1. The Power of the Dog

Manche sehen The Power of the Dog vielleicht als abgedroschenes Drama über einen Kerl, der die neue Frau seines Bruders nicht mag und deshalb rotzig wird. Aber die haben nicht aufgepasst. Der Western von Jane Campion hat Schichten und wieder Schichten auf Schichten, und je genauer man hinsieht und je mehr man darüber nachdenkt, desto besser wird er. Jeder Teil des Schauspielquartetts spiegelt einen anderen Aspekt des verdorbenen Versprechens des amerikanischen Westens wider. Campions Drama hat bereits den Golden Globe in der Satteltasche, gilt als Favorit und hat in der Oscar-Nacht die Chance, zwölf Goldbuben zu gewinnen. Es wäre der erste Gewinn in dieser Sparte für Netflix; doch schon jetzt ist die neuseeländische Filmemacherin – im Jahr 1994 für The Piano nominiert – die erste Frau in der Geschichte, die zum zweiten Mal für einen Regie-Oscar in Rede steht.

(Auf Netflix)

2. Belfast

Während Hollywood nunmehr bereit zu sein scheint, Netflix als einen würdigen Gewinner in der Königskategorie in seine Reihen aufzunehmen, gibt es einen anderen Film, dessen Wohlfühlfaktor man nicht unterschätzen sollte. Der in Belfast geborene Schauspieler und Regisseur Kenneth Branagh nähert sich in seinem schwarz-weißen Drama Belfast seiner eigenen Kindheit aus einer rosaroten Linse mit einigen der beruhigendsten Melodien der Belfaster Legende Van Morrison. Als monochrome Memoiren hat der sechsfach nominierte Film viele Vergleiche mit Alfonso Cuaróns Roma nach sich gezogen, doch zwischen den Seelen dieser Filme liegen Welten. Für einige Leute ist die Rührseligkeit, die sich durch Belfast zieht, vielleicht zu viel, aber es feiert den lebensbejahenden menschlichen Geist, den die Academy so liebt.

(Im Kino)

3. CODA

Apropos Wohlfühlen. Dieser Indie-Film der amerikanischen Regisseurin Siân Heder ist unverschämt klebrig. Es ist der Stoff, aus dem Oscar-Träume gemacht sind. Der Titel des Films CODA ist ein Akronym für „Children of Deaf Adults“, also Kinder gehörloser Erwachsener. Hier bezieht er sich auf eine Jugendliche, gespielt von Emilia Jones, die als einzige in ihrer Familie hören kann und ausgerechnet Sängerin werden will. Ihr Vater wird von Troy Kotsur gespielt, der in der Sparte Bester Nebendarsteller nominiert ist (und hoffentlich gewinnt). CODA hat die beiden wichtigsten Oscar-Gebote verpasst, die ein Film normalerweise benötigt, um den Produktions-Hauptpreis zu gewinnen: Nominierungen für Beste Regie und/oder Bester Schnitt. Aber das Herz erwärmende Drama, insgesamt für drei Oscars nominiert, schrieb Geschichte bei den Screen Actors Guild Awards als erste Besetzung von hauptsächlich gehörlosen Schauspielern, die den Preis mit nach Hause nahmen. Es könnte gewinnen.

(Flat auf Apple TV+)

4. West Side Story

Viele hatten ihre Zweifel, als sie hörten, dass Steven Spielberg bei einer neuen Version von West Side Story Regie führen würde. Das Original aus dem Jahr 1961, unter der Regie von Robert Wise und Jerome Robbins, adaptiert aus dem Broadway-Musical von 1957, gilt als perfekt. Die New Yorker Romeo-und-Julia-Geschichte war nicht nur ein Kassenerfolg, sondern gewann auch zehn Oscars. Das Remake kann das mit „nur“ sieben Nominierungen nicht toppen. Außerdem gewinnen Musicals selten den Hauptpreis – zuletzt Chicago im Jahr 2003. Aber egal, ob er gewinnt oder nicht: Spielberg hat mit seinem Musical-Debüt eines der lebendigsten Werke des jüngeren Hollywood-Kinos geschaffen.

(Auf Disney+)

5. King Richard

Reinaldo Marcus Greens Sportsaga King Richard ist ein Film mit einer unbeschreiblichen Geschichte: „Es ist, als würde man jemanden bitten zu glauben, dass die nächsten zwei Mozarts unter deinem Dach leben“, sagt ein ungläubiger Trainer im Film. Richard, der eifrige Vater von Venus und Serena Williams, hatte die Tenniskarriere seiner Töchter beschlossen, noch bevor sie überhaupt geboren waren. An Stellen fühlt sich der Film wie die unbedingte Will-Smith-Oscar-Fabrik an. Der Schauspieler war zwei Mal nah dran mit Ali und The Pursuit of Happiness. Obwohl es einige Kontroversen darüber gab, einen Mann in den Mittelpunkt der Erfolgsgeschichte zweier Frauen zu rücken, hat Smith gute Chancen, nun den Oscar als Bester Darsteller mit nach Hause zu nehmen. Der Hauptpreis für den fünffach nominierten Film scheint dagegen außer Reichweite.

(Im Kino)

6. Dune

Vielleicht nicht der beste Film, den man auf dieser Liste findet, geschweige denn der beste Film von Denis Villeneuve, aber mit Abstand der einzige, der als Blockbuster-Kinohit gezählt werden kann. Es wäre vermessen zu sagen, dass der kanadische Regisseur versucht, mit seinen Science-Fiction-Filmen Preise zu gewinnen, aber seine kunstvollen Spektakel haben eine bessere Chance als die meisten anderen. Dune erhielt nach The Power of the Dog die meisten Nominierungen, nämlich zehn. Erstaunlicherweise wurde Villeneuve jedoch in der Kategorie „Beste Regie“ übergangen (übrigens genauso wie Maggie Gyllenhaal mit The Lost Daughter). Dune ist schillernd, frustrierend und eine beeindruckende filmische Leistung. Einige Regisseure sind vor Villeneuve an der Verfilmung des Romans von Frank Herbert gescheitert.

(Flat auf Sky, u.a.)

7. Drive My Car

Der japanische Regisseur Ryûsuke Hamaguchi hat eine Kurzgeschichte von Haruki Murakami aus dem Jahr 2014 adaptiert und erweitert, aber nichts daran wirkt aufgesetzt oder in die Länge gezogen. In fünf Minuten von Drive My Car passiert mehr als in manchen Filmen insgesamt. Es ist ein Drama über Liebe und Verlust und die Art und Weise, wie Kunst einige der Enttäuschungen des Lebens heilen kann – und einige auch nicht. Die kritische Wertschätzung für den Film ist – aus filmfilter-Sicht zurecht – euphorisch. Die vier Kategorien, in denen Drive My Car nominiert ist, sind übrigens die gleichen, die Bong Joon-hos Parasite vor zwei Jahren gewonnen hat: Film, Regie, adaptiertes Drehbuch und Internationaler Film. Wenn er gewinnt, wäre er der zweite internationale Film, der nach Parasite den Oscar in der Haupt-Kategorie holt.

(Vereinzelt noch im Kino)

8. Licorice Pizza

Paul Thomas Andersons Oscar-Contender spielt Anfang der 1970er Jahre im Geburtsort des Filmemachers, im kalifornischen San Fernando Valley – es ist ein sonnenverwöhnter Film, der das treibende Gefühl des Verliebens wirklich schön einfängt. Anderson und sein Ko-Kameramann Michael Bauman haben den dreifach nominierten Film auf 35 mm gedreht, was heute in Hollywood selten ist; mit Objektiven, die einst von der Legende Gordon Willis verwendet wurden, der die Godfather-Trilogie und einige von Woody Allens besten Werken gedreht hat. Aus filmfilter-Sicht ist Licorice Pizza ein Traum von einem Film. Eines von mehreren Highlights: Bradley Cooper als perverser Produzent, Promi-Friseur, Barbra Streisand-Freund und Wasserbett-Käufer Jon Peters.

(Im Kino)

9. Don’t Look Up

Der vierfach nominierte Film von Oscar-Gewinner Adam McKay (The Big Short) ist vielleicht der lustigste des vergangenen Jahres. Aber zugleich der deprimierendste. Don’t Look Up ist eine bissige Satire, in deren Fadenkreuz eindeutig Politiker und jene Teile der Gesellschaft da draußen stehen, denen die Klimakrise gleichgültig ist. Das Ergebnis ist eine dissonante Komödie, die die Mischung aus Erschöpfung und Wut, die wir in den vergangenen Jahren mit uns herumgeschleppt haben, sehr gut einfängt. Man sollte für die Credits auf dem Sofa sitzen bleiben. Nicht, dass die Gewinnchancen von Don’t Look Up besonders hoch wären, aber in seiner Entlarvung der Welt, in der wir leben, polarisiert er stärker als die anderen auf dieser Liste.

(Auf Netflix)

10. Nightmare Alley

Der jüngste von Guillermo del Toros Filmen ist vielleicht der erste, in dem das Übernatürliche völlig fehlt. Hier sind Magie und Geister das Produkt menschlicher Tricks (entspringen mithin der menschlichen Natur). Aber es ist schwer, sich eine Noir-Geschichte vorzustellen, die besser zu del Toro passen würde, diesem Märchenerzähler, der Männer mehr fürchtet als Monster. Nightmare Alley verbindet Horror, amerikanische Desillusionierung und die beseelte Dunkelheit, die Bradley Cooper in seinen kristallblauen Augen zu wecken vermag. Der große Preis ist wohl nicht drin (der mexikanische Regisseur durfte 2018 gleich zwei Oscars für The Shape of Water mitnehmen), aber er ist in vier Kategorien nominiert. Nightmare Alley ist der Underdog in diesem Jahr – aber was für einer.

(Im Kino und auf Disney+)

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Die „Todesursache“ dieser Art Romcom war ein gesättigter Markt, und vielleicht auch der x-te Film mit einem oberkörperfreien Matthew McConaughey. Hollywood quetschte das letzte bisschen Leben aus dem Genre. Wer eine Kopie einer Kopie zu kopieren beginnt, bekommt ein Frankenstein-Monster, das man schon unzählige Male zuvor gesehen hat. Die Zuschauer:innenzahlen gingen zurück, die Stars wollten nicht mehr mit dem Genre assoziiert werden, und die großen Studios gingen zu Fantasy-Universen über (romantische Komödien starten keine Franchises). Aber vor allem veränderte sich die Welt, in der wir leben.

Während all das passiert ist, wurde die Patientin Romcom an anderer Stelle künstlich beatmet. Netflix hat das Genre am Leben erhalten und eine Art Nischenmoloch erschaffen. Im Jahr 2018, als auch der Mega-Hit Crazy Rich Asians in die Kinos kam, rief der Streamer einen „Sommer der Liebe“ aus und startete eine Kampagne, um uns wieder zu jenem Eskapismus zu verführen, den viele von uns in den Neunzigerjahren geliebt haben: zuckerhaltige Romcoms, aber mit mehr Diversity, nicht nur heterosexuellen Liebesbeziehungen und der Umkehr von traditionellen Geschlechterrollen, darunter The Kissing Booth, To All the Boys I’ve Loved Before, und The Half of It, um nur die Hits zu nennen. Jetzt feiert der Streamer den Valentinstag mit Love and Leashes und Love Tactics – beides zu vernachlässigen. Dann lieber ins Kino gehen und den Siebzigerjahre-Liebestaumel in Paul Thomas Andersons Meisterwerk Licorice Pizza ansehen (sein Held, ein erdbeerblonder 15-jähriger Prahler, heißt Gary Valentine).

Wir wollen hier nicht über den Ursprung des Genres diskutieren, aber angesichts von Screwball Comedies wie It Happened One Night (1934) oder Bringing Up Baby (1938) ist das Genre ein Greis. Meine Generation der Millennials wuchs in einer Blütezeit des Genres auf, die im Jahr 1989 mit When Harry Met Sally begann und im Jahr 2002 in der erfolgreichsten romantischen Komödie aller Zeiten kulminierte: My Big Fat Greek Wedding. Wir sahen im Samstagabendfernsehen die Wiederholungen von Pretty Woman, Groundhog Day, She’s All That, Four Weddings and a Funeral, My Best Friend’s Wedding, Bridget Jones’s Diary, What Women Want, Housesitter ... Und natürlich: Kaum einer der kultigen Filme aus dieser Zeit kommt heute unversehrt davon – aus gutem Grund. Eine Prostituierte, die von einem Millionär gerettet wird? Eine Frau, die zehn Tage lang mit einem Kerl ausgeht, und ihn dann verscheucht, indem sie alles tut, was Frauen in Beziehungen „falsch“ machen (z.B. Männerabende verderben und auf ihm kleben)?

Aber hier ist ein Geständnis: Mir schwillt immer noch das Herz an, wenn ich ein paar Takte von Roxettes „It Must Have Been Love“ im Radio höre, auch wenn mir klar ist, dass der Cinderella-Komplex in Pretty Woman ein falsches Vorbild für junge Frauen darstellt. Wie die feministische Schriftstellerin Roxane Gay sagte: „Ich glaube nicht, dass Liebe tatsächlich so passiert, wie Hollywood es vorgibt … Allerdings genieße ich eine gute Lüge.“

Einige dieser Filme waren großartig. Die Mehrheit davon war es nicht und viele von ihnen sind schlecht gealtert. Es gab tonnenweise Märchen, in denen sich hauptsächlich heteronormative, weiße Menschen auf die Suche nach der „wahren“ Liebe machten. Es war eine Zeit, in der adrette Männer zu schrulligen Frauen sagten, „Ich mag Sie sehr genau wie Sie sind“ (wer will das nicht hören?) und Frauen davon träumten, von Rittern auf weißen Pferden gerettet zu werden – die dann in einer weißen Limousine vor der Feuerleiter auftauchten.

Ich frage mich, ob Hetero-Frauen, die mit diesen Klischees aufgewachsen sind, mit dem Erwachsenwerden das Interesse an der romantischen Komödie verloren haben, weil sie gemerkt haben, dass ein „Happy End“ sich so flüchtig und falsch anfühlen kann und Liebe nicht alles schön macht. Das wusste schon Nicolas Cages Ronny Cammareri in Moonstruck (1987), wenn er zu Chers Loretta sagt: „Die Liebe macht die Dinge nicht schön, sie ruiniert alles! Es bricht dir das Herz, es bringt die Dinge durcheinander. Wir sind nicht hier, um die Dinge perfekt zu machen. (…) Nicht wir! Wir sind hier, um uns selbst zu ruinieren und unsere Herzen zu brechen und die falschen Menschen zu lieben und zu sterben!“

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Im San Fernando Valley im sonnigen Kalifornien, im Sommer des Jahres 1973, ist Licorice Pizza angesiedelt: Paul Thomas Andersons – wie bei einem Filmemacher seines Kalibers zu erwarten – etwas anderer Coming-of-Age-Film. Knapp neben Hollywood ist eben auch daneben. Um den Schatten, in den das grandiose Werk den anderen in dieser Woche startenden Film zu stellen droht, nicht zu groß werden zu lassen, stellen wir ihn beiseite und widmen ihm eine Extra-Portion Aufmerksamkeit an anderem Ort.

Der schönste Tag von Fabian Eder trägt für den internationalen Verleih den (passenderen, weil nicht ironischen) Titel The Last Dialogue. Der zu wesentlichen Teilen im Zug gedrehte Dokumentarfilm erscheint anlässlich des Holocaust-Gedenktags am 27. Januar (dem Tag der Befreiung des Konzentrationslagers Auschwitz-Birkenau) und versammelt Gespräche von Zeitzeugen des Hitler-Regimes mit ihren Kindern oder Enkeln, begleitet von verschiedenen Positionen zur offiziellen Ausstellung Österreichs im Museum Auschwitz-Birkenau. Ein weiteres Strukturelement sind Bilder diverser Gedenkveranstaltungen (von Mauthausen bis zum Ulrichsbergtreffen), auch daran merkt man: Im Kern geht es um die Verantwortung der Republik, Teil eines Vernichtungsregimes gewesen zu sein. Es ist ganz offensichtlich ein Film für die Enkel-Generation, die sich nicht an den in Europa neuerlich aufkeimenden Antisemitismus als eine Art „neue Normalität“ gewöhnen soll. Niemals vergessen: Sich an diese Devise zu erinnern ist quasi virulenter denn je, zumal eine bestimmte Partei dieses Landes zwecks ihrer eigenen Konsolidierung immer noch nicht vor Verharmlosungen von Naziverbrechen zurückschreckt.

Nun kann ein Film wie Der schönste Tag nicht die Beschäftigung mit den wuchtigen Film-Monumenten eines Claude Lanzmann ersetzen – wir empfehlen neben dessen Hauptwerk Shoah immer wieder die unfassbar sehenswerte Ausgrabung Der Letzte der Ungerechten und das unglaubliche Widerstandsdokument Sobibor, 14. Oktober 1943, 16 Uhr (allesamt auf DVD erhältlich bei absolut Medien). Am Ende zitiert Regisseur Fabian Eder Shoah auch direkt mit einer Zugskamerafahrt. „Oral History“-Projekte wie dieses auf Österreich fokussierte kann es gar nicht genug geben, insofern ist Der schönste Tag den Gang ins Kino wert.

Nicht über Der schönste Tag, aber mit dem Regisseur des Films gibt es übrigens ein Gespräch im filmfilter featuring 365 Podcast zu hören.

Apropos Podcast: In nämlichem Format findet sich auch ein Gespräch mit dem frischgebackenen Max Ophüls Preisträger C.B. Yi, über dessen Film Moneyboys wir u.a. bereits in der Vorwoche zum Kinostart berichtet haben.

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Versteht sich quasi von selbst, dass diese Woche alle Augen erwartungsvoll gen Westen gerichtet sind. Im San Fernando Valley im sonnigen Kalifornien nämlich ist Licorice Pizza angesiedelt, Paul Thomas Andersons – wie bei einem Filmemacher seines Kalibers zu erwarten – etwas anderer Coming-of-Age-Film. Knapp neben Hollywood ist eben auch daneben. Um den Schatten, in den das grandiose Werk den Rest der diese Woche startenden Filme zu stellen droht, nicht allzu groß und tief werden zu lassen, haben wir es beiseite gebeten und widmen ihm eine Extra-Portion Aufmerksamkeit an anderem Ort.

Und schon ist die Bühne frei für einen fulminanten Auftritt aus dem Osten, nämlich das bemerkenswerte Debüt des chinesischen Regisseurs Wen Shipei Are you lonesome tonight? Die finstere Geschichte ist 1997 in irgendeiner tropisch heißen Provinz angesiedelt: Auf einer Landstraße mitten in der Nacht fährt der junge Xueming einen Mann nieder und begeht Fahrerflucht. Vom schlechten Gewissen gepeinigt wanzt er sich sodann an die Witwe seines vermeintlichen Opfers heran. Vermeintlich, weil sich bald schon herausstellt, dass es nicht unbedingt den Falschen erwischt hat. Der Tote steckte dergestalt bis zum Hals in Schwierigkeiten, dass bereits zwei Kugeln in ihm drin steckten, als er überfahren wurde. Und natürlich taucht dann auch noch eine Tasche voller Geld auf, hinter der die Schurken her sind, hinter denen wiederum die Polizei … Okay, das Rad wird hier nicht neu erfunden. Und auch das staatstragend-dienstfertige Insert zum Schluss hätte man sich sparen sollen. Abgesehen davon aber hat man es hier mit einem stimmungsvoll und stilsicher, elegant und farbenreich inszenierten Neo-Noir im Gefolge von Diao Yi’nan (zuletzt: Der See der wilden Gänse) zu tun. Den Namen Wen Shipei gilt es also mal besser auf den Schirm zu nehmen.

Zeit für den Realitäts-Check, dem Filmemacherin Antonia Kilian in The Other Side of the River die vom kurdischen Frauenmilitär propagierten Emanzipationsträume unterzieht. Kilian ist Teil der deutschen Solidaritätsbewegung mit den revolutionären Feministinnen, die in den IS-befreiten, kurdischen Gebieten in Nord-Syrien eine militante Befreiungsideologie vertreten. Dort trifft sie auf die 19-jährige Hala, die ihr Elternhaus verlassen hat und sich zur Polizistin ausbilden lässt, um danach ihre zahlreichen Schwestern zu sich holen und solcherart vor drohenden Zwangsheiraten retten zu können. Ein nur scheinbar simpler Plan, wie sich rasch erweist, denn der Druck der Familie ist groß und die Ächtung der Gesellschaft nicht leicht zu ertragen; selbst wenn die Frau in Uniform und mit Waffe mehr Macht und Autorität hat als jene im Tschador mit dem Kind an der Hand. Kilian macht in The Other Side of the River nicht viele Worte und lässt ihre Zuschauer:innen mit so mancher unkommentiert bleibenden Szene ratlos zurück. Die Frage, inwieweit ihrer kameraverliebten Protagonistin zu trauen ist, bleibt ebenso unbeantwortet wie die nach der eigentlichen Natur von Halas Konflikt mit ihrer Familie. Als mitreißend-ermutigendes Manifest frauenbewegter Militanz eignet sich dieser Dokumentarfilm mithin also nicht. Als Teil einer Materialsammlung zum Status Quo der emanzipatorischen Debatte in der arabischen Welt sowie der dort verfolgten Strategien der Befreiung ist er allerdings mindestens hilfreich, und als historisches Dokument des Widerstands ohnehin wertvoll.

Nicht minder zwiespältig auch der Eindruck, den Schattenstunde hinterlässt. Auf reichlich unbequeme Weise rekapituliert Benjamin Martins hier die letzte Nacht des evangelischen Schriftstellers und Lieddichters Jochen Klepper, der sich in der Nacht zum 11. Dezember 1942 gemeinsam mit seiner jüdischen Frau und der Stieftochter in der gemeinsamen Wohnung in Berlin-Nikolassee das Leben genommen hat. Familie Klepper steht, so Martins, stellvertretend für jene Tausende in damals sogenannter „Misch-Ehe“ lebenden christlich-jüdischen Menschen, die während der NS-Zeit gemeinschaftlich Selbstmord begingen, um einem Transport in die Lager zu entgehen. Martins Drehbuch beruht auf Tagebucheinträgen Kleppers, darin sich auch, wenig verwunderlich, ein intensives Ringen mit den eigenen Glaubensgrundsätzen ausdrückt, schließlich gilt der Suizid den Christen als Todsünde. Ein Ringen, das Martins im Rahmen seines visuell immer wieder überraschenden, Bühnentechniken einsetzenden Kammerspiel-Films als konkretes Hadern mit einer teuflischen Gestalt in Horrorbilder übersetzt. Das blanke Grausen aber ergreift einen auch dann, wenn der Weg der drei Menschen in ihr schreckliches Sterben geradezu detailverliebt inszeniert wird. Schattenstunde wandert auf einem schmalen Grat zwischen generalisierender Abstraktion und identifikatorischem Realismus und stürzt mal den einen, mal den anderen Abhang hinunter. Ein ambitioniert gescheitertes filmemacherisches Wagnis? Vielleicht. In jedem Fall eine mutige Herausforderung öder narrativer Konventionen. Auf zwiespältige Weise sehenswert.

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Einem alten Sager zufolge gibt es nichts, was es nicht gibt. Also gibt es natürlich auch Lakritz-Pizza. Geben Sie das Wort ruhig in eine der Internet-Abgras-Maschinen ein, Sie werden fündig und belohnt werden mit Bildern des süßherben Konfekts in verschiedenster Ausprägung, schwarz bis quietschbunt und kreisrund arrangiert: Pizza eben. Zur Zeit sind diese Pizzen allerdings überall ausverkauft. Das hängt möglicherweise damit zusammen, dass alle Welt den neuen, zweifelsohne seltsamen Film von Paul Thomas Anderson mit der titelgebenden Seltsamkeit gebührend feiern will. Nein, wahrscheinlich hängt es doch eher mit coronabedingten Lieferengpässen zusammen. Zumal Anderson im Gespräch mit Vanity Fair den Titel des neuerlich auch von ihm selbst geschriebenen Werkes ganz prosaisch so erklärt: „Als ich aufwuchs, gab es in Südkalifornien eine Plattenladenkette namens Licorice Pizza.“

Dennoch geht nicht fehl, wer sich in Sachen Farbigkeit und Tempo unter Licorice Pizza einen Kindergeburtstag vorstellt – auf einem solchen wäre schließlich auch eine Lakritz-Pizza so recht an ihrem Platz. Neben Luftballons, Clowns und Zauberern und dem ganzen Wahnsinn eines aus dem Einerlei des Lebens herausgehobenen Tages.

So wie jener Tag des Jahres 1973 einer ist, an dem in irgendeiner Highschool im kalifornischen San Fernando Valley die Fotos für das Jahrbuch gemacht werden und der 15-jährige Gary Valentine der zehn Jahre älteren Fotografenassistentin Alana Kane begegnet. Es ist Liebe auf den ersten Blick, jedenfalls von Garys Seite aus; beziehungsweise beschließt er, dass Alana die Frau ist, die er heiraten wird; und obendrein setzt er sie davon auch sogleich in Kenntnis; worauf sie mit einer Mischung aus Amusement, Rührung und Entrüstung reagiert. Gary also – der als Kinderschauspieler reüssiert hat, nun aber allmählich herauswächst aus dem Job – weiß sofort, was er will. Alana hingegen verfolgt noch keinen ernsthaften Plan in ihrem Leben, sie lässt sich treiben und probiert aus. Siebziger eben.

Natürlich ist klar, dass eine erwachsene Frau kein Kind heiratet. Aber was wäre, wenn sie sich immerhin auf das vorgeschlagene Date einließe? Dies, so Anderson im erwähnten Interview, sei seine Ausgangsidee gewesen, „a sort of a screwball comedy premise“. In der Tat ist das angeschlagene Tempo recht hoch und die Narration immer aufgelegt zu wilden Schlenkern und riskanten Manövern. Für sein Drehbuch griff Anderson auf anekdotische Erinnerungen seines Produzentenfreundes – und vormaligen Kinderschauspielers – Gary Goetzman zurück. Was wiederum Bradley Cooper, Sean Penn und Tom Waits, die kleine Rollen als Hollywood-Größen übernommen haben, Gelegenheit für völlig enthemmte Darbietungen gibt, die obendrein noch wahr sein könnten.

Mittendrin und sozusagen im Auge des Sturms, zwei Newcomer: Cooper Hoffman (Sohn des viel zu früh verstorbenen Anderson-Regulars Philip Seymour Hoffman) in der Rolle von Gary trifft auf Alana Haim (eine der drei Schwestern vom Rock-Trio Haim) in der Rolle von Alana. Keine:r der beiden verströmt Filmstar-Glamour oder passt ins Schema dessen, was in der US-amerikanischen Filmindustrie als „schön“ oder „ideal“ gilt. Stattdessen schiefe Nase hier und Pickel dort sowie unvorteilhafte Haarschnitte und ungünstig verteilte Pfunde. Angesichts dessen können die standardisierten Erwartungen an das Aussehen des Erfolges packen gehen. Eben deswegen schaut man Hoffman und Haim auch so gerne zu. Sie sehen aus wie Du und ich, nur halt jünger, und sind daher absolut glaubwürdig.

Mit Licorice Pizza kehrt Anderson nicht nur zurück in sein natürliches Habitat, das San Fernando Valley, in dem er selbst in den 1970er Jahren aufgewachsen ist. Es gelingt ihm außerdem neuerlich ein Film, der zugleich an einem bestimmten Ort in einem bestimmten Moment fest verwurzelt ist, der also das Kolorit und die Atmosphäre wie in einer Zeitkapsel einfängt – und doch zugleich nicht von dieser Welt zu sein scheint. Der abhebt wie ein Raumschiff auf der Suche nach den unendlichen Weiten. Oder sich befreit aus lakritzklebrigen Händen, wie ein Luftballon auf einem Kindergeburtstag.

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