Nur eine nicht: In seiner ersten Szene erzählt uns der chilenische Regisseur, dass sein Film eine Geschichte ist. Eine Lüge, die wir glauben wollen. Nicht umsonst durchbricht er die vierte Wand und führt uns durch ein höhlenartiges, modernes Filmset. Die Kamera schwenkt langsam auf Florence Pughs Gesicht, die auf einem schmuddeligen Boot im 19. Jahrhundert hockt. Die tadellose, gedämpfte Kunstfertigkeit der australischen Kamerafrau Ari Wegner erinnert an ihre Arbeit an The Power of the Dog. Auch hier watet sie in moralisch dunklen Gewässern. Vergessen ist der Wirbel um Don’t Worry Darling. Lelios Film ist weitaus besser als der von Olivia Wilde und ein gutes Beispiel dafür, wie fantastisch Florence Pugh sein kann.

Die englische Schauspielerin ist die Zentrifugalkraft von The Wonder. Als Krankenschwester, die von Florence Nightingale im Krimkrieg ausgebildet wurde, wird sie 13 Jahre nach der großen Hungersnot von 1862 in eine kleine, fromme Gemeinde im ländlichen Irland berufen, um ein elfjähriges Mädchen (eine beeindruckende Kíla Lord Cassidy) zu „beobachten“, das angeblich vier Monate lang nur von Luft und Glauben gelebt hat. Der Zweck dieser Übung besteht darin, zu verstehen, ob dies ein göttliches Wunder ist oder ein Betrug. Wird sie heimlich gefüttert? Hat das Mädchen durch Photosynthese überlebt? Oder, wie sie behauptet, durch „Manna vom Himmel“? Das Urteil liegt am Ende bei den Männern des Dorfes (u.a. gespielt von Toby Jones und Ciarán Hinds).

Adaptiert wurde The Wonder von Lelio selbst, der mit Una Mujer Fantástica (2017) den Fremdsprachen-Oscar gewann, von der englischen Dramaturgin Alice Birch (bekannt für Succession und Normal People) und von Emma Donoghue, der irischen Autorin der gleichnamigen Literaturvorlage aus 2016. Die fundamentale Ambivalenz im Verhältnis von Fiktion und Wahrheit und wem sie schlussendlich dienen, ist der Kern von The Wonder. Mag sein, dass alle Geschichten Lügen sind. Aber ist das Leben nicht schöner, oder vielleicht auch erträglicher, wenn wir bei der Lüge mitspielen?

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Ich habe diese Reaktion schon oft bekommen. Ich liebe Filme, aber ich bin ein Social-Media-Muffel. Weil ich aber wissen wollte, was der ganze Wirbel soll, ging ich nach Hause und lud die App runter, die es bereits seit mehr als zehn Jahren gibt. Ich muss zugeben: I am intrigued.

Was als ein Leidenschaftsprojekt der zwei Neuseeländer Matthew Buchanan und Karl von Randow für Hardcore-Cinephile begann, verändert die Online-Landschaft der Filmkultur – zum Besseren. Die Plattform entstand aus der Frustration der Schöpfer heraus, dass es kein soziales Netzwerk für Filmliebhaber:innen gab. Letterboxd ist eine Kombination aus IMDb, Rotten Tomatoes, JustWatch und Instagram. Der Name leitet sich vom Begriff „Letterboxing“ ab – im Breitbildformat aufgenommene Filme werden in Videoformate mit Standardbreite übertragen, wobei das ursprüngliche Seitenverhältnis beibehalten wird.

Die App wurde nie wirklich in die Welt hinausposaunt. Ihr Wachstum war seit 2011 eher langsam. Aber dann sperrte uns die Pandemie in unsere vier Wände ein, und Letterboxd wuchs explosionsartig. „Das Social-Media-Netzwerk hat die cinephile Nische endgültig verlassen und ist in den Mainstream eingetreten“, schrieb die New York Times. Anfang 2020 gab es auf Letterboxd etwa 1,7 Millionen Nutzer:innen. Diese Zahl hat sich innerhalb eines Jahres fast verdoppelt, auf über 3 Millionen. Matthew Buchanan teilte mir in einer Email mit, dass die Site momentan fast 6 Millionen Mitglieder weltweit hat, darunter 250.000 in Deutschland und etwa 17.000 in Österreich. Inzwischen hat Letterboxd auch eine eigene Redaktion, veröffentlicht Artikel und Interviews und hat einen Podcast.

Der Kritiker von IndieWire, David Ehrlich, ist mit über 100.000 Followern derzeit einer der beliebtesten User. Sean Baker, Regisseur von Red Rocket und The Florida Project, ist auch vorne mit dabei. (David Ehrlich findet Red Rocket übrigens ziemlich super.) Aber natürlich müssen Sie weder Filmkritiker noch Filmemacherin sein, um Letterboxd zu nutzen. Im Gegenteil. Während Sites wie Rotten Tomatoes die Meinungen der Kritiker:innen von jenen der Allgemeinheit trennen, stellt Letterboxd keine Meinung über eine andere. Die Pandemie hat die Migration vom Kino auf die Couch und die Erweiterung der Filmkritik von der Berufung zum Hobby beschleunigt – auch das zeigt sich in der App.

Der Kommentar einer beliebten Nutzerin namens BRAT zu Jane Campions The Power of the Dog lautete: „the masculine urge to cope with your step uncle’s pointed homophobia by storming outside and aggressively hula-hooping”. Ein anderer schrieb: „you don’t know true humiliation until you try to play the piano and get upstaged by a banjo”. An beiden ist was dran.

Viele schreiben alles klein. Es gibt oft nicht einmal Punkte. Aber viele fangen die Essenz eines Films mit nur wenigen Worten ein. Das Fehlen von Regeln kann zu interessanter Kritik führen. Und diese anarchische Art des Schreibens findet man eigentlich nur auf Letterboxd. Natürlich existiert hier auch Arthouse neben Mainstream. Der beliebteste Film ist momentan Parasite, der am besten bewertete Twenty One Pilots: Livestream Experience und der „most anticipated“ Film ist Thor: Love and Thunder. Apropos 21 Piloten:

Die Popularität der App ist auch dank des viralen Erfolgs von humorvollen Tagebucheinträgen gestiegen. Einer der berüchtigtsten Posts ist ein Kommentar zu Todd Phillips Joker. Der wurde sogar zu einem Meme, nachdem Nutzer „CloserLook“ kommentierte: „This happened to my buddy Eric.“

Es gibt unterhaltsame, personalisierte Listen mit Titeln wie „for when you want to feel something“ oder auch einfach eine Liste von Filmen, bei denen die Schauspieler:innen auf Filmplakaten nach links schauen. Der Titel: „Giant fucking faces looking slightly to the left“. Wer zum Beispiel auf Fight Club klickt, wird von der App auf eine separate Seite geschickt, die dem Film von David Fincher gewidmet ist. Dort findet man Infos über die Handlung, das Erscheinungsdatum, die Besetzung, wo man den Film streamen kann und so weiter. Man findet auch eine Unmenge kurzer und längerer Rezensionen (76.000, um genau zu sein), die von anderen Nutzer:innen geschrieben wurden. So kreiert Letterboxd Kaninchenlöcher, in die man hineinfällt. Kostenlose Konten haben viel Werbung von Drittanbietern, was lästig sein kann, aber „Pro“- und „Patron“-Konten sind werbefrei und bieten mehr Service.

Mir persönlich gefällt das Tagebuch am besten. Eine Aufzeichnung zu haben, wann ich welchen Film gesehen habe. Ich kann genau sagen, wann ich durch eine New Hollywood-Phase gegangen bin, und wie glücklich ich war, als ich mir Dementia 13 angesehen habe, obwohl das wirklich nichts damit zu hat, dass ich das Regiedebüt von Francis Ford Coppola für einen seiner besten Spielfilme halte. Auch darüber kann man sich auf Letterboxd streiten.

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Vor einigen Jahren stritt Hollywood darüber, ob Filme auf Streaming-Plattformen überhaupt als „Filme“ gelten. Jetzt hat Siân Heders kuscheliges Indie-Drama CODA, das von Apple TV+ vertrieben wird, den Oscar für den Besten Film gewonnen. Nach mehr als dreißig Jahren der Indie-Filmbewegung in Amerika ist CODA auch der erste Sundance-Hit, der dies je geschafft hat – und das mit einer hauptsächlich gehörlosen Besetzung. Zum großen Teil ist das wohl Netflix zu verdanken. Der Streamer, der einst von der Academy of Motion Picture Arts and Sciences auf Abstand gehalten wurde – und den Steven Spielberg einst daran zu hindern versuchte, mehr Nominierungen für den Besten Film zu erhalten, indem er direkt zum Board of Governors der Academy ging – hat die Weichen für den Streamer von Apple gestellt.

War vor drei Jahren Hollywood noch in einen Kampf um die Zukunft des Kinos verwickelt – darüber, was genau einen Film ausmacht – und die Oscars ein metaphorischer Boxring, so sind sie jetzt buchstäblich zu einem Boxring geworden. In einem echten WTF-Moment, der alle Zuschauer:innen verblüffte, stürmte Will Smith auf die Bühne und verpasste Chris Rock eine Ohrfeige, nachdem der Komiker einen Witz über die kurz geschorenen Haare seiner Frau Jada Pinkett Smith gemacht hatte (sie leidet an Alopezie, eine Erkrankung, die zu Haarausfall führt). Smith schrie Rock danach noch von seinem Sitz aus an. In den USA fror die Fernsehsendung ein und verstummte. Im Ernst, ich habe das noch nicht ausreichend verarbeitet. Sollte diese hässliche Szene nicht echt gewesen sein, dann ist Will Smith ein besserer Schauspieler, als ich es für möglich gehalten habe.

Nur nur wenige Augenblicke später ging Smith auf die Bühne und nahm seinen programmierten Oscar als Bester Hauptdarsteller in King Richard entgegen. Zu sagen, es war awkward, wäre eine gewaltige Untertreibung. „Richard Williams war ein erbitterter Verteidiger seiner Familie“, sagte er über seine Rolle und begann zu schluchzen. „In dieser Zeit meines Lebens, in diesem Moment, bin ich überwältigt von dem, was Gott mich auffordert, in dieser Welt zu tun und zu sein.“ Seine missionarische, überlange, selbstverliebte „vessel of love“-Rede darüber, dass er ein „Gefäß der Liebe“ sein möchte, fühlte sich echt an. Aber ich frage mich auch, ob Will Smith seine Rollen als Muhammad Ali und exzentrischer Vater der Williams-Schwestern wohl ein wenig zu ernst nahm. Seine Entschuldigung galt übrigens nur seiner Wiedereinladung, nicht aber seinem Prügelopfer (Chris Rock hat ja ziemlich souverän reagiert und auf eine Anzeige verzichtet). Er bekam Standing Ovations, aber kaum jemand konnte sich das ansehen, ohne sich fremd zu schämen.

Update 29. März: Mittlerweile hat Smith sich entschuldigt.

Begonnen hatte die Gala eher harmlos. Nach zwei Jahren der Pandemie schwebten wieder maskenlose Promis über den Red Carpet ins Dolby Theater. Nach mehreren Jahren ohne einen einzigen Moderator begannen die Oscars mit drei von ihnen. „In diesem Jahr hat die Academy drei Frauen als Gastgeberinnen eingestellt“, sagte Amy Schumer und flachste frech: „Weil es billiger ist als einen Mann einzustellen.“ Die Komikerin und ihre Kolleginnen Regina Hall und Wanda Sykes machten politische Witze über Floridas „Don’t say gay“-Gesetz und Covid-Witze, für die es wohl noch zu früh war. Es gab offenbar genug Zeit für Werbungen (vor allem für Disney, dem der Sender ABC gehört), und, ähem, zwei Lieder aus dem Disney-Animationsfilm Encanto, aber nicht für die acht Kategorien, die aus der Live-Show gestrichen worden waren und in hektischen Zuspielern dazwischen geschnitten wurden.

Die schönste Rede des Abends kam in Gebärdensprache von Troy Kotsur, der als erster gehörloser Mann den Oscar als Bester Nebendarsteller in CODA gewann, und das höchst verdient. Es war ein wirklich wunderschöner Moment mit einer sehr persönlichen, herzerwärmenden Rede – gefolgt allerdings von einem klobigen Übergang zu Chris Evans, der uns seinen neuen Film vorstellte, in dem er Buzz Lightyear aus Toy Story seine Stimme leiht.

Es kommt schlimmer. Eine Schweigeminute und ein paar Power-Point-Folien für die Ukraine wurden gesäumt von einer Wodka-Werbung. Um die Geschmacklosigkeit zu toppen, war die „In Memoriam“-Montage mit einer überschwänglichen, tanzenden Gospel-Performance untermalt, die von den Toten komplett ablenkte. Der Tribut an die verstorbenen Künstler:innen wäre allerdings ohnedies untergegangen, weil alle noch fassungslos vom Smith-Ausraster waren. Zwei Fan-Preise für Zack Snyders Justice League und Army of the Dead hatten null Mehrwert. Ach so, und „Aquaman“ Jason Momoa rülpste auf der Bühne.

Will Smith hat es überdeckt, aber es gab weitere Preise. Remember? Dieses Ding für herausragende Leistungen. Jane Campion hat die Beste Regie für The Power of the Dog gewonnen (zwar nur ein Preis bei zwölf Nominierungen, aber ein wichtiger). Kenneth Branagh gewann den Preis für Best Original Screenplay für Belfast (strittig) und Drive My Car gewann den Preis für Best International Film – (absolut unstrittig). Dune nahm wenig überraschend sechs Oscars in hauptsächlich technischen Kategorien mit nach Hause. Jessica Chastain wurde zur besten Schauspielerin gekürt (wir lieben sie), Questlove gewann für seine Doku Summer of Soul, ein bemerkenswerter Akt der Kulturarchäologie.

Das Problem mit solchen Smith-Ego-Momenten ist, dass sie ablenken von den Dingen, die tatsächlich wichtig sind, nämlich die Filme und deren Schöpfer:innen. Ein Moment, der zumindest meines Erachtens fast noch schlimmer war als die Live-Attacke gegen Rock: Man feiert The Godfather doch nicht mit einem Rapper (P Diddy), der die lebenden Legenden Francis Ford Coppola, Al Pacino und Robert DeNiro vorstellt! Dann waren da noch ein Snowboarder, ein Skater und ein Surfer, die „60 Years of James Bond“ präsentierten. Warum? Weil Bond-Filme Extremsport sind?

Ganz generell schienen an diesem Abend die Presenter irgendwie aus dem Hut gezaubert worden zu sein. Die ganze Show und ihre Anbiederungsversuche an ein jüngeres Publikum hatten letztlich die Anmutung eines faulen Tricks. Dabei sollten die Academy Awards nicht die Wächter des gepflegten Marketing-Kasperltheaters sein, sondern die Wächter der hohen Filmkunst. Wieder ein Jahr verspielt.

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Der Kommentar des Abends kam von Michael Keaton, der den Preis als Bester Darsteller der Miniserie Dopesick entgegen nahm. Er liebe diese Jahreszeit, sagte der Schauspieler, weil er die „falsche Demut“ förmlich riechen kann, die während der Preisverleihungssaison allgegenwärtig ist (er hat nicht Unrecht). Er bedankte sich auch bei „seinem Schauspielkollegen Präsident Selenskyj“ – „kämpfe weiter!“. Was früher nur Eingeweihte wussten, mittlerweile aber allgemein bekannt ist: Bevor Wolodymyr Selenskyj ukrainischer Präsident wurde, machte er als Hofnarr in der TV-Serie Diener des Volkes Furore (die übrigens derzeit auf Arte.tv zu sehen ist und hinter deren Ausstrahlungsrechten die halbe Welt her ist). In der Serie spielt Selenskyj einen Geschichtslehrer, der zum Präsidenten aufsteigt.

Der Versuch der Critics Choice Association, die die Awards vergibt (und der auch diese Autorin angehört), ihre Show ins Beverly Hilton zu verlegen, war ein klarer Versuch, die Globes im Jahr 2022 zumindest symbolisch zu ersetzen. Die Taktik ging nicht auf, aber weil die Globes in diesem Jahr ziemlich ungeliebt über die Bühne gingen, haben die Critics Choice ein leicht erhöhtes Profil. Die Show ist kein Ranking-Hit, aber der Organisation wird im Allgemeinen mehr Glaubwürdigkeit eingeräumt und sie gilt als einer der besten Barometer für die Vorhersage der Oscars.

The Power of the Dog, das Drama über (toxische) Männlichkeit und amerikanische Mythenbildung, hat die höchste Auszeichnung bekommen und damit seinen Favoritenstatus als Oscar-Anwärter zementiert. Jane Campion stand am Sonntag zweimal auf dem Podium und erhielt sowohl die Preise für die Beste Regie als auch für den Besten Film. „Ich habe immer noch eine Posttraumatische Belastungsstörung von Kritikern, die bis in die frühen Jahre meiner Karriere zurückreichen – autsch, einige sehr tiefe Wunden“, witzelte die 67-jährige Campion. „Ich bin jetzt wie die Großmutter in der Frauenbewegung im Film!“

Es begann ziemlich harmlos. Dann wurde ihre Rede kontrovers, und das nur ein paar Tage nachdem sie wegen ihrer Reaktion auf Sam Elliotts Kritik (er nannte ihr Drama „a piece of shit“) an ihrem Film bereits viral geworden war. Sie applaudierte anderen Frauen im Raum, darunter Venus und Serena Williams. „Venus und Serena, ihr seid solche Wunder“, sagte sie, „allerdings müsst ihr nicht so wie ich gegen die Jungs spielen.“

Es war ein schlechter Scherz, der schnell einen Shitstorm auslöste für die Andeutung, dass ihre Probleme als weiße Frau in Hollywood größer seien als die der schwarzen Sportlerinnen. Campion erhielt lauten Jubel im Ballsaal, aber lautere Kritik im Internet, wo sie als „arrogant und ignorant“ und „rassistisch“ und „kleinlich“ bezeichnet wurde. Ihre Dankesrede hebe „die Probleme mit dem kniffligen weißen Feminismus hervor.“ Campion hat sich öffentlich bei den Tennisspielerinnen entschuldigt, aber es zeigt wieder mal, auf welches Minenfeld sich heute begibt, wer öffentlich einen undurchdachten Witz äußert – sogar als Feministin (dabei hatte Campion wohl nur gemeint, dass im Sport im Gegensatz zum Filmbusiness wenigstens klare Regeln gelten).

Auch für die Oscars ist Jane Campion nominiert und tritt erneut gegen Steven Spielberg (West Side Story) an. Als sie zuletzt 1994 gegen ihn antreten musste, war sie mit The Piano im Rennen, aber Spielberg gewann für Schindler’s List. Es sieht heuer vielversprechend für die Neuseeländerin aus.

Was ist noch passiert? Will Smith erhielt den Preis als Bester Hauptdarsteller in King Richard und bedankte sich taktisch klüger als Campion bei der Tennisfamilie: „Ihr alle definiert den American Dream.“ Jessica Chastain gewann für The Eyes of Tammy Faye. Sie ist jetzt die glasklare Favoritin auf einen Oscar. Und Halle Berry nahm den #SeeHer Award entgegen.

Als bester fremdsprachiger Film wurde verdientermaßen Ryūsuke Hamaguchis Drive My Car ausgezeichnet – wir vom filmfilter würden nicht anders urteilen. Das HBO-Drama Succession, das sich zu einer der berühmtesten Serien im Fernsehen entwickelt hat, wurde zur besten Dramaserie gekürt, während Squid Game, das erfolgreiche dystopische Drama von Netflix aus Südkorea, den Preis für die beste fremdsprachige Serie gewann (und Squid Game-Hauptdarsteller Lee Jung-jae schlug zwei Succession-Stars im Rennen um den Dramaserien-Schauspielpreis).

Wie bei den Independent Spirit Awards in der Vorwoche gab es auch bei den Critics Choice zahlreiche Moderator:innen, die über den Krieg in der Ukraine sprachen und ihre eigenen persönlichen Ansichten vor einem weitgehend gleichgesinnten, empfänglichen Publikum zum Ausdruck brachten. Billy Crystal erzählte davon, wie er als Kind in seinem Haushalt seine ersten Lacher von Verwandten bekam, die aus Russland, Odessa und Kiew geflohen waren, „um nach Amerika zu kommen, wo sie frei von Tyrannei leben konnten“. Wir können davon ausgehen, dass es am 27. März mehr davon geben wird.

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Es gehört irgendwie zum guten Ton, einen Film von Jane Campion zu mögen, der ersten Regisseurin, die – übrigens vor bald 30 Jahren – eine Goldene Palme in Cannes gewann. Zum noch besseren Ton gehört, diesen Film nicht auf Netflix, sondern auf Riesenleinwand zu sehen, denn Filme wie dieser gehören grundsätzlich auf Riesenleinwand gesehen. (Doch das von Netflix gewährte Kinoverwertungsfenster hat sich geschlossen, während in Österreich nicht einmal Filme für normal große Leinwände zu sehen waren.) Zum besten Ton allerdings gehört, The Power of the Dog egal auf welchem Screen als das zu erkennen, was es ist: ein feministisches Meisterwerk. filmfilter-Kollege Moldenhauer hat ja, in einer kurzen Gegenüberstellung mit Kelly Reichardts First Cow, bereits festgestellt: Der Film zeigt eine Welt, in der die Beziehungen der Menschen im Wesentlichen durch toxische Männlichkeit strukturiert werden. (Ja, da waren tatsächlich zwei Western von zwei Frauen in einer Woche in deutschen Kinos angelaufen – ist das nicht eine selten schöne Inzidenz?) Campion war übrigens immer schon eine der sympathischsten, weil nämlich auch Männer verstehenden Feministinnen ihrer Zunft und hat u.a. mit der Miniserie Top of the Lake (2013) eine der atmosphärisch anspruchsvollsten Mystery-Erzählungen aller Zeiten geschrieben und in Szene gesetzt. Abgesehen von der weiblichen Perspektive hat The Power of the Dog große Schauspielkunst (Benedict Cumberbatch, Kirsten Dunst, Jesse Plemons und Kodi Smit-McPhee), erzählökonomische Grandezza und zwei herrliche Kontraste zu bieten: weite Landschaft und psychisch beengte Lebensräume sowie traditionelles Storytelling trotz Verzicht auf jede Konvention.

Während die Ehe in Campions Western nur den Rahmen für außereheliche Psychodynamiken abgibt, steht sie in einer Miniserienproduktion des The Affair-Schöpfers Hagai Levi im Mittelpunkt der Erzählung. Scenes from a Marriage (Sky) bezieht sich explizit auf Ingmar Bergmans Szenen einer Ehe, spielt aber an der amerikanischen Ostküste und bedient sich der Strahlkraft zweier Zentralgestirne des Schauspielkosmos, nämlich Jessica Chastain und Oscar Isaac. Mit sozusagen vertauschten Rollen: Die Alpha-Frau macht Karriere, er kümmert sich ums Kind. Doch dann ist ein israelischer Internet-Startupper plötzlich interessanter als der eigene Kümmermann, und die fatale Trennung-und-dann-doch-wieder-nicht-Dynamik nimmt ihren Lauf. Das ist ausgezeichnet geschrieben, in vifen Verdichtungen der Timeline erzählt, in detailreich gestalteten Interieurs inszeniert und mit hoher Intensität gespielt. Darüber hinaus vermittelt die Serie eine Alleinseins-Beklemmung, die in der doch ziemlich weitschweifigen TV-Beziehungslandschaft ihresgleichen sucht. Eine „Hey, das hier sind Dreharbeiten“-Ebene wird als Rahmen eingezogen, insofern ist Scenes from a Marriage auch Bergman Island, Mia Hansen-Løves wunderbarem und im Ton hellerem Beziehungsfilm, entfernt verwandt. Was Levis Betrachtung einer Ehe auf ungleicher Augenhöhe fein herausarbeitet, sind die toxisch wirksamsten Elemente der Paar-Entzauberung: Respektlosigkeit im Streit, Vertrauensmissbrauch, im Anderen das Gefühl der Machtlosigkeit evozieren; der Stolz als letzte Bastion und die Unfähigkeit zu verzeihen.

Mir nicht verziehen hat man einst, dass ich, als Sex and the City noch quasi jungfräulich und in aller Frauen Munde war, gewagt habe, den Off-Kommentar von Carrie als Kitsch zu qualifizieren. Da hat mir die damals junge Wiener Dior-Fendi-Prada-Manolos-Fanfraktion aber ordentlich den Marsch geblasen! Aber zum Neuaufguss der sogenannten ersten Frauenserie von HBO (als ob Oz nicht Jahre früher mannigfach von Afro-Amerikanerinnen gesehen worden wäre) dann nächste Woche von berufenerer Stelle: Immerhin schreibt filmfilter-Kollegin Marietta Steinhart ihren Sofa Surfer aus New York.

Zum Schluss noch ein Wort zur Netflix-Kooperation einer deutschen Shooting-Star-Regisseurin (Nora Fingscheidt, Systemsprenger) und eines gesichtsbehandelten deutsch-amerikanischen Hollywoodstars (Sandra Bullock) auf Netflix, nämlich zu Unforgivable, und bitte um Verzeihung für das Wortspiel: Es ist verzeihlich, diesen Film nicht zu kommentieren.

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