hier eine Empfehlung für Harry Potter-Nostalgiker:innen: Return to Hogwarts (Sky) versammelt die Acting Crew von damals am Originaldrehort, den Warner Studios in London – Achtung, Anmutung Maturatreffen!

Apropos. Eine wesentlich interessantere Serie als Kitz, die zur Hälfte ebenfalls im Teenie-Milieu spielt, sich nämlich zur Hälfte um eine Mädchenfußballmannschaft dreht, ist Yellowjackets (Sky). Die andere Hälfte verfolgt Teile dieser Mannschaft, die infolge eines Flugzeugabsturzes auf einer einsamen Insel zerfallen ist, 25 Jahre später, sprich: heute. Also irgendwie auch ein Maturatreffen. Zum wiederholten Mal drohen düstere Geheimnisse von damals, welche dunkel an William Goldings „Lord of the Flies“ („Herr der Fliegen“) gemahnen, gelüftet zu werden. Die jungen Frauen werden ernst genommen, beide Erzählebenen sind geschickt ineinander montiert und die Spannungsbögen ordentlich geschwungen, soviel lässt sich nach vier Episoden Yellowjackets bereits sagen, aber vor allem das Casting der Älteren ist ein Coup: Wer wieder einmal Juliette Lewis und Christina Ricci in so tragenden wie verhaltensoriginellen Rollen sehen will, noch dazu in reibungsvollen gemeinsamen Szenen, und dazu Melanie Lynskey (die im Alter ihres jungen Fußballerinnen-Ichs gerade in Peter Jacksons Heavenly Creatures debütierte), wird nicht enttäuscht sein. So macht Sofa Surfing Spaß, wir bleiben dran.

Bonus-Tipp (Netflix): Aus dem Jahr 2020 stammt ein bislang unterbelichteter, höchst effektvoller britischer Horrorfilm, den wir hiermit zum Starken Stück adeln: His House, das Regiedebüt von Remi Weekes.

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Der neue Film des legendären amerikanischen Regisseurs ist spektakulär an der Kinokasse gefloppt und zählt mittlerweile zu den größten Bauchflecks des Jahres. Unterdessen haben ihn Kritiker als einen der besten heurigen Filme und Oscar-Anwärter gefeiert. Peter Bradshaw vom Guardian nannte ihn eine „raffiniert modifizierte und visuell atemberaubende Wiederbelebung“. Wenn also ein guter Film eines der bekanntesten Hollywood-Regisseure das Publikum nicht dazu bringen kann, ins Kino zu gehen, was dann?

West Side Story spielte nur 10,5 Millionen US-Dollar am Eröffnungswochenende ein. Sobald die Zahlen online aufgetaucht waren, hatten Social-Media-Nutzer und Fans viel zum Debakel an den Kinokassen zu sagen. Einige glauben, die Macher hätten die Situation falsch eingeschätzt und den Zeitgeist verfehlt, indem sie Spielbergs Musical nicht zum Streaming angeboten haben, während andere der Meinung sind, dass der Film katastrophal vermarktet wurde. Einige glauben, dass die Vorwürfe sexueller Belästigung gegen Ansel Elgort, der im Film den Tony spielt, zentral für die niedrigen Einspielergebnisse sind, während wieder andere der Meinung sind, dass das Genre des Filmmusicals generell seinen Zenit überschritten habe. Auch In the Heights und Dear Evan Hansen sind gefloppt.

Es ist eine Tatsache, dass die Branche sich immer noch erholen muss, und jeder einzelne Film wurde von der Pandemie beeinflusst. Doch einige der größten Flops an den Kinokassen des Jahres zeigen, wie die Pandemie das Filmgeschäft möglicherweise langfristig verändert hat. Für viele Menschen gibt es mittlerweile zwei Arten von Filmen: die, für die man ins Kino geht, und die, die man lieber zu Hause ansieht.

Zu erstgenannten zählten auf alle Fälle in diesem Jahr Superheldenfilme wie Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings und Venom 2;  der neue James Bond und der neunte Teil der Fast & Furious-Saga. Und natürlich Spider-Man: No Way Home, der größte Umsatzbringer des Jahres und der erste Film seit Star Wars: The Rise of Skywalker im Dezember 2019, der die Milliarden-Dollar-Marke überschritten hat. Das Muster ist ziemlich klar und ebenfalls nicht mehr ganz neu: Jeder der zehn umsatzstärksten Filme des Jahres ist Teil eines Franchise – mit Ausnahme von zwei chinesischen.

Es gibt Veränderungen im Zuschauerverhalten, die Steven Spielberg einfach nie hätte erahnen können, als er 2019 mit seiner West Side Story begann. Ältere Kinobesucher kehren am langsamsten in die Kinos zurück. Das spiegelt einen Trend wider, der bereits vor der Pandemie aufgetreten ist. IP-gesteuerte Veröffentlichungen, die eine jüngere Zielgruppe ansprechen – hauptsächlich mit Superhelden – erzielen das größte Geschäft. Serien-Hypes wie jener um Squid Game tun ein Übriges.

West Side Story ist ein Musical aus dem Jahr 1957 mit Musik von Leonard Bernstein und angestaubten Texten von Stephen Sondheim, die vielleicht immer noch großartig, aber altmodisch sind. Maria ist immer noch „Mariiiaa!“ und Tony singt „Tonight“ unter ihrer Feuerleiter. Es ist ein Nostalgiefilm, der sich an Boomer richtet, die mit dem Original aufgewachsen sind, und dieses Publikum scheint sich in den Kinos gerade nicht wohl zu fühlen, besonders wenn die Omikron-Variante tobt. Das Branchenblatt Variety schreibt: „Diese Menschenmengen zurück auf die große Leinwand zu bringen, wird der Schlüssel zur Wiederbelebung des Kino-Ökosystems sein“.

Der Regisseur von Filmen wie Jaws und Jurassic Park war früher der Meister der ganz groß angelegten Filme, die Massenanziehungskraft hatten und die über 35-Jährige in Scharen anzogen. Vielleicht wird Spielbergs „Marke“ heute einfach nicht mehr als so relevant wahrgenommen oder vielleicht ist er nicht mehr der Seismograf des Massengeschmacks. Wenn aber eine von der Kritik akklamierte Musical-Adaption wie West Side Story an den Kinokassen floppt, dann hat nicht nur Spielberg einen großen Teil seines älteren, erwachsenen Publikums verloren, sondern möglicherweise auch die Kinos.

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Einer der größten Meister des intelligenten Spektakelfilms fabriziert ein Remake eines der größten Musical-Klassiker: Steven Spielberg hat West Side Story neu verfilmt, der selbst wiederum eine Art Remake ist von Shakespeares „Romeo and Juliet“ (1597), welches wiederum eine Art Remake von Teilen aus William Painters „Palace of Pleasure“ (1567) ist, welches sich wiederum ausgiebig bei „The Tragical History of Romeus and Juliet“ (1562) von Arthur Brooke bedient. Das als Hinweis darauf, dass der Boy-Meets-Girl-und-dann-dürfen-sie-nicht-beieinander-liegen-Plot die Zeiten überdauert und ungebrochen funktioniert. Gerade, wenn ihn ein Steven Spielberg wie in diesem Fall aus dem Jahr 1597 ins Jahr 2021 hinüberrettet. Die amerikanischen Kritiker:innen sind trotz oder wegen Spielbergs konventioneller Interpretation der West Side Story ähnlich begeistert wie ihre Eltern und Großeltern es von der Originalverfilmung 1961 in der Regie von Robert Wise waren, einer Art US-Nationalepos, welches wiederum die legendäre Broadway-Show von Robbins/Bernstein/Sondheim zur Vorlage hatte.

Mit Don’t Look Up hat Adam McKay – Regisseur der Anchorman-Filme, des lustigen Stepbrothers und des im direkten Vergleich geradezu seriös ausgefallenen The Big Short – die erste stimmige, zeitgemäße Allegorie auf das vom Klimawandel beförderte Ende der Welt gedreht. Ausgehend vom denkbar einfachsten Bild: Ein Komet rast auf die Erde zu, in sechs Monaten wird alles vorbei sein. Zwei Wissenschafter (Jennifer Lawrence, Leonardo DiCaprio) versuchen, die Präsidentin zu warnen (in Hochform: Meryl Streep), aber niemand unternimmt was. Es gibt politisch und, nachdem die beiden zunehmend Verzweifelten eine eigene Kampagne starten, auch medial kein Durchkommen, weil alle Adressaten zu gierig, zu geltungssüchtig oder schlicht komplett bescheuert sind. Wer Don’t Look Up wegen des momentan bereits laufenden Untergangs der Welt, wie wir sie kannten, nicht in einem Kino sehen will, muss nur noch ein bisschen warten, am 24. Dezember startet der Film dann auch auf Netflix.

Es ist nicht die geringste Qualität des Genrekinos, dass es ihm gelingt, auch abstruseste Plots für zwei Stunden plausibel werden zu lassen. Man kennt die Gesetze des jeweiligen Genres, das in diesem Sinne tatsächlich eine Art eigene Welt bildet, die sich an die Plausibilitäten und Kausalitäten, die draußen gelten, nicht halten muss. Nur wenig wirkt freudloser als Kinogänger:innen, die einem nach dem Besuch von einem herrlichen Quatschfilm erklären, was in diesem Fall wieder „unrealistisch“ gewesen sei. Gunpowder Milkshake will es in dieser Hinsicht dann auch wirklich wissen: Sam (Karen Gillian) wurde, wie schon ihre Mutter (Lena Headey), zur Auftragskillerin ausgebildet. Ein Auftrag läuft schief, und Sam muss sich um ein achtjähriges Mädchen (Chloe Coleman) kümmern, ihre ursprünglichen Auftraggeber an den Fersen.

Das Regie-Debüt der grandiosen Schauspielerin Maggie Gyllenhaal stammt ursprünglich aus der Feder von Elena Ferrante, heißt The Lost Daughter (bzw. auf Deutsch wie deren Roman Frau im Dunkeln), hat Oscar-Preisträgerin Olivia Colman und Dakota Johnson aufzubieten und zählt zur seltenen Kategorie künstlerisch wertvoller Mutterschaftsdramen (zunächst im Kino, dann auf Netflix).

Im Arthouse, was heißt, im ArtHOCHhaus ist auch Annette, Leos Carax‘ wildes Musical daheim. Wobei Adam Driver, seines Zeichens Antiheld von Annette, der überhaupt ein starkes Jahr hatte, in einem weiteren Haus Hof hält, nämlich in Ridley Scotts Dekadenz-Spektakel House of Gucci, welches naturgemäß vor allem durch seine Oberflächenreize besticht. Schöne Autos, schöne Sachen zum Anziehen, schreckliche Menschen, allen voran Patrizia Reggiani (Lady Gaga), die ihren Ehemann Maurizio Gucci (eben Driver) nach der Scheidung umbringen lässt – basierend auf einer wahren Geschichte, und Reggiani soll nicht zufrieden sein mit der Darstellung Lady Gagas, sondern verärgert. Sehr glücklich mit dem Film hingegen muss der Gucci-Konzern sein, denn seit der Premiere verkauft er sein Zeug besser als davor. Der Spiegel hat kürzlich daran erinnert, dass Salma Hayek mit François-Henri Pinault verheiratet ist; der wiederum ist Vorstandschef bei Kering, dem Mutterkonzern von Gucci. Jared Leto wiederum hat bereits für Gucci geworben. Beide spielen in Ridley Scotts Film tragende Rollen.

Paul Verhoevens Benedetta schreit Skandal, mehr noch: sieht aus wie der Versuch, einen idealtypischen Skandalfilm zu produzieren: lesbische Nonnen, Marienfiguren als Dildos, Blasphemie in allen Formen. Von all dem abgesehen ist Benedetta auch ein Pandemiefilm. Die junge Titel-Nonne (Virginie Efira) versucht die Pest von ihrer Stadt und ihrem Konvent fernzuhalten und verordnet als Seherin die Schließung der Stadttore. Die religiösen Autoritäten handeln wider jede Vernunft, wie es so ihre Art ist, marschieren in die Stadt ein und bringen den Bürgerinnen und Bürgern das Verderben. Und mittendrin dann halt lesbische Nonnen, man kann es sich ausmalen. Provozierend in einem engeren Sinn wirkt all das allerdings nur, wenn man die hier unternommenen Transgressionen auf den moralischen Konsens von, sagen wir, 1974 bezieht. Zieht man das Skandalnudelgetöse ab, zeigen sich auch hier wieder mit der Zeit Subtilitäten und Mehrschichtiges; wie eigentlich immer bei Verhoeven, der seine Filme komplexer baut, als es auf den ersten Blick scheint.

Anfang des vergangenen Jahrhunderts fanden sich auf dem Monte Verità – einer „Naturheilanstalt“ auf einem Hügel von 321 Metern Höhe im schweizerischen Tessin – Lebensreformer, Pazifisten, Künstler und Schriftsteller zusammen. Anhänger unterschiedlicher alternativer Bewegungen erprobten dort innovative Lifestyle-Komponenten wie Nacktluftbaden, Vielweiberei, Drogenkonsum, Veganismus usw. usf. Von diesen frühen Hippies erzählt Monte Verità von Stefan Jäger anhand der (erfundenen) Figur der Hanna Leitner, die aus einer sie buchstäblich erstickenden Ehe in Wien auf den Hügel flieht und ihr fotografisches Talent zur künstlerischen Form entwickelt. Jäger inszeniert diese Geschichte einer Emanzipation etwas gemächlich und ziemlich brav; das Potenzial des Stoffes schöpft er nur halb aus. (Ein Gespräch mit Hauptdarstellerin Maresi Riegner finden Sie demnächst in unserem Podcast.)

Und nun zu jenem Mann, der in jeder anderen Woche als der nach einem dreiwöchigen Lockdown selbstzufrieden wie ein achtbeiniger Platzhirsch auf Publikum warten würde. Spider-Man 3: No Way Home ist der Abschluss des gefühlt fünften Reboots des Spiderman-Franchise; darin wird, so formuliert es der sinistre Dr. Strange (Benedict Cumberbatch), an der „Stabilität der Raumzeit herumgepfuscht“. In der Post-Credit-Sequenz von Venom: Let There Be Carnage wird bereits angedeutet, was dann passiert: Es grollt und donnert und rummst halt wie in den vorangegangen 26 Filmen des Marvel Cinematic Universe eben auch. Außer es werden Schicksalsschläge verarbeitet oder (nicht zu knapp) Abschiedsszenen abgeführt. Der Verdacht, dass hier nicht nur an der Raumzeit, sondern auch mit der Lebenszeit des Publikums herumgepfuscht wird, drängt sich in diesem Zusammenhang nicht zum ersten Mal auf.

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Einer der größten Meister des intelligenten Spektakelfilms fabriziert ein Remake eines der größten Musical-Klassiker: Steven Spielberg hat West Side Story neu verfilmt, der selbst wiederum eine Art Remake ist von Shakespeares „Romeo and Juliet“ (1597), welches wiederum eine Art Remake von Teilen aus William Painters „Palace of Pleasure“ (1567) ist, welches sich wiederum ausgiebig bei „The Tragical History of Romeus and Juliet“ (1562) von Arthur Brooke bedient. Das als Hinweis darauf, dass der Boy-Meets-Girl-und-dann-dürfen-sie-nicht-beieinander-liegen-Plot die Zeiten überdauert und ungebrochen funktioniert. Gerade, wenn ihn ein Steven Spielberg wie in diesem Fall aus dem Jahr 1597 ins Jahr 2021 hinüberrettet.

Don’t Look Up, der neue Film von Adam McKay, Regisseur der Anchorman-Filme, des lustigen Stepbrothers und des im direkten Vergleich leider seriös ausgefallenen The Big Short hat die, soweit ich sehe, erste stimmige, zeitgemäße Allegorie auf das vom Klimawandel beförderte Ende der Welt gedreht. Ausgehend vom denkbar einfachsten Bild: Ein Komet rast auf die Erde zu, in sechs Monaten wird alles vorbei sein. Zwei Wissenschaftler:innen (Jennifer Lawrence, Leonardo DiCaprio) versuchen, die Präsidentin zu warnen (in Hochform: Meryl Streep), aber niemand unternimmt was. Es gibt politisch und, nachdem die beiden zunehmend Verzweifelten eine eigene Kampagne starten, auch medial kein Durchkommen, weil alle Adressaten zu gierig, zu geltungssüchtig oder schlicht komplett bescheuert sind. Wer Don’t Look Up wegen des momentan bereits laufenden Untergangs der Welt, wie wir sie kannten, nicht in einem Kino sehen will, muss nur noch ein bisschen warten, am 24. Dezember startet der Film dann auch auf Netflix.

Eine Geschichte aus der Zeit nach dem Untergang der Welt: Plan A – Was würdest du tun? Erzählt von Nakam, was hebräisch „Rache“ bedeutet, einer Gruppe jüdisch-ukrainischer Partisaninnen und Partisanen. „Plan A“ meint die geplante Vergiftung des Trinkwassers in Hamburg, Frankfurt am Main, München und Nürnberg im Jahre 1945. August Diehl spielt Max, der von der jüdischen Brigade der britischen Armee, die nach der Befreiung Europas von den Deutschen Jagd auf Kriegsverbrecher machte, zur Nakam kommt. Das Bedürfnis nach Rache, für das man nicht allzu viel Empathie braucht, um es nachvollziehen zu können, ist hier, ausgehend von einer Kollektivschuld der Deutschen, umfassender: sechs Millionen tote Deutsche für sechs Millionen ermordete Juden.

Schließlich, man kann nicht früh genug davor warnen: Die gefühlt allwöchentliche Marvel-Produktion, welche kommende Woche anläuft, ist Spider-Man 3: No Way Home. In dieser Ausgabe des gefühlt fünften Reboots des Spiderman-Franchise wird, so formuliert es der sinistre Dr. Strange (Benedict Cumberbatch), an der „Stabilität der Raumzeit herumgepfuscht“. In der Post-Credit-Sequenz von Venom: Let There Be Carnage wird es bereits angedeutet, was dann passiert: Es grollt und donnert und rummst halt wie in den (nicht gefühlt, sondern tatsächlich) vorangegangen 26 Filmen des Marvel Cinematic Universe eben auch. Der Verdacht, dass hier nicht nur an der Raumzeit, sondern auch mit der Lebenszeit des Publikums herumgepfuscht wird, drängt sich in diesem Zusammenhang nicht zum ersten Mal auf.

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