Born on the Fourth of July entfaltet das, was er zeigen will, anders als die späteren spekulativen und wesentlich manipulativeren Filme Stones, nicht in (verschwörungs)politischen Diskursen, sondern am Körper des Protagonisten. Auf Drill und Verpanzerung folgt die Zerlegung: Kovic bringt in Vietnam Kinder um, ein Versehen, dann erschießt er, der nächste Fehler, einen Soldaten der eigenen Einheit und wird selbst verletzt. Die kurze Gefechtssequenz gehört zu den ernüchterndsten in der Geschichte des Kriegsfilms. Eine Reihung von Fehlern als Antithese zu den heroischen Erwartungen und Überhöhungen im Vorfeld: Aus dem Helden in Wartestellung ist ein von Schuldgefühlen zerquälter Mensch geworden.

Kovic ist von der Hüfte an abwärts gelähmt, und die Bilder der Behinderung, die Stone inszeniert, sind eine Dekonstruktion des Soldatischen, die aber aus einem empathischen Blick auf einen schwachen, nicht mehr adäquat funktionierenden Körper kommt. Kovic fällt aus seinen bisherigen Zusammenhängen heraus und verliert sich. Wieder zusammensetzen kann er sich erst am Ende, als Anti-Kriegs-Aktivist. Auch das Finale fokussiert aber nicht auf die Sprache – die große Rede Kovics bekommen wir gar nicht zu hören –, sondern auf den Körper im Rollstuhl. In seiner Beschränkung aufs Wesentliche ist Born on the Fourth of July sicherlich einer einer der klarsten und direktesten Filme Stones. Ein Film, der zuerst etwas zeigen – und einen nicht zuallererst von etwas überzeugen will.

Auf DVD oder im Mediabook bei Turbine Medien bzw. gegen moderates Entgelt bei diversen Streamern

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Maverick/Tom Cruise allerdings wäre nicht Tom Cruise/Maverick, wenn er da nicht ein Wörtchen mitzureden hätte; Top Gun: Maverick setzt demnach zu einer zweiwöchigen Ehrenrunde durch die Kinos an und bietet das Kontrastprogramm: Testosteron-geschwängertes Haudrauf-Kino versus ganzheitliche Touchy-Feely-Action, Hauptsache, es kracht.

Und was machen die anderen? Die Freunde der Filmkunst, die romantisch Veranlagten, die Lärmempfindlichen, die Hollywoodallergiker? Die haben in Berlin zumindest eine Chance beziehungsweise mal wieder Glück gehabt, denn die hiesigen, ohnehin nicht eben wenigen Programmkinos bieten üppige Alternativen. So präsentiert beispielsweise das mittlerweile hochangesehene Festival „Around the World in 14 Days“ seit 2006 alljährlich im November/Dezember eine erlesene Auswahl hochkarätiger Arthouse-Perlen – für die allerdings z.B. fleißige Viennale-Besucher:innen nicht extra anreisen müssen, ist die Schnittmenge zwischen den dort und hier gezeigten Filmen doch beträchtlich. Sodann werden im Rahmen des Doc.Berlin Festivals im schönen alten Kino Babylon – das ist das mit der Kino-Orgel – 27 kurze und lange Dokumentarfilme zu sehen sein; darunter Berlin Bytch Love von Heiko Aufdermauer und Johannes Girke, im dem ein junges Ausreißer-Pärchen zwischen dem coolen Versprechen der Metropole und der Bitternis ihrer Wirklichkeit einen Weg finden muss.

Wer’s lieber realitätsfern-nostalgisch hat, kann sich am Weihnachtsmarkt im Nikolaiviertel den ganzen Monat über und für lau die gute alte Feuerzangenbowle anschauen und das titelgebende Getränk dazu schlürfen – aber aufgepasst!, nur einen „wönzigen Schluck“.

Ernsthaften Kinogeher:innen hingegen sei, passend zu den Temperaturen, ein Episodenfilm namens Sibirisch für Anfänger empfohlen. Sieben tragikomische Geschichten in lakonischer Tonlage setzen Stepan Burnashev und Dmitry Davydov, die den Film auch geschrieben und produziert haben, irgendwo in der Tundra in Szene, sozusagen für jeden Tag in der Woche eine, doch so etwas wie Sonntagsfrieden will sich in keiner von diesen einstellen. Denn in Sibirien ist es bekanntlich bitterbitterkalt und man muss sich wärmen, am besten von innen und bevorzugt mit Wodka. Das bleibt nicht ohne Folgen, führt Alkohol doch zur Enthemmung und nicht selten geschieht im Rausch, was nüchtern sodann tief bereut wird. Was uns zu den beiden zentralen Themen des Films bringt: Suff und Gewalt. Meisterlich motivisch verdichtet in jener Miniatur, die dessen Mittelachse bildet, und in der ein Dorfvorsteher sich todesmutig in ein bereits gewaltsam eskaliertes Verlobungs-Gelage begibt. Dann zwingt er den Übeltäter, der seine Verwandtschaft mit blindwütigem Gewehr-Gefuchtel in Angst und Schrecken versetzt, vermittels zahlloser Trinksprüche zum Komasaufen. Schon ist der Teufel mit dem Beelzebub ausgetrieben und das Problem gelöst. Den tiefen Seufzer, der sich der Brust des Vorstehers am Ende entringt, den seufzen wir mit: Das, womit diese fernen Leute einander das Leben schwer machen, ist auch uns nur allzu bekannt. Und so gesehen ist die Welt dann doch recht klein.

Apropos Ferne und apropos klein: Ein weiterer Zwerg, der sich um den Riesen Avatar nicht schert und gleichermaßen in die Ferne, diesmal der Vergangenheit schweift, ist Annie Ernaux – Die Super-8 Jahre. Dafür zeichnet die jüngste Literaturnobelpreisträgerin gemeinsam mit ihrem Sohn David verantwortlich; er dauert eine knappe Stunde, umfasst kaum ein Jahrzehnt, reicht dafür aber tief in die Vergangenheit sowie die mit ihr verknüpften biografischen, soziologischen, politischen Bedeutungsräume. Gemeinsam mit ihrem Mann unternimmt die junge Lehrerin und Mutter in den siebziger und frühen achtziger Jahren unter anderem Reisen ins Chile Salvador Allendes, ins Albanien Enver Hoxhas, ins sowjetische Moskau. Es ist dies die Zeit, in der sie sich als Schriftstellerin findet, ihr schreiberisches Selbstverständnis entwickelt, ihr erstes Buch veröffentlicht. Das spätere Scheitern der Ehe, so die 1940 geborene Ernaux in ihrem von heute aus formulierenden, für sie typisch zwischen Analyse und Beschreibung wechselnden Kommentar, sei unvermeidlich gewesen. Denn die Zeiten waren, wie sie waren, und die Künstlerin, wie zu sehen ist, war gefangen in einem nach traditionellem Muster organisierten Lebensentwurf. Aus dem sie sich dann aber doch befreien konnte – und dies ist nicht die geringste Erkenntnis. Hier geht‘s zum Trailer.

Der nächste Brief aus Berlin erscheint am 17. Januar.

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Wobei, einen „echten, letzten“ Filmstar gibt es noch: Tom Cruise. Und der inszeniert sich auch gern als solcher. In Top Gun: Maverick ist niemand so qualifiziert wie der unmerklich in die Jahre gekommene Schauspieler. Sein Kampfpilot aus dem Jahr 1986 ist gekommen, um jüngeren Idioten beizubringen, wie man richtig fliegt.

Die positiven Kritiken und Geldberge, die in diesem Jahr für Top Gun: Maverick hereinrollten, ließen viele zum Schluss kommen, dass Tom Cruise der letzte große Filmstar ist. Mag stimmen, dass der Amerikaner am Höhepunkt seiner Coolness angekommen ist, seit er vor vierzig Jahren zu schauspielern begann. Doch wäre es Unfug zu behaupten, er sei der letzte Superstar. (Und selbst wenn: Wäre das so schlecht?)

In den dunkleren Tagen der Pandemie hat Ethan Hawke einen sechsstündigen Dokumentarfilm darüber gemacht, wie eine Generation von Hollywood-Schauspielern ihre Karrieren nach ihren Vorbildern Paul Newman und Joanne Woodward modelliert hat. Der Titel: The Last Movie Stars. Natürlich liegt eine gewisse Ironie darin, dass diese Feststellung von einem Filmstar kommt.

Es gibt immer noch genügend Sterne in Hollywood, die ein bisschen größer als das Leben selbst leuchten und an die wir uns in kalten Nächten klammern können. Fast alle Filme von Tom Hanks waren ein Hit. Harrison Ford ist 80 und schwingt immer noch die Peitsche im fünften Indiana Jones-Film, der nächstes Jahr in die Kinos kommt. Jennifer Lawrence ist eine der bestbezahlten Schauspielerinnen der Welt. Das neue kleine Drama Causeway (auf AppleTV+) würde nicht existieren, hätte sie nicht eine Hauptrolle darin. Timothée Chalamet, Saoirse Ronan und Zendaya sind nachgerückt.

Dennoch hat Tom Cruise in diesem Sommer einen einzigartigen Stunt hingelegt. Maverick ist der bislang umsatzstärkste Kinofilm des Jahres (ein kleiner Start namens Avatar 2 könnte das noch ändern). Und der stets lächelnde Cruise hat alles getan, was er konnte, um dafür zu werben – außer in den Weltraum zu fliegen, wo er anscheinend für seinen nächsten Film hin will.

Es ist lange her, als Cruise mit Größen wie Paul Thomas Anderson, Stanley Kubrick und Steven Spielberg zusammen gearbeitet hat. Man kann darüber streiten, wie gut er als Schauspieler ist (ich fand ihn immer sehr unterhaltsam), aber er fand eine verstaubte alte Spionage-TV-Serie aus den 1960er Jahren und verwandelte sie in sein eigenes Multi-Milliarden-Dollar-Franchise. Die Mission: Impossible-Fortsetzungen erscheinen 2023 und 2024.

Trotz peinlicher Sprünge auf Oprah Winfreys Sofa und dubiosen Aussagen zu seiner Religion ist Tom Cruise eine gute geölte Maschine. In einer Zeit, in der Stars dazu gedrängt werden, besonders „echt“ zu erscheinen, pflegt er das Image eines unerreichbaren, undurchsichtigen „bigger than life“ Hollywood-Stars. Er hat kein Social Media und gibt kaum Interviews. Sie können all ihre Fantasien auf und in ihn projizieren, weil er eine Marke ist.

Cruise ist einer von wenigen, die immer noch Filme nur fürs Kino machen. Er macht kein Fernsehen und geht nicht ins Streaming. Darin kann man eine gewisse Beständigkeit und Chuzpe erkennen (er kann es sich quasi „leisten“), oder man sieht darin eine gewisse Sturheit und Angst, die sich gegen den Zeitgeist wendet. Einigermaßen erfolgreich wehrt Cruise sich auch gegen das Älterwerden, was ein bisschen gruselig wirkt. Mit 60 Jahren hat er immer noch den gleichen Haaransatz und das gleiche 10-Millionen-Dollar-Lächeln. In der Zwischenzeit haben Kolleg:innen wie Nicole Kidman, Matthew McConaughey und Kate Winslet im Fernsehen welche ihrer besten Rollen gespielt. Tom Cruise lebt immer noch im Jahr 1986.

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Dass ein internationaler Filmstar Taiwans Flagge auf seinem Rücken zur Schau stellt, untergräbt die chinesische Souveränität. Und angesichts der Spannungen zwischen China und Japan wollten die Produzenten wohl auf Nummer sicher gehen, und entfernten auch die rote Sonnenscheibe. Später zogen sich die chinesischen Investoren jedoch wegen der USA-hurrapatriotischen Botschaft des Films zurück. Und so hat es die zensurierte Jacke nicht in die Endfassung des Films geschafft. Stattdessen zieht Tom Cruise in den ersten paar Minuten von Maverick seine Originaljacke an. Amerikaner und Taiwaner jubelten.

Ist das nun ein Beweis dafür, dass Hollywood China endlich Paroli bietet?

Ja und Nein. China ist auf dem besten Weg, die USA als größtes Filmkonsumland der Welt zu überholen. In den vergangenen beiden Jahren hat es das schon getan. Das Land ist zu groß, um es zu ignorieren, aber dort Geschäfte zu machen bedeutet, jedes Geschäft den Launen einer zunehmend unberechenbaren Regierung zu unterwerfen. Nicht alle Hollywood-Studios wollen auf China „verzichten“. Warner Bros. hat für den China-Start von Fantastic Beasts 3 im April einen Dialog entfernt, in dem es um die romantische Vorgeschichte zwischen zwei männlichen Zauberern geht.

Sony brachte den neuen Spider-Man an der chinesischen Zensur nicht vorbei, weil die darauf bestand, dass die Freiheitsstatue aus dem Film geschnitten wird – eine Forderung, die unmöglich erfüllt werden konnte. Die Entfernung der Freiheitsstatue hätte einen Shitstorm in den USA ausgelöst. Es war aber sicher keine leichte Entscheidung für Sony. Das Unternehmen wurde schon in der Vergangenheit für Seven Years in Tibet (1997) bestraft. Die Muttergesellschaft Sony Electronics wurde nach dem US-Filmstart in China verboten, obwohl der Film mit Brad Pitt nicht in China veröffentlicht worden war. Tibet, das seit 1951 von der kommunistischen Regierung in Peking kontrolliert wird, ist eines der sensibelsten Themen der chinesischen Politik. Doctor Strange (2016) hatte ursprünglich eine tibetische Figur im Comic. Disney änderte ihn in eine keltische, gespielt von Tilda Swinton, um den Zugang zum lukrativsten Markt der Welt nicht zu verlieren.

Seit den Neunzigern werden große Hollywood-Filme mit Blick auf China gedreht oder in der Postproduktion verändert. Bis 1994 ging es in den meisten staatlich geförderten chinesischen Kinofilmen um Chinas Geschichte bzw. um Persönlichkeiten, die die Kommunistische Partei preisen. Dann begann die Regierung, eine begrenzte Anzahl von Hollywood-Filmen ins Land zu lassen, beginnend mit The Fugitive mit Harrison Ford. Aus dem Nichts tauchte ein Markt mit 1,4 Milliarden potenziellen Kunden auf. Also begann Hollywood, sich selbst zu zensurieren und Filme zu schreiben, von denen sie wissen, dass sie den Test in China bestehen werden.

Ein bekanntes Beispiel ist auch das Remake des Actionfilms Red Dawn (2012), das von MGM teuer digital verändert wurde, damit China nicht mehr als Bösewicht dargestellt wurde (man nahm stattdessen Nordkorea). MGM bringt auch die James Bond-Filme in China in die Kinos (die übrigens auch schon der Zensur zum Opfer gefallen sind) und kann sich keinen Fehltritt leisten.

Der Amerikaner Erich Schwartzel schreibt: „Unbemerkt von den meisten Kinobesuchern entfernten die Studios Szenen und Dialoge aus Drehbüchern und fertigen Filmen, um die chinesische Zensur zu beruhigen (…) Hollywood wurde zu einem kommerziellen Arm für Chinas neue Ambitionen.“

Aber die Dinge haben sich verändert und die aktuelle Situation hat nicht nur Schwartzel dazu veranlasst, sich zu fragen, ob Hollywood China noch braucht oder umgekehrt. Disney hat seit geraumer Zeit Schwierigkeiten, seine Filme nach China zu bringen, einschließlich des MCU. Seit Avengers: Endgame im Jahr 2019 wurde kein Marvel-Film mehr in China veröffentlicht. Möglicher Grund der kalten chinesischen Schulter: Simu Liu, der Superheldenstar von Shang-Chi, und Chloe Zhao, Regisseurin von Eternals, hatten Berichten zufolge vor Jahren die chinesische Regierung kritisiert.

Im Jahr 2012 sorgte einer der größten Konzerne Chinas, die Dalian Wanda Group, für Aufsehen, indem er die amerikanische Kinokette AMC für 2,6 Milliarden US-Dollar kaufte. Nun hat Wanda im vergangenen Jahr den größten Teil seiner AMC-Anteile wieder verkauft.

China scheint es auch ohne Hollywood gut zu gehen. Die Chinesen haben in jüngster Zeit patriotische Propaganda-Kriegsfilme wie The Battle at Lake Changjin bevorzugt. Immerhin haben sie das populäre Filmschaffen von den Besten gelernt. Im Jahr 2020 wurde das Land zum größten Filmmarkt der Welt, weil Chinas Kinos sich schneller von der Covid-Pandemie erholen konnten als die in Nordamerika. Der Trend setzte sich im vergangenen Jahr fort, wird aber wohl heuer wieder gekippt werden – vor allem wegen Top Gun & Co.

Sicher ist es zu früh, das Ende der Ko-Abhängigkeit zwischen Hollywood und China zu verkünden. Und es an zwei Stück Stoff auf Tom Cruises Jacke fest zu machen, wäre vermessen. Klar aber ist: In dieser Beziehung kriselt es.

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Seine Entscheidung hat Cruise noch höher als geplant in die Stratosphäre befördert: Top Gun: Maverick hat weltweit inzwischen über eine Milliarde US-Dollar eingespielt und ist damit der bislang erfolgreichste Kinofilm des Jahres (und womöglich der erste Monsterhit der Pandemie-Ära, der keinen Superhelden enthält). Gefolgt wird Cruise Control von Doctor Strange in the Multiverse of Madness und Jurassic World: Dominion (unsere Kritik); weitere Umsatzbringer waren der Pixar-Film Lightyear und Baz Luhrmanns Elvis-Biopic (unsere Kritik). Der Juni brachte das höchste nordamerikanische Einspielergebnis seit Beginn der Pandemie im März 2020 – obwohl es etwa ein Drittel weniger Studiofilme gibt als in einem „normalen“ Sommer.

Die größte Konkurrenz fürs Kino? Natürlich die Couch. Vor vierzig Jahren etablierten Filmstudios das Modell für Sommer-Spektakel mit hohem Budget, die dann zu Franchises monetarisiert werden konnten. Heute verkörpert Stranger Things eine neue Art von Sommer-Blockbuster, und das hat nicht zuletzt mit dem Erfolg von Game of Thrones zu tun. CGI-Schlachten kann man seitdem auch zu Hause gut finden. Der Hauptkonkurrent von Top Gun war also nicht, wie sonst, ein anderer Tentpole-Film, sondern es waren die ersten sieben Folgen von Stranger Things: Staffel 4 und die ersten beiden Folgen von Obi-Wan Kenobi, die am Kino-Release-Tag von Top Gun auf Netflix und Disney+ gestartet sind. Das Erstaunliche daran: Diese Streaming-Hits standen Maverick ebenso wenig im Weg wie die letzten zwei Kapitel von Stranger Things 4 vergangenes Wochenende dem Kinostart von Minions: The Rise of Gru (dafür hat der Film mit den animierten gelben Kerlchen inzwischen andere, seltsame Schlagzeilen gemacht). Mit einem 127-Millionen-Dollar-Debüt am 4. Juli brach Minions in den USA jedenfalls Feiertagsrekorde – für die Branche ein ermutigendes Zeichen dafür, dass sich das Kino langsam aber sicher von der Pandemie erholt. „Theaters Finally Celebrate Independence from Covid“, schrieb das Branchenblatt IndieWire.

Jordan Peeles Nope (US-Start: 22. Juli) hat das Potenzial, ein weiterer Hit des Sommers zu werden, und dann ist da natürlich noch Thor: Love and Thunder, der neue Marvel-Blockbuster von Taika Waititi, der hierzulande schon dieser Tage erscheint (mehr dazu in unserer kommenden Kinovorschau).

Während der Juli 2022 Beobachter:innen zufolge mit Abstand der stärkste seit 2019 werden sollte, werden die Gewinne an der Kinokasse mit dem Ende des Sommers nachlassen. In den Spätsommermonaten gibt es in der Regel eher keine Blockbuster – zumindest nicht im Kino. Für Fans massentauglicher Filme muss das freilich kein Grund zur Traurigkeit sein, denn diese wandern dann einfach wieder ins Fernsehen ab. Die Streamer-Landschaft ist von Ende August bis Anfang September mit TV-Blockbustern übersät: angefangen bei She-Hulk: Attorney at Law, über House of the Dragon und Star Wars: Andor, bis hin zu The Rings of Power, Amazons gepriesener Milliarden-Dollar-Version von The Lord of the Rings.

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Manche Sequels kommen spät, und wirklich drauf gewartet hat in diesem Fall wohl kaum noch wer. Der Produktionsprozess von Top Gun: Maverick zog sich über Jahre, ein ewiges Hin und Her, das unter anderem dem Problem geschuldet war, wie man die Geschichte in die Jetztzeit überträgt. Schließlich liege, wie vulture.com schon 2010 vermeldete, der Fokus der United States Navy Fighter Weapons School inzwischen „less on the spectacular and dramatic air-to-air dogfights“ sondern in der Befähigung der Piloten, „to drop very large bombs on very small ground targets“. Was natürlich keine so schönen Heldengeschichten abgibt. Dem Trailer nach zu urteilen, haben sich die Produzenten (u.a. Jerry Bruckheimer und Tom Cruise), Drehbuchautoren (u.a. Ehren Kruger) und Regisseur Joseph Kosinski darauf verständigt, derlei Feinheiten der aktuellen Militärpraxis zu ignorieren und so zu tun, als wäre, in dieser Hinsicht, für immer 1986. (Und doch kann man diesem Film so einiges abgewinnen, findet unsere Rezensentin.)

Wenn die Deutschen den 2. Weltkrieg gewonnen hätten, würden heute wahrscheinlich nur noch solche Filme gedreht: Immenhof 2 – Das große Versprechen besticht durch Postkartenbilder schöner Natur, junger Frauen, die auf Pferden reiten und durch viele Sätze, die klingen, als hätte sie jemand ausgestanzt („Ich dachte, das Triple wär vom Tisch“, „Das hat bis heute noch kein Pferd geschafft“, „Das Triple. Nur darauf kommt es an.“). Ein Film, der so gesund wirkt, das man beim Zuschauen Atemnot bekommt.

U.a. der Falter empfiehlt folgenden Film, die Synopsis geht so: Man ist nie zu alt, um sein Leben zu ändern. Das sagen sich Attilio, Giorgetto und der Professore, drei auf unterschiedliche Weise leidgeprüfte Pensionisten aus Rom, die sich entschließen, auszuwandern. Aber wo genau wollen sie hin? Das ist nur eine von vielen Fragen, die es in Cittadini del Mondo – In der Ferne liegt das Glück zu klären gilt. Als sie bei den Vorbereitungen den jungen Malier Abu kennenlernen, nehmen sie sich des mittellosen Flüchtlings an.

Nach zwei Jahren Jahren „digitaler Abstinenz“ ist Vienna Shorts, das internationale Kurzfilmfestival, auf Wiener Leinwände zurückgekehrt: Ganze 360 Filme (aus 70 Ländern), das geht sich innerhalb von fünf Tagen nur unter dem früheren Motto des Festivals – „Langfilme sind Angeber“ – aus, wenn nämlich das einzelne Stück deutlich kürzer ist als zum Beispiel 130 Minuten Cruise Control. Apropos, liebe Vienna Shortler: Wollt ihr euch mal die Mühe machen, die Durchschnittslänge der Filme eures Gesamtprogramms auszurechnen respektive von eurem Datenbankprogramm ausrechnen zu lassen? Würde uns interessieren.

Neben einem Ukraine-Special, Baulücken-Freiluftkino plus Konzert, einer Late-Night-Schiene und Performances widmet sich Vienna Shorts im Rahmen einer Personale dem exorbitanten Werk von Laura Huertas Millán zwischen Film, zeitgenössischer Kunst und Forschung. Die gebürtige Kolumbianerin wählt den Begriff Ethnographic Fiction für ihre Arbeitspraxis und stellt Exotismus, Ethnographie und Anthropologie in eine dynamische Wechselbeziehung. „Ihre Filme lassen sich als vielgestaltige Herausforderung lesen, herkömmliche Betrachtungsmuster zu hinterfragen bzw. neu zu justieren“, sagt Dietmar Schwärzler, Geschäftsführer von sixpackfilm und Kurator des zweiteiligen Programms.

Zentrale Spielstätte ist das Stadtkino im Künstlerhaus, gespielt wird noch bis 30. Mai. Nach der Preisverleihung werden Wettbewerbsfilme weiterhin online gezeigt, bis 30. Juni.

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Manche Sequels kommen spät, und wirklich drauf gewartet hat in diesem Fall wohl kaum noch wer. Der Produktionsprozess von Top Gun: Maverick zog sich über Jahre, ein ewiges Hin und Her, das unter anderem dem Problem geschuldet war, wie man die Geschichte in die Jetztzeit überträgt. Schließlich liege, wie vulture.com schon 2010 vermeldete, der Fokus der United States Navy Fighter Weapons School inzwischen „less on the spectacular and dramatic air-to-air dogfights“ sondern in der Befähigung der Piloten, „to drop very large bombs on very small ground targets“. Was natürlich keine so schönen Heldengeschichten abgibt. Dem Trailer nach zu urteilen, haben sich die Produzenten (u.a. Jerry Bruckheimer und Tom Cruise), Drehbuchautoren (u.a. Ehren Kruger) und Regisseur Joseph Kosinski darauf verständigt, derlei Feinheiten der aktuellen Militärpraxis zu ignorieren und so zu tun, als wäre, in dieser Hinsicht, für immer 1986. (Und doch kann man diesem Film so einiges abgewinnen, findet unsere Rezensentin.)

Noch einmal Krieg, diesmal nicht als Technik fetischisierendes Spektakel, sondern in edel-getönten Farben: Die Täuschung erzählt, natürlich basierend auf historisch belegten Ereignissen, wie die Engländer im 2. Weltkrieg die Deutschen spektakulär übers Ohr gehauen haben. Um von der geplanten Invasion Siziliens abzulenken, wird eine Leiche über dem Meer abgeworfen, mit gefälschten Plänen in der Uniformtasche. Operation Mincemeat heißt Die Täuschung in der Originalversion; Regisseur John Madden und das Drehbuch von Michelle Ashford lösen das narrative Problem von Historienfilmen, das entsteht, wenn der Ausgang einer Geschichte bekannt ist, recht souverän. Die Täuschung konzentriert sich auf den Prozess und zeigt im Wesentlichen Charakterköpfe, die miteinander diskutieren, geistreiche Sachen sagen und hin und wieder dem Pathos freien Lauf lassen.

Wenn die Deutschen den 2. Weltkrieg gewonnen hätten, würden heute wahrscheinlich nur noch solche Filme gedreht: Immenhof 2 – Das große Versprechen besticht durch Postkartenbilder schöner Natur, junger Frauen, die auf Pferden reiten und durch viele Sätze, die klingen, als hätte sie jemand ausgestanzt („Ich dachte, das Triple wär vom Tisch“, „Das hat bis heute noch kein Pferd geschafft“, „Das Triple. Nur darauf kommt es an.“). Ein Film, der so gesund wirkt, das man beim Zuschauen Atemnot bekommt.

Wesentlich sympathischer ist da das versoffene Eckkneipen-Universum in Heikos Welt, das der Titelheld durchreist, um mit Dartspielen genügend Geld zusammenzubekommen, um seiner Mutter eine Augen-OP zu finanzieren. Diese etwas gewollte Plotkonstruktion hätte es gar nicht gebraucht, Dominik Galizias Film überzeugt durch Milieu- und Charakterstudien einer in Zeiten des Kneipensterbens wenn nicht untergehenden, so doch zunehmend dünner besiedelten Welt. Martin Rohde spielt den schief in die Landschaft gestellten Heiko, der vor allem gerne Bier trinkt, ganz wunderbar. Vielleicht sollten in Deutschland einfach mehr Eckkneipen- und weniger Pferdehoffilme gemacht werden.

Dass Männer, wenn sie unter sich sind, über Sex sprechen, kommt selten vor. Meist geht es um Macht, wenn über Sexuelles gesprochen wird, und das, worum es sonst noch gehen könnte, kommt nicht zur Sprache. Die Kamera in Jonas Rothlaenders Dokumentarfilm Das starke Geschlecht – Männer reden über Sex scheint da eine fokussierende Wirkung zu haben: In dem Moment, in dem man weiß, das potenziell jeder und jede hören kann, was man sagt, beginnt ein komplexer Prozess der Wahrheitsfindung – Wahrheiten über einen selbst und das Verhältnis zu anderen. Das Setting: Die Interviewten werden mit anonymen Erfahrungsberichten anderer Männer zum Thema Sexualität und Begehren konfrontiert und kommen von da aus ins Reflektieren. Die Leitfrage: „Wenn fast jede Frau aus meinem Umfeld schon mal sexuelle Belästigung oder Gewalt erlebt hat, was sagt das dann über meine männlichen Freunde und mich selbst aus?“ Dem Film ist eine Triggerwarnung vorgeschaltet, und wirklich hoffnungsfroh stimmt einen all das nicht. Aber alles, was derartige Gespräche in Gang bringt, kann man nur begrüßen.

Formal um einiges gewagter ist James Bennings The United States Of America, der auf Bennings gleichnamigen Film von 1975 zurückverweist (als der US-Avantgardist noch ein Geheimtipp war). Eine geschichtsgesättigte Aufnahme des heutigen Amerika in langen, statischen Einstellungen (auch diese Art des Filmemachens hat mit Slow Cinema zu tun), einmal durch alle Staaten des Landes, alphabetisch sortiert und hinterlegt mit voice over und field recordings. „I want to confront people with time“, hat James Benning einmal in einem Interview erklärt. Allerdings wüsste er auch nicht, ob Zeit existiert. Ob sie existiert oder nicht, zumindest bekommt man sie als Zuschauer:in von Bennings Filmen zu spüren. Wenn man sich in diese Bilder einklinkt, verlangsamt sich das Sehen und das Denken, und wird, bilde ich mir zumindest ein, genauer als sonst im Kinosaal.

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Es begab sich also zu jener Zeit, in der es weder Internet noch Smartphones gab, Männer kernige Kerle waren und Frauen ausladende Föhnfrisuren trugen; Mitte der 1980er Jahre war das und die Welt war auch damals schon nicht in Ordnung: Ronald Reagan, Margaret Thatcher, Franz Josef Strauß; in jener grauen Vorzeit also begab es sich, dass ein mit etwa 1,70 Metern Höhe nicht eben beeindruckend großer Mann zum Weltstar aufstieg, und zwar buchstäblich, in einem Film nämlich, in dem der Tradition des Dogfight gehuldigt wurde, der hohen Kunst des Kurvenkampfes in einem Luftgefecht zwischen zwei oder mehreren Flugzeugen. Der Film hieß, genau, Top Gun, entstanden unter der Regie von Tony Scott, Gott hab ihn selig, und Lt. Pete Mitchell, der Alphamann in seinem Zentrum, trug den Fliegerbeinamen „Maverick“ (engl. Alleingänger) und wurde gespielt von, genau, Tom Cruise. 36 Jahre ist das her, gut dreieinhalb Dekaden, Tom Cruise war 24 Jahre alt; ein junger Hupfer, der mit seinem Markenzeichen, dem Strahlemannlächeln, Alles und Jeden, vor allem aber: Jede, niederstrecken konnte. Wobei diesem Cruise’schen Lächeln damals schon, ja eigentlich von Beginn an, jene Brüchigkeit innewohnte, die seine Darstellungen oberflächenpolierten, männlichen Durchsetzungswillens und Erfolgsdenkens nicht lediglich mit (Selbst-)Zweifeln anreicherte, sondern mit Abgründen durchzog. Erfüllung erfuhr dieser Mann allenfalls in der Konfrontation mit den nackten, harten Fakten existenziellen Unbehaustseins und/oder im Angesicht des Todes in einer Mischung aus Adrenalin- und Endorphinrausch. Alle besseren, nein: herausragenden Arbeiten in Cruisens Filmografie – darunter Interview with the Vampire (Neil Jordan, 1994), Eyes Wide Shut (Stanley Kubrick, 1999), Magnolia (Paul Thomas Anderson, 1999), Collateral (Michael Mann, 2004) – bezeugen dies.

In ein paar Wochen, am 3. Juli 2022, wird Tom Cruise nun seinen sechzigsten Geburtstag feiern, und weil diese Vorstellung noch nicht absurd genug ist, schenkt er sich und uns die von ihm lange verweigerte und von den Fans hartnäckig gewünschte Fortsetzung oben erwähnten, ja tatsächlich, Kultfilms. Top Gun Maverick, produziert natürlich vom Actionman himself, und in Szene gesetzt von Joseph Kosinski, springt haushoch über die Latte, die der Vorgänger gelegt hat, und landet in einem verblüffend ähnlichen Terrain. Und damit ist nun nicht lediglich gemeint, dass die Chose erneut in jener titelgebenden Elite-Fliegerschule sowie auf einem Flugzeugträger angesiedelt ist, sondern dass sie mit ihrer freudigen Feier von Heldenmut und Maskulinität geradezu erschütternd altmodisch wirkt. Es ist, als ob die Zeit stehen geblieben wäre. Sieht man davon ab, dass es diesmal in der Top Gun-Kampfpiloten-Klasse immerhin EINE Frau gibt (was möglicherweise sogar den tatsächlichen prozentualen Verhältnissen an militärischen Elite-Schulen entspricht). Und auch wenn Maverick mit der on-off-geliebten Bardame Penny (Jennifer Connelly, die zweite Frau an Bord des Bretts) im Bett landet, blitzt etwas gegenwärtige Verfasstheit auf: Zum einen bleiben uns Gestöhne und Gliedmaßengewirr gnädig erspart, und zum anderen sind die Verhältnisse anschließend lustiger- und ungewöhnlicherweise mal umgekehrt: postkoital liegt nämlich die Lady obenrum bekleidet neben dem Mann obenohne, und die beiden plaudern zwanglos lange genug, dass die Erkenntnis dieser textilen Umkehr insbesondere bei der Zuschauerin als durchaus wohltuende Ansage einsickern kann.

Ansonsten aber Testosteron, eingeölte Sixpacks und Hahnenkämpfe so weit das Auge reicht. Das hat in seinem Zu-spät-Gekommensein – pandemiebedingt war der Start des 2020 fertiggestellten Films viele Male verschoben worden – auch etwas Rührendes an sich. Jedenfalls so lange man sich nicht fragt, ob man(n) derart unreflektiert an die thematisch-emotionale Gemengelage eines Films anknüpfen sollte, dem seinerzeit nicht zu Unrecht Militär-Propaganda vorgeworfen wurde. Einerseits. Andererseits waren damals und sind nun wieder die atemberaubend hanebüchenen Flugmanöver die eigentlichen Schauwerte. Die Stunts in Top Gun Maverick sind allererste Sahne, weil, wo Tom Cruise drauf steht, auch Tom Cruise drin ist. Also keine Drahtseilakte vor Greenscreen und keine CGIs, die einem ein X für ein U vormalen, sondern reale Körper in realen Flugzeugen unter g-Kraft. Da hüpft das Herz einer jeden Liebhaberin des guten alten Action-Handwerks, das sich hier Maschinen bedient, deren Dienstbarkeit in etwa der einer wild gewordenen Rinderherde entspricht. Muss man sich ja auch erstmal trauen.

Und vielleicht ist es eben das, was eine:n mit der nostalgischen Retro-Haltung, die hier zum Ausdruck kommt, versöhnt: Ein schon etwas älterer Herr steigt in einen Kampfjet und beschleunigt auf Überschallgeschwindigkeit. Er pfeift auf Bedenkenträger und Sicherheit, er lässt es krachen. Er muss es krachen lassen, weil er einen Auftrag hat. Er will sein Publikum unterhalten. Er muss an Grenzen gehen. Die Existenz ist eine Herausforderung, die es anzunehmen gilt. Alles andere ist langweilig, und Langeweile kommt nicht in des Cruisers Tüte.

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