Der als „Barbenheimer“ bekannt gewordene Kulturwahn sorgte für das viertgrößte Kinowochenende der Geschichte – und das ganz ohne Superhelden. „Das Filmgeschäft lebt!“ schrieb Brooks Barnes von der New York Times euphorisch. Ich will keine Partybremse sein, aber tanzen wir vielleicht gerade am Abgrund?

Die gute Nachricht für Hollywood: Greta Gerwigs Phantasie in Pink legte mit einem Einspielergebnis von 162 Millionen US-Dollar in Nordamerika das stärkste Eröffnungswochenende des Jahres hin (und führte Berichten zufolge sogar zu einer Verknappung der Farbe Rosa). An den internationalen Kinokassen spielte Barbie 194 Millionen US-Dollar ein, was einer beeindruckenden weltweiten Bilanz von 356 Millionen US-Dollar entspricht (unsere Kritik hier).

Das ist der beste Start eines Films mit weiblicher Regie überhaupt – und es sei Gerwig vergönnt. Gleichzeitig spielte Christopher Nolans Oppenheimer beachtliche 82,4 Millionen US-Dollar ein, eine gewaltige Leistung für ein dichtes dreistündiges Drama über den „Vater der Atombombe“. An den internationalen Kinokassen spielte er 97,9 Millionen US-Dollar ein, was einer Gesamteinspielsumme von über 180 Millionen US-Dollar entspricht (unsere Kritik hier).

Sobald bekannt geworden war, dass die beiden Megablockbuster am gleichen Tag ins Kino kommen, wurde „Barbenheimer“ im Internet geboren – gratis Werbung für beide sozusagen, oder zumindest für den jeweils anderen Film. Barbie vor einem rosa Atompilz. Oppenheimer-Star Cillian Murphy düster dreinblickend mit Barbies glitzerndem Cowboyhut. Barbie und Oppie – die Stars von La La Land. Es war die Art von viralem Phänomen, von dem Marketingleute in der Regel nur träumen können. „Atomic Kenergy“ lag in der Luft und für all jene, die sich zwischen dem finsteren Weltuntergangsszenario und dem rosa Zuckerrausch nicht entscheiden konnten, hatte man in den USA eine Lösung gefunden: In vielen Kinos gab es Doppelvorstellungen und die Kinos hierzulande, das Burgkino zum Beispiel, machten bei dem Hype mit. Das Double-Feature dauert ganze 316 Minuten (Respekt an alle, die keine Lav-Diaz-Fans sind und das trotzdem durchgestanden haben).

Während all das geschah, verdoppelte sich allerdings auch ein Streik in Hollywood. Die Vertragshandlungen zwischen den Studios und den Drehbuchautoren- und Schauspielergewerkschaften waren gescheitert. Berechtigt ist die Frage: Könnte das lukrative Wochenende Hollywoods für eine Weile auch sein letztes gewesen sein?

Wer sich den Rest des Sommers anschaut, bemerkt: Allzu viel hat die Traumfabrik nicht mehr zu bieten. Bis Dune: Part Two am 3. November stehen keine weiteren Blockbuster auf Barbie-Niveau auf dem Programm. Sogar das Dune-Sequel von Denis Villeneuve könnte sich auf nächstes Jahr verschieben, wenn der Schauspielerstreik anhält, weil dem Ensemble die Teilnahme an der weltweiten Pressetour des Films verboten wäre. Je länger Autorinnen und Schauspieler streiken, desto größer wird das Loch im nächsten oder übernächsten Sommer, wenn die Filme, die gerade gedreht werden sollten, noch nicht fertig sind.

Nicht zu unterschätzen ist auch, dass hinter Barbie eine gigantische Bilderbuch-Marketing-Maschine steckt, die sich kaum ein Film leisten kann – oder sollte. Vergessen wir nicht, dass wir eben erst eine Reihe von „Flopbustern“ hatten. Indiana Jones 5, Ant-Man and the Wasp: Quantumania, Shazam! Fury of the Gods oder der Pixar-Film Elemental blieben allesamt weit hinter den Erwartungen zurück. Hollywood-Produktionen sind zum Teil so teuer geworden, dass es schwierig für sie ist, Gewinne einzubringen.

Die Spielzeugfirma Mattel, die hinter Barbie steckt, hat bereits eine Reihe von Filmen angekündigt, die auf ihren Produkten basieren. Doch erst vergangene Woche wurde bekannt, dass 30 Millionen US-Dollar allein für die Entwicklung von Mattels Masters of the Universe ausgegeben wurden, woraufhin Netflix aus dem Projekt ausstieg.

Mark Harris ist der Autor von „Pictures at a Revolution“, einem Buch über Bonnie and Clyde und die anderen radikalen „New Hollywood“-Dramen, die Mitte der 1960er Jahre die Oberhand gewannen, als das traditionelle Studiosystem in Hollywood ins Stocken geriet. Was jetzt in der Filmindustrie passiert, sagte er auf Twitter, erinnere ihn an das, was kurz vor dem New-Hollywood-Revival geschah. Sinngemäß: „Ich glaube nicht, dass irgendein Moment seit der Krise vor 20 Jahren der Situation vor der damaligen Revolution so sehr ähnelt wie dieser. Größere, längere, aufgeblähtere Filme, von denen die meisten schwächere Versionen dessen sind, was vor 20 Jahren funktionierte.“

Ich glaube nicht, dass Barbie und Oppenheimer das „neue Bonnie and Clyde und Easy Rider“ sind und plötzlich originelle Blockbuster wie Schwammerl aus dem Boden Hollywoods sprießen werden. Es wird wahrscheinlich zu Barbie-und-Ken-Sequels führen. Wer weiß, vielleicht bekommt Kate McKinnon auch ihr eigenes „Weird Barbie“-Movie. Irgendwie fühlt sich Barbenheimer wie die letzte Party am Plastikstrand an – bevor das Hollywood-Puppenhaus zusammenbricht.

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Twitter schäumte tatsächlich. Hobby-Historiker:innen erinnerten freundlicherweise alle daran: Anne Boleyn, die vermeintlich ehebrecherische Frau, die König Heinrich VIII. von England dazu verführte, seine Frau und seine Kirche zu verlassen, bevor sie 1536 enthauptet wurde, war eigentlich weiß und sollte daher von einer weißen Schauspielerin gespielt werden. Und ein Twitteraner kommentierte: „Historical figures should be played by the actors of the same colour, IMO. That shouldn’t be too controversial, what would be said if Nelson Mandela was played by Colin Firth for example?“.

Vorläufig wirft die Idee interessante Fragen auf. Bedeutet keine Hautfarbe zu sehen, nicht auch die besonderen Erfahrungen Menschen anderer Hautfarbe zu ignorieren? Im Jahr 2015 besetzte die Royal Shakespeare Company Lucian Msamati, einen Schwarzen, als Iago in Othello. Joel Coen hat in seiner (schwarzweißen, und doch farbenblinden) Macbeth-Adaption Denzel Washington mit der Rolle des schottischen Königsmörders betraut. Aber kann man im Umkehrschluss den dunkelhäutigen Feldherren Othello mit einem weißen Schauspieler besetzen?

Im Theater ist das Konzept des Colorblind Casting, der „farbenblinden“ Besetzung, schon länger etabliert, aber auch im Film sieht man heute immer öfter Schauspieler und Schauspielerinnen in Rollen, in denen sie lange nicht vorgesehen waren. Bereits 1997 gab es eine (zu vernachlässigende) Musicalversion von Cinderella, in der Whitney Houston die gute Fee, die Sängerin Brandy Aschenputtel und Whoopi Goldberg die Königin spielten. Dev Patel, Sohn indischer Eltern, spielte 2019 den Helden in Armando Iannuccis The Personal History of David Copperfield. Und dann war da natürlich die Netflix-Serie Bridgerton, die das Bild einer blütenweißen, englischen Gesellschaft um 1820 ordentlich auf den Kopf stellte. Am meisten Aufsehen dürfte wohl die Besetzung der Rolle von Königin Charlotte mit der guyanisch-britischen Schauspielerin Golda Rosheuvel erregt haben. Die Macher der Hit-Serie berufen sich dabei auf die These, dass Sophie Charlotte von Mecklenburg-Strelitz auch in Wirklichkeit die erste „farbige“ britische Königin war, weil neun Generationen vor ihr eine portugiesische Adlige afrikanischer Herkunft in ihrem Stammbaum steht.

Aber während die Figuren in Bridgerton fiktiv sind, spielen im Dreiteiler Anne Boleyn nicht-weiße Schauspieler:innen mehrere weiße historische Figuren. Jodie Turner-Smith, die bereits eine Hauptrolle in dem sehr unterschätzten Film Queen & Slim hatte, wurde für ihre Darstellung der englischen Königin zurecht gelobt. Das Colorblind Casting soll dafür sorgen, dass sich mehr Zuschauer:innen vertreten fühlen. Wirklich farbenblind ist es aber natürlich nicht. Eine schwarze Anne Boleyn, das ist ein Statement. Es ist ein Kunstgriff, und es bleibt die Frage, was damit erreicht werden soll. Anne Boleyn sah natürlich auch nicht aus wie Natalie Portman, die die Figur in The Other Boleyn Girl spielte. Aber ich frage mich, warum wir das Gefühl haben sollten, als Gesellschaft „Fortschritte“ gemacht zu haben, weil eine dunkelhäutige schwarze Schauspielerin die Mutter einer zukünftigen Königin porträtiert, welche Englands Eintritt in den transatlantischen Sklavenhandel erleichterte, der wiederum verheerende Folgen für den afrikanischen Kontinent hatte? Es dürfte nicht mehr als ein Versuch sein, mit einer Casting-Entscheidung Aufmerksamkeit zu erregen.

Der afroamerikanische Dramatiker August Wilson meinte schon 1996, es sei wenig damit gewonnen, afroamerikanische Schauspielerinnen und Schauspieler die „weißen Klassiker“ spielen zu lassen. Er hielt es für eine „abwegige Idee“ und ein Symptom des eurozentrischen Kulturimperialismus, den es eigentlich zu tilgen gelte. Es gehe vielmehr darum, schwarzes Theater und seine Dramatiker zu fördern.

Wir leben in einer aufregenden Zeit für schwarzes historisches Geschichtenerzählen in Film und Fernsehen, von Steve McQueens Small Axe-Serie bis zu Barry Jenkins eindringlich schöner Serie The Underground Railroad (beides auf Amazon). Sarah Forbes Bonetta, die nigerianische Prinzessin, die im England des 19. Jahrhunderts die Patentochter von Königin Victoria wurde, wird von Cynthia Erivos gespielt werden. In dem Geschichtsdrama The Woman King, das noch in diesem Jahr in die Kinos kommt, spielt Viola Davis eine Kriegerin von Dahomey, die sich gegen die französische Invasion wehrt. Verlassen wir uns lieber weniger auf das historische England und mehr auf andere Geschichten, in denen es viel mehr großartige schwarze Frauen darzustellen gibt.

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Große Gewinner sind im Bereich Kinofilm Jane Campions grübelnder, großartiger Western The Power of The Dog und Steven Spielbergs schönes West Side Story-Remake mit je drei Auszeichnungen. Die HBO-Serien Succession und Hacks gewannen die besten Serienpreise. Kein schlechtes Zeugnis. Aber es gab kein Publikum, keine Fernsehübertragung, keine tränenreichen Dankesreden, keinen roten Teppich, keine Promis, keine Party. Die Show wurde nicht einmal live gestreamt. Die Gewinner wurden nüchtern auf Social Media verlautbart.

Die Hollywood Foreign Press Association (HFPA), die seit 1944 die Golden Globes vergibt, war vor zwei Jahren (völlig zu Recht, wenngleich viel zu spät) in Ungnade gefallen. Die Organisation sei zu exklusiv, zu rassistisch, zu bestechlich, zu inkompetent. Gipfel: Rund dreißig Mitglieder wurden von den Produzenten von Emily in Paris nach Paris geflogen, wo sie in einem Hotel für je 1.400 US-Dollar pro Nacht untergebracht waren. Die klischeestrotzende Netflix-Serie wurde für zwei Globes nominiert, während z.B. Michaela Coels hervorragende Serie I May Destroy You völlig ignoriert wurde. Eher kein Zufall, denn kein einziges der damals 87 Mitglieder war schwarz. Die Gruppe hat inzwischen ihre Reihen diversifiziert, 21 neue Mitglieder aufgenommen und neue Compliance-Regeln verabschiedet. A little late.

Da war ein kurzer Auftritt von Arnold Schwarzenegger am Sonntagabend fast schon verzweifelt peinlich. Um das angekratzte Image der Organisation zu retten, pries der Schauspieler die Großzügigkeit und Offenheit der HFPA und betonte, dass die Gruppe einst ihm, einem jungen österreichischen Bodybuilder mit änderungswürdigem Nachnamen, einen Award zugesprochen hatte – für seine Rolle in Stay Hungry (1976) .

Ganz abgesehen von der Kontroverse, die von der L.A. Times angekurbelt wurde, hatten die Golden Globes lange vor der Pandemie ein Reputations- und Einschaltquotenproblem. Ricky Gervais nannte sie „wertlos“, als er sie im Jahr 2016 moderierte: „Es ist ein bisschen Metall, das einige nette, alte, verwirrte Journalisten Ihnen persönlich geben wollen, damit sie ein Selfie mit Ihnen machen können, okay?“

Hoffentlich ist dies das letzte Jahr, in dem wir die Golden Globes ernsthaft diskutieren. Was sind sie, wenn nicht irrelevant? Jedes Jahr, als noch Galas möglich waren, gelang es einer kleinen, dubiosen Gruppe von Auslandsjournalist:innen, ein elitäres, antiquiertes Pseudo-Ereignis zu inszenieren. Alle klopften sich auf die Schultern, die Gewinner verbeugten sich vor der Echokammer/Kollegenschaft, und am nächsten Morgen jammerten alle in den Medien darüber, wie langweilig es war (inklusive dieser Autorin). Während die Welt prekärer wird, fühlt sich der schillernde, selbstbeglückende Geist von Preisverleihungen immer bizarrer an.

Das gilt im Übrigen auch für die Oscars, die am 27. März stattfinden sollen. Keiner weiß, wie die Veranstaltung aussehen wird. Kernfrage: Wer wird zusehen wollen? Ich kann mich gut an lange Nächte mit Augenringen erinnern, in denen ich aufgeblieben bin, um die Oscars live im Fernsehen zu verfolgen. War auch einige Jahre vor Ort, um Bericht zu erstatten. Obwohl ich jetzt näher an der passenden Zeitzone lebe, sehe ich mir stattdessen lieber einen guten Film an.

Die Oscar-Zuschauerzahlen sind seit Jahren im freien Fall. In ihren besten Zeiten zog die Gala 55 Millionen Zuschauer an. Während die Zahlen von 2020, als letztlich Parasite gewann, als neues Allzeittief (23,6 Millionen) in die TV-Geschichte eingingen, brachen sie schon im nächsten Jahr um weitere 60 Prozent ein: Im April 2021 wollten nur mehr 10,4 Millionen Zuschauer live dabei sein, als die Goldmännchen ausgehändigt wurden.

Die Oscars verstehen sich als Wächter der „hohen“ Kunst, in einer Zeit, in der ein Actionspektakel voller Maschinen-Fetische (F9: The Fast Saga) sowie ein Superhelden-Franchise (Spider-Man: No Way Home), zu den wirtschaftlich erfolgreichsten Filmen der Welt zählen. Freilich: Oscars spiegeln nicht in erster Linie die hohe Filmkunst wider (das können Festivals viel besser), es ging bei der Gala immer schon mehr um Voyeurismus, um Pomp, um Politik, um Einschaltquoten. Darüber hinaus wissen wir alle, wie subjektiv Preisverleihungen sind.

Preise sollten eine Wertschätzung für künstlerische Anstrengungen sein. Die Anerkennung ist für viele ein Grund, sich einen „kleineren“ Film anzuschauen. Der Entfall pompöser Preisverleihungen hätte wohl wenig Wirkung auf die Erinnerung und Relevanz kultureller Produkte. Wenn wir sie als veraltete Schiedsrichter für künstlerische Verdienste nicht loswerden können, dann müssen sie sich wieder mit den Menschen verbinden. Wenn sich die Viruswolke eines Tages endlich hebt, werden sich unsere Sehgewohnheiten geändert haben. Vielleicht ist das auch gut so. Vielleicht definieren wir dann auch den Erfolg eines Films anders. Die Errungenschaften einer Frau hinter der Kamera zum Beispiel, wie Jane Campion, bleiben auch ohne Blitzgewitter, High Heels und Glamour dieselben bewunderungswürdigen Errungenschaften.

Stellt euch vor, es ist Preisverleihung in einem schicken Hotel in Beverly Hills und niemand geht hin.

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