Renfield ist eine arme Sau. Als Handlanger eines narzisstischen Ungetüms mit mangelnder Impulskontrolle hat er kein leichtes Leben. Immer muss er hinter dem Boss herräumen, muss die Sauereien beseitigen, die dieser mit schönster Regelmäßigkeit anrichtet, und muss ihn hochpäppeln, wenn er sich mal wieder selbst überschätzt und an den Rand der Nicht-Existenz gebracht hat. Hochpäppeln bedeutet, dass Renfield die Lebensmittel heranschafft, die seinem Herrn und Meister zu alter Größe verhelfen, was wiederum aufgrund der exotischen Ernährungsgewohnheiten desselben mit einem Besuch im Supermarkt nicht abgetan ist. Denn der Boss, Sie ahnen es, ist niemand Geringerer als Graf Dracula, der Untote, der Blutsäufer, Ausgeburt der Hölle, Perversion der Schöpfung – Vampir eben. Und im vorliegenden Fall, nämlich in Chris McKays Fantasyhorrorkomödie Renfield, von niemand Geringerem dargestellt als Nicolas Cage, Vollblut-Schauspieler ohne Limit und allzeit bereit voll aufzudrehen; sozusagen Idealbesetzung.

Nur heißt der Film ja nicht Dracula, sondern eben Renfield, nach einer Randfigur in Bram Stokers berühmtem, 1897 veröffentlichtem Roman. Darin ist Renfield als ein Irrer beschrieben, der sich von Fliegen, Spinnen und anderem Getier ernährt, der sich mit Leib und Seele dem Untoten verschreibt, und der diesem sodann Zutritt zur begehrten Verlobten Jonathan Harkers verschafft, Mina, die in derselben Heilanstalt untergebracht ist wie Renfield.

Gespielt wird die Figur dieses Dieners hier von Nicholas Hoult, der zwar nicht gerade für seine Rampensau-Qualitäten bekannt ist, sich aber auch nicht so leicht ins Bockshorn jagen lässt, und der zudem immer mal wieder ausgesprochen angenehm mit exzentrischen Darbietungen auffällt; beispielsweise als ultranaives Kanonenfutter in Mad Max: Fury Road (George Miller, 2015), als aufgedonnerter Parteiführer in The Favourite (Yorgos Lanthimos, 2018), oder auch als den Mund zu voll nehmender Gourmet in The Menu (Mark Mylod, 2022 – hier unsere Kritik). Hoult verfügt über das nötige Stamina, sich in den Szenen mit Cage von diesem an die Wand spielen zu lassen, ohne dass dabei seine Figur Schaden nimmt. Was allerdings natürlich auch damit zusammenhängt, dass dieselbe nicht mehr allzuviel Schaden nehmen kann, ist Renfield doch in den vielen Jahrzehnten seines Dienstes am Grafen von diesem in die totale Unterwerfung gezwungen worden.

Mit dem Einsetzen der Handlung im New Orleans der Gegenwart hat Renfield nun aber endgültig die Nase voll davon, vom Boss wie ein Putzlumpen behandelt zu werden. Also schließt er sich – was läge näher? – einer Selbsthilfegruppe an, deren Mitglieder Auswege aus ihren jeweiligen toxischen Beziehungen zu narzisstischen Egomanen suchen, auf die sie einst so hoffnungsvoll hereingefallen sind. Und als würde das noch nicht Anlass genug für Ärger aller Art liefern, verliebt er sich obendrein noch auf den ersten Blick und unsterblich in eine kleine Streifenpolizistin namens Rebecca, die ihm etwas Entscheidendes voraus hat: Sie gibt nicht klein bei. Niemals.

Die Rapperin und Schauspielerin Awkwafina legt diese wackere Ordnungshüterin als Würfel an. Mit hochgezogenen Schultern, zusammengestauchtem Körper, pampigem Gesichtsausdruck, allzeit wild entschlossen und eher humorlos projiziert die Figur nicht lediglich Anspannung, sondern schon Verkrampfung; eine Verkrampfung, die ungeklärten familiären Konflikten und nicht aufgearbeiteten Verlusten geschuldet ist. Rebecca ist sozusagen Renfields Kehrseite; auch sie muss sich befreien. Doch wo Renfield im Zweifelsfall den Schwanz einzieht und das Weite sucht – im Grunde ist er ein eher sanftmütiger Mann, der keinem Insekt ein Haar krümmen würde, müsste er dieselben nicht zur Erlangung vampirischer Superkräfte immer mal wieder in sich hineinmampfen –, stürzt sich Rebecca wie ein Terrier, die Gefahr nicht achtend, auf den Gegner und verbeißt sich. Unschwer zu erahnen: Gemeinsam sind sie stark!

Und geben kein Pardon. Wie im übrigen auch nicht die Blut- und Gekröse-Abteilungen, die für die haltlosen Schlachtfeste verantwortlich zeichnen, die den Handlungsverlauf akzentuieren. Da geht es hoch her und unappetitlich zu, enthemmte Comicgewalt, blutrotgefärbt, die sich dem Unfug, der Renfield ist, harmonisch beifügt.

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Weil eben von der Berlinale die Rede war: Bereits im vergangenen Jahr wurde im dortigen Wettbewerb das Familiendrama La Ligne der französisch-schweizerischen Filmemacherin Ursula Meier gezeigt, das nun endlich doch noch in die Kinos kommt. Es beginnt fulminant mit einer handgreiflichen Auseinandersetzung zwischen einer Mutter und ihrer Tochter, an deren Ende ein Richter sich dazu genötigt sieht, ein Annäherungsverbot zu verhängen. Hundert Meter Abstand muss die Tochter fortan vom Haus der Mutter halten. Was ist los mit dieser Frau, die sich nun nahezu täglich am Rand jenes Bannkreises einfindet, den ihre kleine Schwester mit hellblauer Farbe um das Mutterhaus gezogen hat? Dort drinnen sitzt sie, wie die Spinne im Netz, die ziemlich spinnerte, ungemein selbstverliebte, immer mal wieder hochnotpeinliche, ehemalige Konzertpianistin, die mutmaßlich ihr gerüttelt Maß zum Missraten der ältesten Tochter beigetragen hat. Valeria Bruni Tedeschi spielt diese Frau mit sichtbarem Genuss an der gerade noch so vertretbaren Übertreibung als eine explosive Mischung aus Prinzessin und Hexe. Ihr gegenüber steht Stéphanie Blanchoud, die die Tochter nach außen wie eine permanent geballte Faust wirken lässt, während sie im Inneren an ihren eigenen masochistisch-suizidalen Impulsen zu verzweifeln droht. Allein die Schauspielerei in diesem Film lohnt den Besuch.

Stichwort Schauspielerei: Freuen können sich Filmfreund und Filmfreundin auch auf neue Arbeiten von Robert De Niro, Nicolas Cage, Mia Goth und Bill Nighy. De Niro fügt seiner mittlerweile recht umfangreichen Sammlung eigenwilliger Grumpy Old Men in der Culture-Clash-Komödie About My Father von Laura Terruso ein weiteres Exemplar hinzu: einen stolzen italienischen Immigranten, der es als Friseur zu bescheidenem Wohlstand gebracht hat, und den es, weil der Sohn sich verliebt hat, nun unter weiße Oberschichtler verschlägt, die ihre Vorfahren mutmaßlich bis zu den Pilgervätern zurückverfolgen können.

Cage wiederum kann seine Hauer, und das ist wörtlich zu nehmen, in der Horrorsatire Renfield von Chris McKay in die Figur des altbekannten Blutsaugers versenken und das Leben seines filmgeschichtlich arg vernachlässigten, titelgebenden Assistenten (engagiert verkörpert von Nicholas Hoult) zur Hölle machen. Sehenswert ist das haltlose Schlachtfest vor allem wegen Awkwafinas Körperbild einer wackeren Streifenpolizistin, die auch irgendwie ins Schlamassel gerät.

Goth arbeitet währenddessen mit Ti Wests Pearl – an dessen Drehbuch sie mitgeschrieben und den sie mitproduziert hat – an der Figur der sexbesessenen Alten weiter, die in Wests X (2022) Angst und Schrecken verbreitet hat. Das wollte man ja ohnehin längst wissen, wie es dazu kam, was da passierte. Nur stellt sich, nach der Ansicht dieses ungewöhnlich schrecklichen Films, die Frage doch noch einmal neu: Wollten wir es wirklich so genau wissen?

Weniger horror-affinen Gemütern sei daher Bill Nighy vorgeschlagen, der große Szenendieb, der endlich einmal wieder in einer Hauptrolle zu sehen ist; einer zumal, in der er sein ganzes Repertoire an subtilen Ausdrucksmöglichkeiten zu schönster Geltung bringen kann. Living ist Oliver Hermanus’ Remake des Films Ikiru von Akira Kurosawa aus dem Jahr 1952, der wiederum auf einer Novelle von Lew Tolstoi („Der Tod des Iwan Illjitsch“, 1886) beruhte. Das Drehbuch zum Remake schrieb Literaturnobelpreisträger Kazuo Ishiguro. Living – die Geschichte eines sterbenden Beamten, der noch etwas vom Leben will und sich den Bau eines Spielplatzes zum Ziel nimmt – ist ein Melodram, dem es um die Gefühle eines Mannes zu tun ist, der den Ausdruck von Gefühlen nie gelernt hat. Wer könnte das besser spielen als Nighy, der vor lauter Gefühl aus allen Nähten platzt und eben dies so hervorragend zu verbergen weiß.

Zuguterletzt nun also noch und weil die sogenannte Urlaubszeit bereits am Horizont dräut, eine Warnung unserer polnischen Nachbar:innen: Fucking Bornholm von Anna Kazejak, ein präzise beobachtetes, vielschichtiges Beziehungsdrama mit grotesk-komischen Einsprengseln, angesiedelt auf titelgebender Insel, die auch als „Perle der Ostsee“ bekannt ist. Hier also urlauben seit Jahren gemeinsam zwei Paare mit jeweiligen Kindern; nur ist es diesmal nicht wie immer. Denn Dawid hat sich scheiden lassen und kommt mit seiner bedeutend jüngeren, neuen Freundin Nina; sowie Sohn Kaj, der nunmehr bei der Mutter lebt und bei dem er Boden gut zu machen hofft. Bei Maja und Hubert mit den Söhnen Eryk und Wiktor scheint hingegen alles wie gewohnt, doch wer genau hinsieht, erkennt die feinen Haarrisse ermüdender Routine. Dann probieren die drei kleinen Jungs in der Nacht im Zelt etwas Nicht-Jugendfreies aus, das einer von ihnen auf dem Computer seines Vaters gesehen hat. Die Sache ist peinlich und tabu-beladen und treibt Kinder wie Erwachsene an ihre Grenzen. Erkundet wird in Fucking Bornholm auch das mittlerweile schwer verminte Gelände zwischen ersten Entdeckungen kindlicher Sexualität und Missbrauchsvorwürfen an Schutzbefohlene wie Erziehungsberechtigte gleichermaßen. Allerdings ist der Porno-inspirierte Vorfall lediglich der Anfang eines Strudels, der alle gleichermaßen in den Abgrund reißt. Urlaub als Tortur und schauspielerische Kür. Das wunderbar stimmig besetzte Ensemble nutzt die Gelegenheit zum Kammerspiel unter freiem Himmel. Unterstützt von Jerzy Rogiewicz’ deutlich von Vivaldi inspiriertem Score, der dieser Darstellung sehr erwachsener Ratlosigkeit angesichts des Feststeckens im eigenen Leben eine opernhaft-opulente Anmutung und existenzielle Schwere verleiht.

Bis zum nächsten Mal … bleiben Sie tapfer!

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Der Schrei eines Babys hat etwas an sich, das etwas in unserem Urgehirn auslöst. Emma Seligman verwendet diesen Klang wie einen Sirenenalarm in ihrem Debütfilm Shiva Baby (Mubi), einem perfekten Stück possierlichen Erschauderns. Der dissonante Klangteppich des Films, gezupfte Saiten, spiegelt den eines Horrorfilms wider. Die Nerven fangen an zu fransen, von dem Moment an, in dem Danielle (Rachel Sennott) bei der titelgebenden Shiva, dem jüdischen Trauerritual, auftaucht. Hier gibt es viel, um das Danielle auf Zehenspitzen herumschleichen muss: ihre Bisexualität, ihre Ex-Freundin, der Sugar Daddy, der sie für Sex bezahlt, und dem sie am Klo einen blasen will, ein kreischendes Baby, ihre ungewisse Zukunft. Ältere Damen strecken ihre Hände nach ihr aus, um ihre Wangen zu tätscheln, an ihrem zierlichen Körper zu zupfen. Hat sie schon einen Freund? Warum nicht? Hat sie eine Ess-Störung? Es passiert viel und Emma Seligman hält die Kamera konstant auf Rachel Sennotts ausdrucksstarkes Gesicht, die beengende Bestandsaufnahme einer jungen Frau, während sie irgendwo zwischen urkomischem Nihilismus und herzzerreißender Existenzkrise baumelt.

Nicht ganz so sexpositiv läuft es in einer Serie ab, die einst entspannt über Analsex und weibliche Ejakulation reden konnte. Das neue Kapitel von Sex and the City ist ein Sex-loses Zombie-Durcheinander. Beim Anschauen von And Just Like That… (Sky) fühlte ich mich alt, und das nicht, weil ich, wie diese Damen, seit der Originalserie gealtert bin, sondern weil so vieles schmerzlich erzwungen ist. Es dauert keine fünf Minuten und wir werden daran erinnert, dass sie alle jenseits der Fünfzig sind; dass es eine Pandemie gab (die in der Serie dann einfach so verschwunden ist); dass Kim Cattrall nicht an der Fortsetzung teilnehmen wollte (was bedeutet, dass Samantha verschwunden ist – nicht tot, wie jemand erklärt, sondern „in London lebt“); und dass Social Media und Black Lives Matter passiert sind. Ach ja, und Big hat ein Peloton!

Sarah Jessica Parkers Carrie zieht sich immer noch so an, als ob sie auf dem Laufsteg wäre. Wenn sie liebevoll ihre Schuhkollektion betrachtet, gurrt sie immer noch: „Hello, lovers“. Aber sie ist jetzt eine verklemmte „Cisgender-Frau“ in einem Podcast, und dann ist es ihr peinlich über Selbstbefriedigung zu reden? Ohne Samantha hat keine von ihnen Sex, was vermutlich einer der Gründe ist, warum der Titel geändert werden musste. Miranda (Cynthia Nixon) hat seit Jahren keinen Sex mit Steve, der jetzt ein Hörgerät trägt, aber sie stolpert ständig über Kondome ihres Sohnes Brady. Der einzige Sex, den wir in den ersten zwei Folgen erleben, ist der von Brady mit seiner Freundin. Sex and the City war Ende der Neunziger eine Serie, die offen mit Sexualität umging. Sie war auch, wie vieles im Fernsehen damals, sehr hetero und sehr weiß. Das neue Kapitel zeigt endlich auch Menschen, die nicht weiß sind, aber es ist ziemlich gekünstelt. Jede Frau bekommt eine nicht-weiße Freundin zur Seite gestellt. Zeitgeistige Serien wie Sex and the City werden oft dafür beschimpft, dass sie nicht „gut altern“. Aber vielleicht sind sie einfach nicht dazu bestimmt?

Eine Serie, die ihrem Titel großartig gerecht wird, ist einfacher denn je zu lieben. Die erste Season von The Great  (Starzplay/Prime Video ab 19.12.) folgte der „gelegentlich wahren Geschichte“ von Katharina der Großen (Elle Fanning) in den frühen Tagen ihrer arrangierten Ehe, die in einem Staatsstreich gipfelte. Katharina hat Peter (Nicholas Hoult) die Macht entrissen, überzeugt davon, dass er ein amoralisches Man-Baby ist und dass sie eine humane Diktatorin sein kann. Sie hat ethische Bedenken hinsichtlich der Leibeigenschaft, aber es fällt ihr schwer, die Adligen davon zu überzeugen, dass Diener nicht gern mit Messern beworfen werden. Bei jeder Veränderung, die sie umzusetzen versucht, muss sie sich Dutzenden von mürrischen, alten Männern stellen. Außerdem ist sie schwanger und ihre Berater legen ihr einen Frosch auf den Bauch, um dem Baby beim Wachsen zu helfen, und sagen ihr, dass das Kind im Mutterleib explodieren könnte, wenn es nicht genug Orgasmen hat. The Great wurde von Tony McNamara geschaffen, der gemeinsam mit Yorgos Lanthimos The Favourite geschrieben hat, und die gleiche ungeheuerliche Schlagfertigkeit und die gleiche schwindelerregende Absurdität ziehen sich durch die gesamte Serie. „Ich werde dich so, so langsam töten“, erklärt Katharina spät in der zweiten Staffel einem Feind. „Und ich werde viele französische Wörter mit perfektem Akzent sagen, während ich deine Haut von deinem Körper schäle und dein Fleisch mit Rosmarinsalz einreibe.“ Das Problem der aufkommenden Moderne war selten so lustig.

Apropos Yorgos Lanthimos. Sein 12-Minüter Nimic (Mubi) eröffnet wieder einmal einen fischäugigen Blick in den wundervoll seltsamen Kopf dieses griechischen Regisseurs. Matt Dillon spielt einen Cellisten, dessen Identität von einem Imitator gestohlen wird, von der völlig unähnlichen Daphne Patakia, um genau zu sein. Nimic wird zu einem makabren Spiel, wenn die Frau beginnt, ihm und seinen Bewegungen zu folgen. Ähnlich unharmonisch und unheimlich ist die Partitur, bestehend aus der Musik von Benjamin Britten und dem experimentellen Komponisten Luc Ferrari. Lanthimos hat sich zunehmend dem Surrealen im Herzen seiner Filme verschrieben, davon zeugt auch Nimic.

Um Doppelgänger geht es auch in Swan Song (Apple TV+) – nicht zu verwechseln mit dem großartigen Swan Song mit Udo Kier – in dem ein sterbender Mahershala Ali versucht, seiner Familie Leid zu ersparen, indem er sich klonen lässt. Wie in so vielen Science-Fiction-Filmen geht es um sehr menschliche Fragen der Identität. Noch viel besser behandelt solche Fragen Ich bin Dein Mensch von Maria Schrader. Es ist einer der seltsamsten, sehnsüchtigsten, einsamsten Filme über algorithmische Liebe. (ARD Mediathek bzw. am 22.12. im Ersten ­– denn lineares Fernsehen gibt es ja auch noch!)

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