Auch nicht ganz klar: Wer der Titelheld genau ist. Leere Männer gibt es in diesem Film jedenfalls mindestens zwei, und am Ende fließen sie dann auch vollends einander. Der eine ist das Monster, der andere der Ermittler: Der Ex-Cop James (James Badge Dale) läuft nach dem Tod von Frau und Kind mit entleertem Blick durch die Szenerie, frisst die Antidepressiva gefühlt mit beiden Händen und schlingert teilnahmslos von mittelschwerer Verzweiflung zu innerer Leere und wieder zurück.

Die Tochter einer Freundin verschwindet, und er nimmt die Ermittlungen auf. Die werden dann, man kennt es zum Beispiel aus Angel Heart und einem Großteil des klassischen Film Noir, zu einer Reise zu sich selbst. Und das ist keine Landpartie, sondern ein Abstieg zur eigenen Schuld, der durch diese Schuld verstellten Trauer und überhaupt dem leider realistischen Gefühl, dass man das eigene Leben komplett verpfuscht hat.

The Empty Man funktioniert als Horrorfilm nur mittelgut. Es gibt zwei, drei unheimliche Momente und eine Handvoll obligatorischer Jumpscares. Das aber ist kein Mangel, wenn man seine Erwartungen rechtzeitig justiert: Nach einer Dreiviertelstunde Laufzeit drängt sich der Eindruck, dass das Genre hier nicht viel mehr als ein Gerüst bildet, sehr auf. Horror sozusagen als Medium für einen filmischen Essay über Depression. Die Erkrankung geht hier am Ende bis zur Selbstauflösung, das Monster als Metapher macht es möglich. Wenn man sich die Geschichte des leeren Mannes nicht als Gruselgeschichte erzählen lässt, sondern als eine Art Diagnose, als Analyse einer Detektivfigur, die sich selbst ein Rätsel ist, werden einem die zweieinviertel Stunden nicht zu lang.

Der Beitrag The Empty Man (2020) erschien zuerst auf filmfilter.

Die Handlung ist einfach, fast wie die eines alten Western: Swayze spielt den romantisierten Türsteher Dalton, der angeheuert wird, um eine heruntergekommene Kneipe aufzuräumen, die von „Powertrinkern“, Schlägertypen und aufreizenden Damen bevölkert wird. Aber das amerikanische Kaff, in dem die Geschichte spielt, gehört einem Superschurken, gespielt von John Cassavetes Repertoire-Schauspieler Ben Gazzara, und der mag den Laden rauflustig.

Mehr muss man wirklich nicht wissen. Der stoische Dalton, ein studierter Philosoph, wird die Stadt vom Tyrannen befreien. Wenn er nicht gerade Sex im Stehen mit der örtlichen Ärztin (Kelly Lynch) hat, dann macht er Tai Chi mit eingeölter Brust (während ihn zwei Männer dabei bewundern) oder stürzt sich halbnackt auf ein fahrendes Motorrad. Wie Patrick Swayze damals sowohl an Männer als auch an Frauen verkauft wurde, ist bis heute faszinierend. Er war eine Mischung aus Bruce Lee und Gene Kelly. Auch großartig: Sam Elliott als sein souveräner Mentor.

Die Kritiker:innen haben den Film damals verrissen, aber inzwischen hat er Kultstatus. Produziert hat ihn Joel Silver, der auch für die Matrix-Reihe und das Lethal Weapon-Franchise verantwortlich zeichnete. Kameramann war Dean Cundey, zu dessen Credits Back to the Future und viele Filme von John Carpenter (Escape from New York, The Thing etc.) zählen. Mit anderen Worten: Es gab wirklich keinen Grund, ein Remake von diesem Film zu machen, der perfekt in die lockeren 1980er gepasst hat. Trotzdem gibt es nun eine Neuauflage – mit Jake Gyllenhaal in der Hauptrolle unter der Regie von Doug Liman. Und wie soll man sagen: Der neue Road House ist durchaus unterhaltsam auf seine eigene schwachsinnige Art, aber man ist es dem Original wirklich schuldig, damit zu beginnen – allein der rausgeschnittenen Einzeiler wegen.

Der Beitrag Road House (1989/2024) erschien zuerst auf filmfilter.

Der von David Chase und Lawrence Konner geschriebene Film erzählt die Vorgeschichte, also das Werden von Tony Soprano, der in Many Saints von Michael Gandolfini, dem Sohn des 2013 verstorbenen James Gandolfini, gespielt wird. Eine Geisterstunde auch in diesem Sinne. Wenn man viel Zeit mit den Sopranos verbracht und sie alle, wie man so sagt, in sein Herz geschlossen hat, sieht man viele wandelnde Tote.

The Many Saints of Newark ist auch in der Hinsicht ein sehr kluger Film, dass er sich nicht auf das Naheliegendste konzentriert (wenn auch die Tagline zum Film „Who made Tony Soprano?“ heißt), sondern auf eine im Serienkosmos bislang eher marginale Figur umschwenkt, den Vater von Christopher Moltisanti (hier präsent mit der Stimme von Michael Imperioli). Ein Kleingangster, der für den Aufstieg vorgesehen ist, aber, wie viele Gewaltmänner aus dem Mafia-Mittelbau, an der eigenen Gewaltneigung und am toxischen Ehrenkodex scheitert. Ein tragisch-ödipaler Motherfucker außerdem, der den eigenen Vater (gespielt von Ray Liotta, womit die Verbindung zwischen dieser Serienwelt und Good Fellas noch einmal enger wird) umbringt und mit seiner Stiefmutter ins Bett geht. Sehr schön, wie auch auf der Leinwand banale Gewalt, Komik und eine Tragödie griechischen Ausmaßes zusammenfinden. Außerdem verwebt das Script die Wurstereien des Newarker Kriminellen-Adels mit den Race Riots der späten Sechzigerjahre.

Die Übertragung vom Serien- ins Filmformat funktioniert jedenfalls. The Many Saints of Newark ist kein alles erklärendes Prequel, sondern eine Ergänzung auf einem Nebengleis, die sich anfühlt wie ein brillant geschriebener 120-Seiten-Groschen-Roman, den man in einem Zug wegliest.

Der Beitrag The Many Saints of Newark (2021) erschien zuerst auf filmfilter.

Karl wird gespielt von August Diehl, und 23 ist einer der Fälle, bei denen Rolle und Schauspieler auf eine rundum ideale Weise zusammengefunden haben. Diehl spielt den renitent-eigensinnigen, dann mehr und mehr paranoischen jungen Mann erst mit einem überlegenen, aber doch in sich gekehrten Lächeln. Dann als einen, dessen Fokussiertheit die spätere Manie schon erahnen lässt. Und am Ende mit erloschenen Augen, als weit vor der Zeit gealterten Menschen, der zur Büropflanze geworden ist, die von ihren Erinnerungen lebt.

23 basiert auf der Lebensgeschichte des Hackers Karl Koch, der im Alter von nur, natürlich, 23 Jahren unter ungeklärten Umständen zu Tode gekommen ist. Man hätte aus dem Stoff einen True-Crime-Reißer machen können, ohne Weiteres. Schmid allerdings ist schon mit seinem zweiten Kinofilm gelungen, was auch seine späteren wie Requiem oder Wir sind dann wohl die Angehörigen (mehr dazu hier) auszeichnet. Das Spektakuläre wird unspektakulär erzählt, nämlich im Gestus abgeklärter Melancholie. In dieser Abgeklärtheit löst alles Exploitative des True-Crime-Genres sich einfach auf, und das ist schön.

Als umfangreiches Mediabook bei Turbine Medien, selbstverständlich limitiert auf 2323 Exemplare.

Der Beitrag 23 – Nichts ist so wie es scheint (1998) erschien zuerst auf filmfilter.

Zu Beginn rollt ein schwarzes Taxi durch ein Nebelmeer. Auf der Rückbank sitzt nicht eine, sondern zwei Tilda Swintons. Eine hat rotbraunes, kurzes Haar und sieht im Grunde wie die britische Schauspielerin in natura aus. Die andere hat weißes Haar und ist wesentlich älter. Sie fahren in ein abgelegenes Hotel am Land, wo sie den Rest des Films in einer Schauergeschichte verbringen werden. Das Landhotel ist wie ausgestorben. Geräusche ertönen im Dunkeln. Irgendwo tickt eine Uhr. Nebel wabert immer und überall. Die Mutter Rosalind hat ihre Kindheit hier verbracht, bevor das Haus zum Hotel wurde; deren Tochter Julie glaubt, ihr etwas Gutes zu tun, indem sie die alte Frau hierher bringt. Aber sie will auch einen Film über die beiden schreiben und beginnt, ihrer Mutter Erinnerungen zu entlocken, die schmerzhafter sind, als sie vermutet hatte.

Als Meisterin von Meta-Geschichten wird Joanna Hogg hier wieder einmal sehr persönlich. Genauer gesagt verhört sie sich selbst und stellt sich die Frage: Hat sie überhaupt das Recht, einen Film über ihre Mutter zu machen? Noch persönlicher wird der Film durch den Umstand, dass Joanna Hoggs eigene Mutter starb, während sie The Eternal Daughter im Schneideraum fertig stellte. Es ergibt Sinn, dass sie Swinton als sie selbst castet. Hogg hatte die damals noch unbekannte 26-Jährige in ihrem Kurzfilm Caprice (1986) besetzt, die beiden kennen einander seit ihrer Kindheit. Niemand ist besser gerüstet, um Hogg zu spielen und Tilda, die mit Tilda spielt, ist mit ihrem kühlen Porzellanteint wie geschaffen für solch einen gespenstisch-traurigen Film.

Es ist eine gemächliche, melancholische Geschichte über die Geister, die wir mit uns herumtragen. Der sanfte Schrecken liegt vor allem in der Inszenierung und im Sound, dem heulenden Wind, den lauernden Schatten, aber auch in einer Angst einflößenden Frage, die uns zum Nachdenken bringt: Wie gut kennen wir unsere Eltern wirklich?

Der Beitrag The Eternal Daughter (2022) erschien zuerst auf filmfilter.

Ein Roadmovie under the influence: Raoul Duke (das Alter Ego von Hunter S. Thompson, manisch gespielt von Johnny Depp) und sein Anwalt Dr. Gonzo fahren durch die Wüste von Nevada, besuchen ein Offroad-Rennen, zerlegen ein Hotelzimmer, halluzinieren fast unterbrochen, zerstreiten sich, dann geht es weiter. Fear and Loathing in Las Vegas hat auch ein Vierteljahrhundert nach der Premiere nicht viel von seinem Zauber verloren. Sondern wirkt immer noch. Vielleicht auch, weil der ganze Wahnsinn nichts Selbstzweckhaftes hat, sondern ein durchaus melancholischer Abgesang auf die Gegenkultur der Sechzigerjahre ist, erzählt aus der Perspektive des Jahres 1971. Der Rausch kippt am Ende ins latent Gewalttätige, das hier nicht mehr einfach der repressiven Normalität zugeschlagen wird, sondern von Dr. Gonzo selbst ausgeht. Einer der besten Filme über die Sechziger Jahre beziehungsweise über ihr Ende.

Als bonusmaterialreiches limitiertes Mediabook bei Turbine Medien

Der Beitrag Fear and Loathing in Las Vegas (1998) erschien zuerst auf filmfilter.

Finchers Oeuvre ist ein Totentanz der Berufsmörder, und in der trügerischen Ruhe vor der Gewalt zeigt er sich von seiner besten Seite. Der Held, gespielt vom immer großartigen Michael Fassbender, hockt in einem leeren WeWork-Büro (das einst gehypte Unternehmen ist passender Weise gerade in Konkurs gegangen). Dort beobachtet er im Rear Window-Stil, wie Pariser auf der Straße ihren Geschäften nachgehen. Während er darauf wartet, dass seine Zielperson im Hotel gegenüber auftaucht, macht er Yoga oder ein Nickerchen und erzählt aus dem Off über die wahre Schwierigkeit seines Jobs, nämlich die Langeweile zu ertragen. Der berühmte Refrain von „How Soon is Now“ („I am human and I need to be loved“ ) wurde wahrscheinlich noch nie mit solcher Ironie umgesetzt.

Fincher, berühmt für Themen wie Besessenheit, Voyeurismus und akribische Zwänge, ist auch berüchtigt für seinen Perfektionismus, der sich gar nicht allzu sehr von dem des Killers unterscheidet. Fehler sind nicht erlaubt. Der Killer wartet und siehe da, das Ziel ist endlich da. Der Puls muss auf etwa 60 runter. Das verringert die Fehlerquote. Er zieht sich Handschuhe an, nimmt Augentropfen, schultert sein Scharfschützengewehr – und dann verfehlt er sein Ziel. Noch schlimmer, er erschießt die falsche Person. „Oh.“

Als der Killer nach Hause zurückkehrt, liegt seine Freundin bereits im Krankenhaus. Und da haben wir jetzt unseren Rachefilm. Sicherlich keine ganz neue Idee, aber eine hier handwerklich einwandfrei, wenn nicht gar virtuos umgesetzte. Fincher, der für diese Adaption der französischen Graphic Novel-Serie „Le Tueur“ wieder mit Se7en-Drehbuchautor Andrew Kevin Walker zusammengearbeitet hat, glänzt an Stellen mit Deadpan-Humor. The Killer wird sich wohl kaum an die Spitze seines Schaffens drängen, aber Fincher verfehlt sein Ziel nicht. Bonus: Tilda Swinton in einer kleinen Nebenrolle als „Expertin“, die Whiskey-Spezialitäten kippt, während sie ihrem eigenen Tod in die Augen blickt.

Wie man diesen Killer in sieben leichten Schritten erfindet, hat übrigens die New York Times kundig aufgeschrieben.

Der Beitrag The Killer (2023) erschien zuerst auf filmfilter.

Hans-Christian Schmids Film Wir sind dann wohl die Angehörigen nimmt das Thema aus dem Genre allerdings raus und verschiebt die Perspektive, hin zu den Titelhelden, der Ehefrau Ann Kathrin Scheerer (Adina Vetter) und Johann Scheerer (Claude Heinrich), ihrem Sohn. Und auf die Interaktionen mit den Ermittlern, die die Situation eher suboptimal managen. Lösegeldübergaben gehen schief, die Kommunikation mit den Entführern klappt nicht.

So weit der Plot, der hier aber nicht im Zentrum steht. Hans-Christian Schmid interessiert sich, wie eigentlich immer in seinen Filmen, sehr für seine Figuren und schaut auf sie mit einem empathischen, aber nie übergriffigen Blick. Die Distanz bleibt gewahrt, was in Wir sind dann wohl die Angehörigen passiert, geschieht langsam und in eher matten Farben. Bald sind alle erschöpft, vom Warten, davon, dass immer alles schiefgeht. Das Interesse des Films ist auch ein analytisches. Schmid hat einen Film über eine Entführung gedreht, der ohne Suspense und Action auskommt.

Eine Art Coming-of-Age-Geschichte nicht zuletzt. Johann Scherer, auf dessem autobiografischen Buch der Film basiert, wird von der Entführung seines Vaters mitten während Pubertätskonflikten und Abnabelungsprozessen getroffen. Alles das – die Fehler, die Zermürbung, die Entwicklung eines Jugendlichen, der in eine extreme Situation gerät – wird hier ohne Aufregung, aber, wie gesagt, mit großer Einfühlung aufgezeichnet und verdichtet.

Erhältlich gegen moderates Entgelt auf diversen Plattformen, z.B. hier

Der Beitrag Wir sind dann wohl die Angehörigen (2022) erschien zuerst auf filmfilter.

In Master Gardener wird das Exempel an einem sanftmütigen Gärtner statuiert, der allerdings – wir ahnen es von jenem Moment an, in dem wir seines messerscharf gezogenen Scheitels ansichtig werden – ein Geheimnis verbirgt. Man kann es durchaus witzig, mindestens ironisch finden, dass kurze Rückblicke in Narvel Roths Neonazi-Vergangenheit diesen als verzottelten Hinterwäldler zeigen. Die Akkuratesse hat er sich offenbar erst mit seiner Rehabilitierung als Gärtner auf dem historisch bedeutsamen Anwesen der alternden Südstaatenlady Norma Haverhill angewöhnt. Die Lady weiß auch noch ganz anderen Nutzen aus dem in vollem Saft stehenden Mannsbild zu ziehen, das sie „Sweet Pea“ nennt, und dessen rassistisch durchtätowierter Oberkörper vom Animalischen seiner (vormaligen) Existenz Zeugnis ablegt.

Das Arrangement wird auf seine Sollbruchstellen hin getestet, als Maya, die „gefallene“ Großnichte („of mixed blood“) von Ms. Haverhill, bei Roth in die Lehre gehen soll und die beiden sich ineinander verknallen. Das gibt Sigourney Weaver die Gelegenheit, ihre alternde Südstaatenlady dergestalt eifersüchtig zu geben, dass auch Joel Edgerton, der seinen Gärtner als Hoffender against all odds anlegt, mal besser in Deckung geht. Die Vertreibung aus dem Paradies schweißt das alternativ zu Adam und Eva – und quer zu Ideologien, Lebensweisen und Hautfarben – entworfene Paar Narvel und Maya jedoch erst richtig zusammen. Es erfolgt die Rückeroberung des Paradiesischen. Zunächst in Gestalt einer wunderbar abstrus als explodierende Blumenwiese entworfenen Sex-Metapher – und dann konkret als gewaltsames Eindringen in verlorenes Terrain. Zuletzt wird der von Weaver verkörperten Schöpfergöttin von den im Garten Eden immerhin auch nicht untätigen Geschöpfen eine Ansage gemacht. Auch eine Lösung. Es mag vielleicht nicht ganz die erhoffte Er-Lösung sein, aber eine schöne, höhere Ordnung ist es doch. Was halt mit Menschenkräften möglich ist … denn der Geist ist willig, und das Fleisch bekanntermaßen oh so schwach.

Auf Disc bei Leonine Studios oder gegen moderates Entgelt bei diversen Streamern

Der Beitrag Master Gardener (2022) erschien zuerst auf filmfilter.

Der Leipziger Regisseur Stuber und sein Kameramann Peter Matjasko beginnen das Drama mit einer außergewöhnlichen Einführung in den leeren Laden bei Nacht, begleitet von „An der schönen blauen Donau“ von Johann Strauss. Die Tänzer in diesem besonderen Walzer sind die durch die Gänge gleitenden Gabelstapler, die, wie wir später erfahren, ein erhabenes Meergeräusch erzeugen, wenn sie langsam aus- und eingefahren werden.

Die einsamen, lakonischen Arbeiterherzen im Kern der Geschichte gehören Sandra Hüller und Franz Rogowski. Er schuftet bei den Getränkekisten, sie bei den Süßwaren. Die Handlung spielt sich eben „in den Gängen“ ab, irgendwo zwischen Tiefkühltruhen und Gummibärchen. Die beiden flirten am Kaffeeautomaten und schießen einander Blicke durch Regale zu. Es geht hier um die kleinen Gesten im Alltag vermeintlich kleiner Leute, die alles andere als schlicht sind. Rogowski, der gerade als Fassbinder-Verschnitt in Passages im Kino zu sehen ist, kann diese Art von charmantem, wortkargen Eigenbrötler natürlich im Schlaf spielen. Hüllers Marion suggeriert mit nur wenigen Blicken und einem Lächeln um ihre Mundwinkel, was sie alles gerne tun würde, wäre sie nicht verheiratet.

Bereits zum dritten Mal verfilmt Stuber eine Vorlage von Co-Drehbuchautor Clemens Meyer (Von Hunden und Pferden, Herbert), und sie finden echte Menschlichkeit und auch Schönheit in der fast schon banalen Stimmung ihrer Figuren. Humanistisches Filmemachen vom Feinsten.

Der Film ist verfügbar auf arte.tv

Der Beitrag In den Gängen (2018) erschien zuerst auf filmfilter.