Weil eben von der Berlinale die Rede war: Bereits im vergangenen Jahr wurde im dortigen Wettbewerb das Familiendrama La Ligne der französisch-schweizerischen Filmemacherin Ursula Meier gezeigt, das nun endlich doch noch in die Kinos kommt. Es beginnt fulminant mit einer handgreiflichen Auseinandersetzung zwischen einer Mutter und ihrer Tochter, an deren Ende ein Richter sich dazu genötigt sieht, ein Annäherungsverbot zu verhängen. Hundert Meter Abstand muss die Tochter fortan vom Haus der Mutter halten. Was ist los mit dieser Frau, die sich nun nahezu täglich am Rand jenes Bannkreises einfindet, den ihre kleine Schwester mit hellblauer Farbe um das Mutterhaus gezogen hat? Dort drinnen sitzt sie, wie die Spinne im Netz, die ziemlich spinnerte, ungemein selbstverliebte, immer mal wieder hochnotpeinliche, ehemalige Konzertpianistin, die mutmaßlich ihr gerüttelt Maß zum Missraten der ältesten Tochter beigetragen hat. Valeria Bruni Tedeschi spielt diese Frau mit sichtbarem Genuss an der gerade noch so vertretbaren Übertreibung als eine explosive Mischung aus Prinzessin und Hexe. Ihr gegenüber steht Stéphanie Blanchoud, die die Tochter nach außen wie eine permanent geballte Faust wirken lässt, während sie im Inneren an ihren eigenen masochistisch-suizidalen Impulsen zu verzweifeln droht. Allein die Schauspielerei in diesem Film lohnt den Besuch.

Stichwort Schauspielerei: Freuen können sich Filmfreund und Filmfreundin auch auf neue Arbeiten von Robert De Niro, Nicolas Cage, Mia Goth und Bill Nighy. De Niro fügt seiner mittlerweile recht umfangreichen Sammlung eigenwilliger Grumpy Old Men in der Culture-Clash-Komödie About My Father von Laura Terruso ein weiteres Exemplar hinzu: einen stolzen italienischen Immigranten, der es als Friseur zu bescheidenem Wohlstand gebracht hat, und den es, weil der Sohn sich verliebt hat, nun unter weiße Oberschichtler verschlägt, die ihre Vorfahren mutmaßlich bis zu den Pilgervätern zurückverfolgen können.

Cage wiederum kann seine Hauer, und das ist wörtlich zu nehmen, in der Horrorsatire Renfield von Chris McKay in die Figur des altbekannten Blutsaugers versenken und das Leben seines filmgeschichtlich arg vernachlässigten, titelgebenden Assistenten (engagiert verkörpert von Nicholas Hoult) zur Hölle machen. Sehenswert ist das haltlose Schlachtfest vor allem wegen Awkwafinas Körperbild einer wackeren Streifenpolizistin, die auch irgendwie ins Schlamassel gerät.

Goth arbeitet währenddessen mit Ti Wests Pearl – an dessen Drehbuch sie mitgeschrieben und den sie mitproduziert hat – an der Figur der sexbesessenen Alten weiter, die in Wests X (2022) Angst und Schrecken verbreitet hat. Das wollte man ja ohnehin längst wissen, wie es dazu kam, was da passierte. Nur stellt sich, nach der Ansicht dieses ungewöhnlich schrecklichen Films, die Frage doch noch einmal neu: Wollten wir es wirklich so genau wissen?

Weniger horror-affinen Gemütern sei daher Bill Nighy vorgeschlagen, der große Szenendieb, der endlich einmal wieder in einer Hauptrolle zu sehen ist; einer zumal, in der er sein ganzes Repertoire an subtilen Ausdrucksmöglichkeiten zu schönster Geltung bringen kann. Living ist Oliver Hermanus’ Remake des Films Ikiru von Akira Kurosawa aus dem Jahr 1952, der wiederum auf einer Novelle von Lew Tolstoi („Der Tod des Iwan Illjitsch“, 1886) beruhte. Das Drehbuch zum Remake schrieb Literaturnobelpreisträger Kazuo Ishiguro. Living – die Geschichte eines sterbenden Beamten, der noch etwas vom Leben will und sich den Bau eines Spielplatzes zum Ziel nimmt – ist ein Melodram, dem es um die Gefühle eines Mannes zu tun ist, der den Ausdruck von Gefühlen nie gelernt hat. Wer könnte das besser spielen als Nighy, der vor lauter Gefühl aus allen Nähten platzt und eben dies so hervorragend zu verbergen weiß.

Zuguterletzt nun also noch und weil die sogenannte Urlaubszeit bereits am Horizont dräut, eine Warnung unserer polnischen Nachbar:innen: Fucking Bornholm von Anna Kazejak, ein präzise beobachtetes, vielschichtiges Beziehungsdrama mit grotesk-komischen Einsprengseln, angesiedelt auf titelgebender Insel, die auch als „Perle der Ostsee“ bekannt ist. Hier also urlauben seit Jahren gemeinsam zwei Paare mit jeweiligen Kindern; nur ist es diesmal nicht wie immer. Denn Dawid hat sich scheiden lassen und kommt mit seiner bedeutend jüngeren, neuen Freundin Nina; sowie Sohn Kaj, der nunmehr bei der Mutter lebt und bei dem er Boden gut zu machen hofft. Bei Maja und Hubert mit den Söhnen Eryk und Wiktor scheint hingegen alles wie gewohnt, doch wer genau hinsieht, erkennt die feinen Haarrisse ermüdender Routine. Dann probieren die drei kleinen Jungs in der Nacht im Zelt etwas Nicht-Jugendfreies aus, das einer von ihnen auf dem Computer seines Vaters gesehen hat. Die Sache ist peinlich und tabu-beladen und treibt Kinder wie Erwachsene an ihre Grenzen. Erkundet wird in Fucking Bornholm auch das mittlerweile schwer verminte Gelände zwischen ersten Entdeckungen kindlicher Sexualität und Missbrauchsvorwürfen an Schutzbefohlene wie Erziehungsberechtigte gleichermaßen. Allerdings ist der Porno-inspirierte Vorfall lediglich der Anfang eines Strudels, der alle gleichermaßen in den Abgrund reißt. Urlaub als Tortur und schauspielerische Kür. Das wunderbar stimmig besetzte Ensemble nutzt die Gelegenheit zum Kammerspiel unter freiem Himmel. Unterstützt von Jerzy Rogiewicz’ deutlich von Vivaldi inspiriertem Score, der dieser Darstellung sehr erwachsener Ratlosigkeit angesichts des Feststeckens im eigenen Leben eine opernhaft-opulente Anmutung und existenzielle Schwere verleiht.

Bis zum nächsten Mal … bleiben Sie tapfer!

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Wenn auf der einen Seite die bösen Toten sich erheben (Evil Dead Rise) und auf der anderen Seite ein Wal heranwalzt (The Whale), dann haben drei einfache Lehrerinnen, die in entlegenen Weltgegenden ihrer Tätigkeit nachgehen, natürlich eher schlechte Karten. Drum richten wir unseren strikt subjektiven Blick gleich zu Beginn auf den Dokumentarfilm Schulen dieser Welt von Émilie Thérond, der seinen Wohlfühlfilm-Strategien zum Trotz recht deutlich vor Augen führt, mit welchen Widrigkeiten Menschen zu kämpfen haben, die sich die von allen allerorten (abgesehen von den Taliban in Afghanistan) geforderte Bildung zum persönlichen Auftrag wählen. Sandrine Zongo unterrichtet in einer strohgedeckten Baracke in einem Dorf im Hinterland von Burkina Faso einen Riesenhaufen Kinder, deren Dialekte sie kaum versteht. Taslima Akter ist in Bangladesch mit einem Schulschiff unterwegs (eine Folge des Umstands, dass das Land absäuft) und bemüht sich nach Kräften, ihre Schülerinnen vor Zwangsheiraten zu bewahren; womit sie sich, es lässt sich denken, bei den Eltern denkbar unbeliebt macht. Svetlana Vassileva bewegt ihr mit allerhand anregendem, pädagogischem Schnickschnack ausgerüstetes Schulzelt per Rentier-Schlitten durch Sibirien, um die Nachkommen der dort umher ziehenden Ewenken zu unterrichten und ihnen ein Bewusstsein ihrer eigenen Kultur zu vermitteln. Drei Beispiele nur, aber völlig ausreichend, um zu begreifen, dass jeder Angriff auf Bildungsmöglichkeiten auch ein direkter Angriff auf die Freiheit des Menschen ist. Insofern sei Schulen dieser Welt all jenen ans Herz gelegt, die meinen, sie wüssten schon genug.

Weil wir’s neulich von Seneca hatten, dem alten Lateiner … der berühmte römische Staatsmann Cato der Ältere beschloss seine Reden gerne mit dem Satz: „Ceterum censeo Carthaginem esse delendam“ (Im Übrigen bin ich der Meinung, dass Karthago zerstört werden muss). Den nehmen wir uns jetzt zum Vorbild und den Kinostart von Christian Petzolds neuem Film Roter Himmel zum Anlass, den Berlin-Brief neuerlich mit einem Hinweis zu versehen: Eigentlich hätte Thomas Schubert am Ende der diesjährigen Berlinale mit dem Silbernen Bären für die Beste Schauspielerische Leistung in einer Hauptrolle nachhause gehen müssen. Schuberts semi-verkrachter Schriftsteller Leon in Petzolds Film ist nämlich schlicht eine Schau: Spaßbremse und Spielverderber, bringt er eine verklemmte Schwere in die sommerliche Luftigkeit des Wochenendes, das vier junge Leute gemeinsam in einem Haus an der Ostsee verbringen. Das so unbeschwert dann doch nicht ist, denn es tobt ein Feuer in den Wäldern, das färbt den Himmel rot. Leon aber nervt mit der Gespreiztheit, mit der er sein Künstlertum wie eine Monstranz vor sich herträgt. Und wenn er sich aus gemeinschaftlichem Badevergnügen ausklinkt mit der Begründung „Die Arbeit lässt es nicht zu“, dann ist nicht nur ein großer Sager geboren. Leon scheint nur um sich selbst zu kreisen, bis Filmemacher Petzold in einer atemberaubend kunstvollen Volte die Erzählperspektive neu definiert und das Scheitern sich zum Triumph wendet, während zugleich die Geschichte aus dem Genre der sanften Komödie entschlossen in jenes der Tragödie hinüberspringt. Denn das Feuer tobt nicht nur in den Kulissen.

Und übrigens hätte Petzold von mir aus auch gerne den Goldenen Bären …

Ebenso wie auf einen Film von Christian Petzold darf man auch immer auf einen von Sam Mendes gespannt sein. American Beauty, Road to Perdition, Revolutionary Road sind große Werke, selbst wenn sie, zugegeben, schon etwas länger zurückliegen. Und 1917, Mendes voriger Film, hatte weit mehr zu bieten als lediglich das Gimmick der vorgeblich einen Einstellung, in der er gedreht worden war. Nun also Empire of Light (läuft diese Woche auch in AT im Kino an), angesiedelt in den frühen 1980er Jahren in einem alten Kino in einem englischen Küstenort. Schon wirbeln vor dem geistigen Auge die Staubwolken jenes nostalgischen Charmes auf, der dem analogen Zeitalter und dem Zelluloid-Streifen, der durch den Projektor rattert, mittlerweile anhaftet. Schon will einen die Wehmut ergreifen angesichts vergangener Gemächlichkeit, da fällt einem gerade noch rechtzeitig ein, dass alte Zeiten nicht automatisch gute sind beziehungsweise waren – wie Mendes hier denn auch gründlich beweist. Allerdings verzettelt er sich bei dieser Gelegenheit nicht minder gründlich in den Verästelungen seines Drehbuchs, das er erstmals zur Gänze allein verantwortet. Offenbar hat er sich von keinem seiner Einfälle trennen mögen, weswegen sich nun allzuviele Themen und Motive gegenseitig im Licht stehen. Dergestalt, dass am Ende das titelgebende Lichtspieltheater – ein Art-déco-Schmuckstück komplett mit Ballsaal und unwiderstehlich heruntergerockter Aura – das wunderbare Ensemble (darunter Olivia Colman, Toby Jones und Colin Firth) einfach in den Schatten stellt. Und das war das.

Auch einer, dessen Werke, wenngleich erst seit Kürzerem, garantierte Aufmerksamkeit erregen: Ari Aster, der mit Hereditary und Midsommar doch etwas mehr als nur Talent für den etwas anderen Horror bewiesen hat. Dementsprechend neugierig erwarteten alle und noch ein paar mehr Beau Is Afraid, in dem Joaquin Phoenix ohne Tadel den titelgebenden armen Tropf spielt, der unterwegs zur Beerdigung seiner Mutter durch die Hölle geht. Nach faszinierendem Beginn jedoch setzt alsbald Ernüchterung ein. Geschlagene drei Stunden lang hetzt Aster seinen Beau durch traumatische Abgründe und psychotische Untiefen, pflastert dessen Weg mit paranoidem und hysterischem Personal. Je länger es zugeht wie im Irrenhaus, umso weniger Sinn ergeben die Ereignisse, die als Albträume, Erinnerungen, Vorahnungen, Geschichten-in-Geschichten sowie möglicherweise tatsächliches Geschehen präsentiert werden. Das mag im Einzelnen faszinierend sein, am Ende bleibt die Ratlosigkeit: Was ging da vor sich? Vor allem aber: Was ging da schief? Wie es aussieht, hatte Aster das gleiche Problem wie Mendes und verfing sich im Dickicht seiner Narration. Immerhin gelingt ihm der Beweis, dass Film zur Therapie einer konfusen Psyche nur bedingt taugt. Weil das fantasieliebende Medium allzu gerne die Seiten wechselt und weiteres Chaos stiftet, wo Ordnung not täte.

An weiteren Seltsamkeiten besteht zudem kein Mangel. Brendan Cronenberg beweist mit Infinity Pool – der außerordentlich grausamen Demontage, nein, Kastration eines ohnehin bereits schwachen Mannes – ein weiteres Mal, dass der Apfel nicht weit vom Stamm gefallen ist; das ist einerseits nicht verwunderlich, andererseits dann doch beunruhigend. Jalmari Helander fügt mit Sisu dem verdienstvollen Mini-Subgenre des Massaker-an-Nazis-in-Fennoskandinavien ein besonders dreck- und blutverschmiertes Exempel hinzu. Und in Ann Orens Piaffe wächst einer Geräuschemacherin, die eine Pferdedressur vertont, aus Solidarität(?) ein Pferdeschwanz aus dem Steiß, was in der Folge zu ziemlich sinnlichen Eskapaden führt, im Ganzen aber auch wiederum eher wenig Sinn ergibt. Das mit dem Sinn, das ist eben so eine Sache; Schriftsteller Leon kann ein Lied davon singen; apropos, erwähnte ich bereits die fehlende Bärenvergabe an …?

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Soviel also noch zu Roter Himmel und zur Berlinale, und bei dieser Gelegenheit, sozusagen als Zugabe, noch eine Bemerkung zu den Oscars: Keine Auszeichnung für Tár?! Keine einzige?!? Stattdessen eine Debatte darüber, ob der Film frauenfeindlich ist!? Echt jetzt?! Das ist derart verlogen und realitätsfern, dass sich die Nackenhaare sträuben. Will wirklich niemand über die Korrumpierbarkeit durch Macht diskutieren? Glaubt tatsächlich jemand, dass das Geschlecht/Gender immunisiert gegen moralisches Fehlen? Sind wir etwa im weltbefriedeten Märchenland der rosa Glitzerprinzessinnen gelandet und haben es nicht bemerkt? (Hier unser Einspruch.)

Lassen wir das. Wenden wir uns stattdessen lieber wieder Berlin zu, das auch ohne Glamour alles andere als langweilig ist. Während auf den großen Leinwänden mit John Wick: Chapter 4 und Dungeons & Dragons: Honor Among Thieves Kandidaten aus der Abteilung Krach und Krawall ihren Aufgaben als Crowdpleaser und Moneymaker nachkommen, lässt sich auf den kleinen Neues über Altes erfahren.

Sandra Prechtel, die 2013 mit Roland Klick – The Heart Is a Hungry Hunter ein aufschlussreiches Porträt des Autorenfilmers vorlegte, richtet in Liebe Angst (uraufgeführt im Rahmen des vorjährigen Münchner Filmfestes) den Blick auf ein Mutter-Tochter-Verhältnis. Dessen Dysfunktionalität – die im Zuge einer erweiterten Familienaufstellung zutage tritt – wurzelt wie so oft im Verschweigen und Verdrängen: Kims Oma, Lores Mutter, wurde vergast; worüber Lore nie reden konnte und auch heute nicht reden kann, das vergiftet Kims Leben. Die Aufarbeitung, die von Kim versucht wird, wird von Lore mit Verweigerung beantwortet. Prechtel beobachtet und begleitet und präpariert Verästelungen, die ein Gift durch die Zeiten tragen, das viele Namen kennt.

Hier verbietet sich jeder Versuch einer launigen Überleitung, deswegen sei abrupt auf Breaking The Wall hingewiesen, Kaspar Kasics erhellende Dokumentation über die verdienstvolle Schriftstellerin und Feministin Erica Jong, deren 1973 erschienener Roman „Fear of Flying“ – seinerzeit als Porno diffamiert – die sexuelle Befreiung der Frau vorantrieb. Höchste Zeit, mal wieder ein Buch dieser quirligen, im besten Sinne aufgeklärten Frau zur Hand zu nehmen.

Man(n) kann aber auch ins Kino gehen und weiter reminiszieren. Beispielsweise in Maigret, Patrice Lecontes angenehm altmodischer Adaption eines Romans von Georges Simenon, in der der melancholische Kommissar von Gérard Depardieu kongenial dargestellt wird. Nicht ganz so umfangreich, dabei doch auch nicht mehr so recht untauglich für den Circus Maximus: Russell Crowe, der in The Pope’s Exorcist von Julius Avery die Titelrolle übernommen hat und es im Zuge seiner Berufsausübung mit niemand Geringerem als Franco Nero zu tun bekommt, der als Papst sozusagen den Teufel mit dem Beelzebub austreibt. Ein Treffen alter Haudegen, das sich eigentlich nur entgehen lassen kann, wer sich stattdessen lieber von John Malkovich zutexten lässt. Der nämlich hat in der Titelrolle von Robert Schwentkes Seneca (römischer Philosoph, Politiker und Opportunist, Verfechter der stoischen Lehre, Erzieher und Berater von Cäsarenwahn-Nero, der ihn schließlich zum Suizid zwingt) geradezu mörderische Mengen an komplexem Text zu bewältigen und wirkt dabei obendrein noch so, als sei er ganz in seinem Element. Während also Malkovich Seneca schultert und mit dem Film davonläuft (hier der Trailer), trägt andernorts ein anderes Präsenzmonster seinen Film im Alleingang: Willem Dafoe ist in Vasilis Katsoupis Inside genau das: ein in einem New Yorker Luxus-Penthouse gefangener Kunstdieb, der bei seinen Versuchen, sich zu befreien, eine Art Action-Happening-Performance-Mysterienspiel veranstaltet. Am Ende ist umdekoriert.

All jenen, die ihre filmhistorische Bildung weiter vertiefen wollen, sei zuguterletzt noch die Reihe „Eye to Eye“ im Rahmen der Magical History Tour im April im Arsenal nahegelegt. Gezeigt werden Filme – darunter Ingmar Bergmans Persona (1966) und Dorian Gray im Spiegel der Boulevardpresse (1984) von Ulrike Ottinger –, die sich um die vierte Wand nicht scheren und die Grenze Leinwand-Zuschauerraum willentlich überschreiten. Ein beunruhigendes Phänomen, das den Blick in den Spiegel evoziert, hinter dem sich, wir ahnten es, das Wesen des Kinos verbirgt.

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Hier ist ja grade Berlinale, offiziell: Internationale Filmfestspiele Berlin, größtes Publikumsfestival der Welt, um’s mit der ortstypischen Selbstüberschätzung auszudrücken. Dazu passt, dass es in diesem Jahr ALLE Tickets NUR NOCH ONLINE gibt und also jene Leute, die kein Smartfon haben respektive erschwerten Zugang zum Internet, mit der Arschkarte in der Hand im Regen stehen. Pech gehabt! Ihr (Analoge und Marginalisierte) seid nicht das Publikum, das wir haben wollen, tut diese organisatorische Zwangsmaßnahme mit beeindruckender Arroganz kund und zeugt darüberhinaus davon, dass man mit Sparmaßnahmen auch ziemlich in die Irre gehen kann; jetzt mal demokratisch gesehen. Missmut über die neue Regelung scheint sich interessanterweise kaum zu regen, was einem hinsichtlich der tatsächlichen Breitenwirkung von Filmfestivalkultur wiederum zu denken geben könnte. Weil wer kein Berlinale-Ticket kriegt, geht vielleicht stattdessen ins Regelkino und schaut sich diesen Film hier an oder diesen oder jenen.

Die mittlerweile breitflächigst über den gesamten Stadtraum verteilten Berlinale-Kinos sind brechend voll. Und eh, gerade die Analogen und die Marginalisierten verfügen ja nun eben nicht über jene Ressourcen, die es braucht, um einen ordentlichen Shitstorm zu entfachen. Mal ganz abgesehen davon, dass sie angesichts des üblich grausligen Berlinale-Wetters (Regen mit Sturmböen) bestimmt auch besseres zu tun haben, als am Potseplatz eine Demo abzuhalten, die dort neben den unzähligen Baustellen nur als ein weiteres Hindernis wahrgenommen wird.

Dieser Platz ist im Übrigen ein Kapitel des Grauens für sich, das wir hier jedoch nicht aufschlagen wollen. Wir könnten stattdessen, weil das alle machen, über den Wettbewerb lästern und allgemein die Programmauswahl in Zweifel ziehen. Das machen wir aber auch nicht, weil die gute alte Festival-Regel gilt, dass man angesichts des enormen Angebots schon mal daneben hauen kann. Wenn also der eine Film langweilt, wäre der im Nebenkino vielleicht der große Knüller gewesen und man hat demnach falsch ausgewählt. Und das eigene Unvermögen beziehungsweise unglückliche Händchen kann man nicht den Programm-Macher:innen anlasten.

Halten wir uns daher an die Knüller; am Sonntag zum Beispiel, spät am Abend, ein Film mit dem Titel #Manhole und folgender Synopsis: Ein hoffnungsfroher Bräutigam stürzt in der Nacht vor seiner Hochzeit ins titelgebende Loch, verletzt sich dabei dergestalt, dass er aus eigener Kraft nicht mehr herauskommt und nimmt Zuflucht zu den (un)sozialen Medien (Stichwort Twitter-Account), sie sollen ihm heraushelfen. Das klingt nun nicht unbedingt sooo berauschend und war auch eher als Lückenfüller im Zeitplan ausgewählt, stellt sich dann aber als mitreißender und hochspannender, wendungsreicher Thriller heraus. Umso erstaunlicher, als da tatsächlich lediglich ein einzelner Typ in einem Loch sitzt und mit seinem Handy herumfummelt respektive telefoniert. Regisseur Kazuyoshi Kumakiri zeigt, welche Möglichkeiten selbst noch in größter Beschränkung bestehen, wenn man einen engagierten Schauspieler an der Hand hat und über dramaturgisches Geschick beziehungsweise Mut zum Wahnwitz verfügt. Nebenher schafft es #Manhole auch noch, das weiße Rauschen der, äh, sozialen Medien in seiner abgründigen Dummheit zu entlarven, indem er zeigt, wie mühsam es ist, sich durch endlose Schrottkommentare und nichtssagende Emoji-Orgien zu wühlen, wenn einem das Wasser buchstäblich bis zum Hals steht.

Zu #Manhole passt Manodrome, Wettbewerbsbeitrag von John Trengove und Beitrag zur Geschlechter-Debatte sowie toxischer Männlichkeit. Ralphie, dessen Freundin schwanger ist, schlägt sich als Uber-Fahrer durch; das Geld reicht hinten und vorne nicht, aber für die Mucki-Bude immer, denn dort kann Ralphie sich ein bisschen bestätigen und außerdem der Schaulust frönen. Die dräuende Vaterschaft allerdings lässt den Druck in seinem Kessel steigen – Identitätsfragen, Zukunftsangst –, und das bevorstehende Fest der Liebe holt unschöne Erinnerung an den Vater hoch, der Frau und Kind justament am Weihnachtsabend hat sitzen lassen. Die Begegnung mit einem sektenartigen Männerhaufen scheint da zunächst wie eine Befreiung und hilfreiche Erkenntnisse sowie Wertschätzung zu bieten, fungiert dann jedoch als Katalysator hin zu einer massiven Eskalation.

Jesse Eisenberg, einer der ganz großen Darsteller von auf vielschichtige Weise negativen Charakteren, zwielichtigen Figuren und schlicht Unsympathen hat in Manodrome mächtig was zu tun und liefert als Ralphie einen Parforce-Ritt durch die Abgründe und ins Verdrängte einer von zuviel fremdbestimmen Erwartungen vergifteten Männerseele. Es hilft ihm nur leider nicht aus der Bredouille, dass Trengove sein Drehbuch mit einfach ALLEM zum Thema krisenhafter Männlichkeit schlicht überfrachtet hat: vom traumatisierten Sohn einer alleinerziehenden Mutter über die verdrängte Homosexualität bis hin zur Gewaltexplosion aus schierer Ratlosigkeit, Vatermord inklusive. Alles schön und gut und tadellos gespielt, allerdings letztlich zu individualistisch, zu spezifisch und zu konstruiert, um als Kommentar zu beunruhigenden Strömungen innerhalb der Geschlechterspannung tatsächlich zu taugen. Insofern nur halb klug und auch eine verschenkte Chance.

Als wiederum angenehme Überraschung erwies sich der erste von immerhin fünf deutschen Wettbewerbsbeiträgen: Irgendwann werden wir uns alles erzählen, Emily Atefs Adaption des gleichnamigen, 2011 erschienenen Romans von Daniela Krien. Angesiedelt in einem spezifischen geografischen Raum sowie historischen Moment – zur Wendezeit, nach der Währungsunion, irgendwo in der sächsisch-thüringischen Pampa, nahe der Grenze zu Bayern – wird eine Geschichte erzählt, die sich zu allen Zeiten überall zuträgt: die Geschichte vom Wahnsinn der Liebe. Oder vielleicht doch besser: des Begehrens.

Es ist Sommer und es ist heiß und ein knappes Baumwollkleidchen, in dem sich ein sanftes Lüftchen fangen kann und den eigenen Leib spürbar machen, reicht als Bekleidung. Eines Tags sticht der 19-jährigen Maria, die lieber Dostojewski liest als sich auf dem Bauernhof ihres Verlobten nützlich zu machen, der 40-jährige Henner ins Auge, der in der Nachbarschaft Pferde züchtet. Und sie ihm. Die beiden stürzen ineinander und die Leidenschaft schlägt ein mit einer Wucht, dass kein Stein mehr auf dem anderen bleibt.

Unter spektakulär weiten Himmeln inszeniert Atef mit großer Ruhe ein mächtiges Melodram, das zugleich dem Heimatfilm sinnliche Glanzlichter aufsetzt. Mag auch manchmal das Literarische der Vorlage mit manch klischeehafter Figur und Dialogen quälen; die Körperlichkeit vor allem von Marlene Burow in der Rolle der hormonüberwältigten Maria macht es bald vergessen. Große Gefühle wüten unter „kleinen Leuten“. Man kann an der Liebe sterben; man kann auch knapp davon kommen, um dann vielleicht dermaleinst davon zu erzählen.

Womit wir uns ins nächste Berlinale-Kino verabschieden … wenn das Internet funktioniert …

Und irgendwann werden wir uns alles erzählen.

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Bevor er seiner Heimat endgültig den Rücken kehrte – seit April 2022 lebt Kirill Serebrennikow in Berlin –, hat er ihr noch einmal mächtig vor die Füße gerotzt. Mit Petrov’s Flu adaptiert der russische Regisseur den 2018 erschienenen Roman „Petrovy v grippe i vokrug nego“ (dt. „Petrow hat Fieber. Gripperoman“, erschienen bei Suhrkamp) von Alexei Salnikow. Darin titelgebender, schwer vergrippter Petrov/w im Zuge eines Saufgelages mit einem Freund im Zwischenreich von Traum und Wirklichkeit Erinnerungen an seine Kindheit zu Tage fördert und in seine sieche und Wodka-umlohte Gegenwart einflicht. Serebrennikow macht aus dieser an sich schon wenig festgefügten Storyline einen Höllenritt von Fieberwahn nach Delirium via Albtraum und Fetzenrausch. Das ist immer mal wieder ziemlich scheußlich und im Großen und Ganzen recht anstrengend anzusehen, es ist allerdings auch hochfaszinierend.

Logischerweise hat der Großteil der Filmkritik sich angesichts der gegenwärtigen Lage darauf geeinigt, in Petrov’s Flu eine ätzende Kritik an der kaputten postsowjetischen Gesellschaft zu sehen; kann man natürlich machen, ist aber auch ein bisschen aufgelegt und langweilig. Risikobereiter wäre es da schon, sich im Zuge der Rezeption daran zu ergötzen, wie das eigene, arme Gehirn unermüdlich, doch zunehmend irritiert und jedenfalls vergebens nach einer irgendwie gearteten „Geschichte“ fahndet, die doch noch einen Sinn ergeben könnte. Am End‘ beschleicht einen dann allerdings der Verdacht, dass GENAU SO das Leben aussehen könnte: zerrissen, grausam und sinnlos. Aber ach, mit welcher Leidenschaft und technischer Versiertheit ist das in Szene gesetzt!

Anschließend muss schnell ein Gegengift eingenommen werden. Also dann mal hurtig und unerschrocken hineingestürzt in die Berliner Wirklichkeit: Allee der Kosmonauten – das ist ein Straßenname, der einem auf der Zunge zergeht, der die Fantasie beflügelt, der wie ein Versprechen klingt: auf den Weltraumbahnhof, von dem aus es mit Karacho ins bessere Leben geht. Natürlich ist das Quatsch; die Allee der Kosmonauten mag einen hochtrabenden Namen haben, in Wirklichkeit aber führt sie endlos an Plattenbauten entlang durch Marzahn. Das ist ein Teilbezirk von Marzahn-Hellersdorf und in etwa die Ostberliner Entsprechung zur Gropiusstadt, die im Westen gerade eben noch so zum ziemlich riesigen Neukölln gehört. Beides sind keine Gegenden, in denen bei der Geburt goldene Löffel ausgehändigt werden.

In einem der mächtigen Hochhäuser in der Allee der Kosmonauten wächst Pascal auf, den alle nur Kalle nennen, was eh viel besser passt, und von dem Christine Kugler und Günther Kurth in ihrer vergangenes Jahr bei der Berlinale uraufgeführten Langzeitdoku Kalle Kosmonaut erzählen. Als die Filmemacher:innen ihren Protagonisten kennenlernen, ist der zehn Jahre alt und ein gewieftes Schlüsselkind, eigentlich viel zu gescheit für den ortstypischen Weg, dann aber doch bald auf der schiefen Bahn, schließlich für zwei Jahre und sieben Monate im Knast und am Ende zwanzig, Vater geworden, einigermaßen zuversichtlich und zugleich auch ziemlich ratlos. Kalle Kosmonaut bedient keine Ghetto-, keine Ossi-, keine Proll-Klischees, sondern sammelt recht nüchtern Eindrücke aus den Leben von Leuten, denen die Begriffe „randständig“ und „bildungsfern“ bei genauem Hinsehen eben doch nicht gerecht werden. Dies deutlich zu machen, zeichnet diesen Film aus.

Solcherart geerdet, geht es ab ins Multiplex, wo Hollywoods Sirenen locken. Kaum haben die Fans des spektakulären Überwältigungskinos sich einigermaßen erholt vom Cameron’schen, vermittels Avatar: The Way of Water geführten Keulenschlag (hier unser Aufsatz dazu), da kommt auch schon der nächste Brocken daher; im wahrsten Sinne und in Gestalt von Titanic. Der Mega-Giganto-Blockbuster, an den zunächst keiner glaubte und der sodann alle eines Besseren belehrte und Schotter ohne Ende sowie Preise sonder Zahl (darunter allein elf Oscars) einfuhr, feiert nämlich seinen 25. Geburtstag und schippert aus diesem Grunde generalüberholt (soll heißen: „neu überarbeitet in fantastischem 3D 4K HDR und High-Frame Rate“, na dann!) in die Kinos.

Nichts wie hin also und wehmütig in die damals noch quasi faltenfreien Gesichter von Kate Winslet und Leonardo DiCaprio geblickt (keinesfalls aber anschließend in den Spiegel). Sodann danke dafür, dass DiCaprio sich von der Posterboy-Hysterie, die seinerzeit über ihn hereinbrach, letztlich doch nicht ins Bockshorn hat jagen lassen. Zugegeben, auch Titanic ist sehr lang und ja, das Drehbuch leidet unter Anfällen von Cameronitis, aber dank der durch die Bank tollen Besetzung sowie den Bestleistungen aller hinter der Kamera Beteiligten fällt das nicht sonderlich ins Gewicht. Und nachwievor kann man sich daran ergötzen, in welch perfekter Balance die Jungs- und die Mädels-Anteile (Action und Romantik) in Titanic, diesem prototypischen Unterhaltungsfilm, gehalten werden. Also wenn Sie schon in Cameronland baden gehen wollen, dann doch lieber in diesem Wassertank! (in Österreich ab 9. Februar)

Schließlich noch der Hinweis auf einen Pflichttermin für alle Mandalorian-Fanboys und -girls sowie Cineasten, Cinephile und sonstige Interessierte an der Laufbild-Kunst: Anlässlich der Sonderausstellung „Werner Herzog“, die noch bis 27. März im Museum für Film und Fernsehen zu besichtigen ist (wir werden im nächsten Brief berichten), widmet das Kino Arsenal dem mittlerweile zur Kultfigur gewordenen Künstler vom 1. bis 15. Februar eine Filmschau. (Ab 16.2. belegt dann die Berlinale alles mit Beschlag und auch davon wird zu berichten sein.) Praktisch daran ist, dass man aus der Ausstellung kommend lediglich in den Fahrstuhl steigen und in den Keller zu fahren braucht, um weitere Herzog’sche Wunderwelten zu betreten. (Unterwegs nach unten kann man einen Blick in den Innenhof des zunehmend verlassenen Sony-Centers und hinüber zum seit nunmehr zwei Jahren sinnlos leer stehenden Originalfassungs-Multiplex werfen und melancholische Gedanken an die dort verbrachten schönen Stunden hegen.)

Zurück zu Herzog: 15 Programme bieten grobe Orientierung im ausufernden Schaffen des Meisters; darunter natürlich Aguirre (1972, der Film mit Kinski und den Affen) und Stroszek (1977, der Film mit Bruno S. und dem Huhn), der wegweisend durchgeknallte Fata Morgana (1971), der Herzogfilm mit dem besten Titel, Auch Zwerge haben klein angefangen (1970), sowie Lektionen in Finsternis (1992). Letzterer hat dem Regisseur seinerzeit den (natürlich ungerechtfertigten) Vorwurf der Ästhetisierung von Gewalt eingebracht – gezeigt wird die Verwüstung, die die geschlagene irakische Invasionsarmee in Kuwait hinterlassen hat – und demonstriert ausgezeichnet die Herzog’sche Methode, im Erhabenen den Todestrieb ersichtlich zu machen.

Das hat dann allerdings weniger mit Kant und Freud zu tun als mit jener transzendentalen Erfahrung von Natur als gleichgültig vernichtend, die Herzogs Perspektive auf die Welt prägt. Am 12.2. wird Land des Schweigens und der Dunkelheit (1971) gezeigt, nach Aussage Herzogs der ihm liebste und wichtigste Film; er erzählt aus dem Leben der taubblinden Fini Straubinger. Eine Sache des Respekts, sich den anzuschauen.

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Maverick/Tom Cruise allerdings wäre nicht Tom Cruise/Maverick, wenn er da nicht ein Wörtchen mitzureden hätte; Top Gun: Maverick setzt demnach zu einer zweiwöchigen Ehrenrunde durch die Kinos an und bietet das Kontrastprogramm: Testosteron-geschwängertes Haudrauf-Kino versus ganzheitliche Touchy-Feely-Action, Hauptsache, es kracht.

Und was machen die anderen? Die Freunde der Filmkunst, die romantisch Veranlagten, die Lärmempfindlichen, die Hollywoodallergiker? Die haben in Berlin zumindest eine Chance beziehungsweise mal wieder Glück gehabt, denn die hiesigen, ohnehin nicht eben wenigen Programmkinos bieten üppige Alternativen. So präsentiert beispielsweise das mittlerweile hochangesehene Festival „Around the World in 14 Days“ seit 2006 alljährlich im November/Dezember eine erlesene Auswahl hochkarätiger Arthouse-Perlen – für die allerdings z.B. fleißige Viennale-Besucher:innen nicht extra anreisen müssen, ist die Schnittmenge zwischen den dort und hier gezeigten Filmen doch beträchtlich. Sodann werden im Rahmen des Doc.Berlin Festivals im schönen alten Kino Babylon – das ist das mit der Kino-Orgel – 27 kurze und lange Dokumentarfilme zu sehen sein; darunter Berlin Bytch Love von Heiko Aufdermauer und Johannes Girke, im dem ein junges Ausreißer-Pärchen zwischen dem coolen Versprechen der Metropole und der Bitternis ihrer Wirklichkeit einen Weg finden muss.

Wer’s lieber realitätsfern-nostalgisch hat, kann sich am Weihnachtsmarkt im Nikolaiviertel den ganzen Monat über und für lau die gute alte Feuerzangenbowle anschauen und das titelgebende Getränk dazu schlürfen – aber aufgepasst!, nur einen „wönzigen Schluck“.

Ernsthaften Kinogeher:innen hingegen sei, passend zu den Temperaturen, ein Episodenfilm namens Sibirisch für Anfänger empfohlen. Sieben tragikomische Geschichten in lakonischer Tonlage setzen Stepan Burnashev und Dmitry Davydov, die den Film auch geschrieben und produziert haben, irgendwo in der Tundra in Szene, sozusagen für jeden Tag in der Woche eine, doch so etwas wie Sonntagsfrieden will sich in keiner von diesen einstellen. Denn in Sibirien ist es bekanntlich bitterbitterkalt und man muss sich wärmen, am besten von innen und bevorzugt mit Wodka. Das bleibt nicht ohne Folgen, führt Alkohol doch zur Enthemmung und nicht selten geschieht im Rausch, was nüchtern sodann tief bereut wird. Was uns zu den beiden zentralen Themen des Films bringt: Suff und Gewalt. Meisterlich motivisch verdichtet in jener Miniatur, die dessen Mittelachse bildet, und in der ein Dorfvorsteher sich todesmutig in ein bereits gewaltsam eskaliertes Verlobungs-Gelage begibt. Dann zwingt er den Übeltäter, der seine Verwandtschaft mit blindwütigem Gewehr-Gefuchtel in Angst und Schrecken versetzt, vermittels zahlloser Trinksprüche zum Komasaufen. Schon ist der Teufel mit dem Beelzebub ausgetrieben und das Problem gelöst. Den tiefen Seufzer, der sich der Brust des Vorstehers am Ende entringt, den seufzen wir mit: Das, womit diese fernen Leute einander das Leben schwer machen, ist auch uns nur allzu bekannt. Und so gesehen ist die Welt dann doch recht klein.

Apropos Ferne und apropos klein: Ein weiterer Zwerg, der sich um den Riesen Avatar nicht schert und gleichermaßen in die Ferne, diesmal der Vergangenheit schweift, ist Annie Ernaux – Die Super-8 Jahre. Dafür zeichnet die jüngste Literaturnobelpreisträgerin gemeinsam mit ihrem Sohn David verantwortlich; er dauert eine knappe Stunde, umfasst kaum ein Jahrzehnt, reicht dafür aber tief in die Vergangenheit sowie die mit ihr verknüpften biografischen, soziologischen, politischen Bedeutungsräume. Gemeinsam mit ihrem Mann unternimmt die junge Lehrerin und Mutter in den siebziger und frühen achtziger Jahren unter anderem Reisen ins Chile Salvador Allendes, ins Albanien Enver Hoxhas, ins sowjetische Moskau. Es ist dies die Zeit, in der sie sich als Schriftstellerin findet, ihr schreiberisches Selbstverständnis entwickelt, ihr erstes Buch veröffentlicht. Das spätere Scheitern der Ehe, so die 1940 geborene Ernaux in ihrem von heute aus formulierenden, für sie typisch zwischen Analyse und Beschreibung wechselnden Kommentar, sei unvermeidlich gewesen. Denn die Zeiten waren, wie sie waren, und die Künstlerin, wie zu sehen ist, war gefangen in einem nach traditionellem Muster organisierten Lebensentwurf. Aus dem sie sich dann aber doch befreien konnte – und dies ist nicht die geringste Erkenntnis. Hier geht‘s zum Trailer.

Der nächste Brief aus Berlin erscheint am 17. Januar.

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