Als vor siebzehn Jahren ein Journalist vom Guardian das Wort „Podcast“ erfand und als iTunes damit begann, hörten nur die Audiophilen zu. Inzwischen sind Podcasts ein großes Geschäft. Hollywood hat das bemerkt und begonnen, Rechte einzukaufen – nicht unähnlich dem Comic-Hype vor vielen Jahren. Amazon hat 2020 Wondery zu einem geschätzten Preis von mehr als 300 Millionen US-Dollar gekauft. Der Boston Globe schrieb: „Podcasts are hot, hot, hot“.

And we just can’t get enough. Von Wondery, der Firma hinter Dirty John und Dr. Death, kommt auch The Shrink Next Door, ein Podcast, den Apple TV+ in keine üble Serie umgewandelt hat, und WeCrashed (mehr zur Serie mit Jared Leto und Anne Hathaway hier.)

Die Sache ist die: TV- und Filmfirmen gehen nicht gern große Risiken ein. Wenn sich also etwas als beliebt erwiesen hat, ist das sehr beruhigend. Außerdem bringen die bereits vorhandenen Audiogeschichten natürlich schon Fans mit. Ob nun also Modeerscheinung oder nicht, ein Ende des Podcast-to-TV-Trends ist derzeit nicht in Sicht.

Im Gegenteil: Renée Zellweger spielt die Killerin Pam Hupp, die Protagonistin des Podcasts The Thing About Pam. Die neue Watergate-Serie mit Julia Roberts und Sean Penn basiert auf der ersten Staffel des Podcasts Slow Burn und erscheint am 24. April unter dem Titel Gaslit auf Prime Video. Der Radio-4-Podcast-Hit Tunnel 29 über einen Tunnel unter der Berliner Mauer wird ebenso in eine Serie verwandelt.

Und wenn wir schon bei der Mauer sind. Ein regelrechter Hit im Jahr 2020 war Wind of Change, eine wilde Verschwörungstheorie darüber, ob die CIA den Scorpions-Song als Propagandamittel gegen den Kommunismus geschrieben hat (ja, das habe ich tatsächlich gerade getippt).

Manchmal bringt auch nur eine Episode einen Film hervor. Eine Folge aus dem Podcast This American Life inspirierte Lulu Wangs schönen Film The Farewell.

Gimlet Media, die Muttergesellschaft, die Homecoming produziert hat, hat den Podcast-to-TV-Trend früh erkannt und mit einer ganz neuen Abteilung in ihrem Unternehmen darauf reagiert. Für schlappe 230 Millionen US-Dollar erwarb der Streamer Spotify 2019 Gimlet Media. Und 2020 hat sich Spotify mit Chernin Entertainment zusammengetan, der Firma hinter Ford v Ferrari, Hidden Figures und New Girl.

Eine Geschichte im Deadline-Magazin charakterisierte Hollywoods Interesse an Podcasts als „Fütterungswahn“. Und während der Rubel rollt, ist natürlich nichts falsch daran, Podcasts mit Blick auf Hollywood zu kreieren. Das Filmgeschäft wird immer noch von Remakes, Sequels, Superhelden und anderen Tentpole-Produktionen dominiert. Vielleicht bekommen wir mit Podcasts mehr originäre Geschichten. Mehr Menschen denn je hören zu.

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Über CODA kann man ja munter diskutieren, und nur weil Apple den nicht selbst in Auftrag gegeben, sondern um die stolze Summe von 25 Millionen Dollar nach dem Debüt in Sundance gekauft hat, muss einem ja nicht gleich Hören und Sehen vergehen. Es ist das in einen Fischerort in Massachusetts versetzte Remake der französischen Tragikomödie La famille Bélier (2014) und insofern ein Fall von „kultureller Aneignung“ (Siân Heder hat den Oscar für das beste adaptierte Drehbuch gewonnen). Der Film ist auch in dramaturgischer Hinsicht nicht neu, mag auch – im Übrigen wie das Original – ein wenig formelhaft sein, vermag aber dennoch zu berühren und für die Lebenswelt gehörloser Menschen einzunehmen bzw. für deren Schwierigkeiten zu sensibilisieren. Ja, CODA ist ein Wohlfühl-Drama und ein wenig pickig ist er auch. „Ein Film wie ein Ikea-Regal“, wie der Spiegel schreibt, ist er definitiv nicht. (Schon allein, weil dafür nicht der Urwald Osteuropas draufgeht.) Österreichische und deutsche Kinos, die den dreifach Oscar-prämierten Film auf die große Leinwand holen wollten, kassierten übrigens Absagen. Das Wiener Gartenbaukino hat nicht einmal eine Freigabe für ein einzelnes Screening im Rahmen seiner Oscar-Nacht gekriegt.

Sympathien erwirbt man anders, aber Apple kann es sich gewissermaßen leisten. Mit der aufwändigen Oscar-Kampagne für CODA hat man zu einem guten Zeitpunkt investiert, denn die Serien-Originals, die derzeit beim hauseigenen Streamer laufen, rechtfertigen allein den Abschluss eines AppleTVplus-Abos. Die vier vom filmfilter gesichteten sind jeweils divers (und teils großartig) besetzt, alle vier beschäftigen sich mit gesellschaftlich relevanten Themen, und alle vier finden eine ihrem Gegenstand angemessene Form. Eine davon lässt in der Titelsequenz ein Einhorn als buchstäbliches Unicorn durch ihr Startup-Büro spazieren: WeCrashed, eine Serie als Füllhorn von Story-Gimmicks, entsprechend ihrem verhaltensoriginellen, von the one and only Jared Leto dargestellten Antiheld-Marketingguru-Größenwahnsinnigen, haben wir ja bereits vorgestellt – ebenso wie die wunderbare koreanische Familiensaga Pachinko und den nach langer Drama-Exposition fulminant als Thriller finalisierenden Sci-Fi-Neunteiler Severance, über den im Folgenden noch ein paar Worte ergänzt werden sollen.

Ein Interieur-technisch an die 1950er oder 60er Jahre erinnernder, räumlich weit ausgedehnter und zeitlich penibel getakteter Büro-Alltag wird in Severance mit einer eher an Huxley als an Orwell angelehnten Corporate Control Dystopie verschachtelt; dabei spielt vor dem Hintergrund der weißen Grundtönung des „Lumon“-Konzerns und ein paar verklausulierten Anspielungen an die Geschichte des Tech-Riesen Apple buchstäblich jede Pulloverfarbe zumindest eine Nebenrolle. Die Prämisse der von Dan Erickson entwickelten und großteils von Ben Stiller in Szene gesetzten Geschichte in Kurzfassung: Das Erinnerungsvermögen des Personals wird chirurgisch zwischen privat und dienstlich getrennt, die Auswirkung genau untersucht. Wer besonders plastische Vergleiche braucht: „Severance – what The Office would be like if created by Aldous Huxley“, behauptet der Bunker Podcast. Ein wesentliches Element ist der Personenkult, den das Unternehmen um seinen Gründer aufführt – ein Schelm, wer an Steve Jobs denkt.

Neben der innovativen Retro-Ästhetik u.a. hervorzuheben ist das durchgehend tolle Ensemble. Die trotzige weibliche Hauptfigur Helly R. kann man sich bereits nach den ersten paar Episoden in keiner anderen Gestalt als jener von Britt Lower mehr vorstellen, dazu verharrt die Kamera gern auf den melancholischen Blicken von John Turturro, dem gedruckst verliebten Lächeln von Christopher Walken, der in Sekundenschnelle von Charme zu Groll und zurück changierenden Mimik von CEO Patricia Arquette oder der zähnefletschenden Herzlichkeit von Tramell Tillman, der den aalglatten Aufpasser spielt und z.B. auch den Organisator der für den fleißigsten Mitarbeiter (köstlich spöttisch: Zach Cherry) ausgerichteten, dem verstorbenen Firmengründer huldigenden „Waffelparty“. Und dabei haben wir erst die Hälfte des Haupt-Casts aufgezählt und die ambivalente Quasi-Somnambulie des von Adam Scott gespielten Helden noch nicht erwähnt und nichts von der prall gefüllten narrativen Wundertüte erzählt, aus der sich diese Serie speist. Wer an Kafka denkt, liegt nicht weit daneben. Wer das Intro ab dem zweiten Mal überspringt, hat offenbar keinen Hang zu verstörenden Traumbildern. Und wer Home Office hasst, findet in Severance eine effektive Therapie. Work-Life-Balance sieht wahrlich anders aus.

Mit Slow Horses kündigt sich nun ein weiterer Seriencoup von Apple TV+ an, zumindest macht es nach zwei Episoden diesen Eindruck. Ein in London geborener Student pakistanischer Abstammung wird entführt und soll offenbar vor laufender Kamera enthauptet werden. River Cartwright (Jack Lowden), ein Agent auf dem Abstellgleis (im rasanten Opener sehen wir warum), erkennt die Chance sich zu rehabilitieren, Geheimdienstchefin Diana Taverner (hat Kristin Scott-Thomas nicht genau so eine Rolle schon einmal gespielt?) setzt Kollegin Sid (Olivia Cooke kongenial) auf ihn an und River, einem renitenten Informanten auf den Fersen, setzt ein Haus in Brand und bringt Sid in Lebensgefahr, statt eine Spur zu finden.

Slow Horses, basierend auf den gleichnamigen Romanen von Mick Herron, ist eine genuine Mischung aus temporeichem Spionage-Thriller und Sprechdurchfall-Komödie. Gary Oldman gibt Jackson Lamb, den grandios käsigen und cholerischen Chef der „Slough House“ genannten Aufbewahrungsabteilung des britischen MI5 für lahme Agenten, lahm wie eben River, den Lamb unter Hohnsprüchen Mistkübel durchwühlen lässt. Lamb ist jene Art Vorgesetzter, der seine löchrig besockten Füße vorzugsweise auf dem Schreibtisch platziert, aus dem Büro-Nickerchen mittels eigener Darmwinde aufwacht und seine in Ungnade gefallenen Agenten mit immer neuen Schimpfnamen belegt – sich dann aber im entscheidenden Moment um sie kümmert. Als hätte Oldman seine Rolle in der fabelhaft paranoiden John-le-Carré-Verfilmung Tinker Tailor Soldier Spy (2011) humoresk ausgebaut – Emmy-verdächtig. Wir bleiben dran am Apple-plus-Programm und Sie könnten sich in der Zwischenzeit ja ein Abo zulegen.

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In WeCrashed spielen Jared Leto und Anne Hathaway Adam und Rebekah Neumann, die WeWork, ein Start-Up mit einem einstigen Wert von 47 Milliarden US-Dollar, aufgebaut und versenkt haben. In der Serie werden wir Zeugen der 80-Stunden-Arbeitswochenhektik, „Gott sei Dank, es ist Montag“-Partys und Entlassungen vieler gutgläubiger Angestellter. Adam und Rebekah bauen Luftschlösser, aber ihr Bio-Spezialgeschäft für grüne Säfte voller Lügen und Manipulationen bricht schließlich zusammen. Jared Leto nutzt sein berüchtigtes Selbstwertgefühl, um die unerbittlich manische Rolle zu spielen, für die er geboren wurde: ein Rockstar-Jesus, der Katy Perrys „Roar“ als seine eigene persönliche Musik übernimmt, die herausplatzt, sobald er eine Limousine oder einen Korridor betritt. In den Schatten gestellt wird er eigentlich nur von Anne Hathaway, die jene Art von Person spielt, für die das Ziel von WeWork, nämlich „das Bewusstsein der Welt zu erweitern“, tatsächlich etwas anderes als Kauderwelsch ist.

In Hulus The Dropout (ab 20. April bei Disney+) gibt Amanda Seyfried ein gruseliges Rollkragenporträt von Elizabeth Holmes, der Gründerin des Biotech-Unternehmens Theranos. Ihr Start-Up versprach, eine Technologie entwickelt zu haben, die Krankheiten mit einem einzigen Blutstropfen diagnostizieren kann. Theranos zog Vorstandsmitglieder wie den ehemaligen US-Außenminister Henry Kissinger an, Forbes erklärte Holmes zur jüngsten Selfmade-Milliardärin der Welt, aber ihre Erfindung funktionierte nicht. Kürzlich wurde Holmes wegen Betrugs verurteilt. Die Geschichte ist erstaunlich, nicht zuletzt wegen Holmes Selbstinszenierung durch einen affektierten, rauen Bariton, den wir Seyfried im Spiegel üben sehen. Es überrascht nicht, dass bei Apple ein Film in Arbeit ist, der auf John Carreyrous Buch „Bad Blood“ basiert, mit Jennifer Lawrence als Holmes und Adam McKay im Regiesessel.

Und das ist noch nicht alles. Im Februar ist Super Pumped: The Battle for Uber mit Joseph Gordon-Levitt als Travis Kalanick, dem Mitbegründer der Uber-App, auf dem US-Sender Showtime erschienen (ein Starttermin hierzulande ist noch nicht abzusehen).

In der kommenden HBO-Serie Doomsday Machine wiederum spielt Claire Foy die Co-Geschäftsführerin von Meta, Sheryl Sandberg – mehr als ein Jahrzehnt, nachdem David Fincher und Aaron Sorkin sich mit den Ursprüngen von Facebook in ihrem fabelhaften The Social Network auseinandergesetzt haben.

Es sind Geschichten über Ego, Erfindertum und Kapitalismus – selbstverherrlichende Vergleiche mit Steve Jobs inklusive. Und während die messianischen Komplexe, die monströse Selbstbewunderung und die Kollateralschäden, die ihre Arroganz zum Teil angerichtet haben, nicht ausgespart werden, sind es sympathische Porträts dieser Illusionisten, die auch ambivalenten Raum für fehl platzierte Bewunderung lassen, was überladenes Selbstvertrauen alles schaffen kann.

Die Grenze zwischen vermeintlichen Helden wie Adam Neumann und Gaunerinnen wie Anna Delvey – jene Hochstaplerin, die sich ihren Weg in Manhattans High Society gelogen und Investoren hinters Licht geführt hat – ist schmal, und ganze Machtsysteme sind an ihrem Aufstieg beteiligt. Wie drückt es eine Figur in der Netflix-Serie Inventing Anna aus: „Hier geht es um den Schwindel des amerikanischen Traums im 21. Jahrhundert. Den Diebstahl einer Präsidentschaft. Es geht darum, warum die Kultur des Betrugs bleiben wird.“

Von dahin ist es nicht weit bis zum Tinder Swindler.

Wenn man die Serien hintereinander ansieht, erschaffen sie einen gemeinsamen Kosmos, in dem sich Unternehmer- und Gaunertum in einem Porträt des amerikanischen Untergangs treffen. Einhörner passen besser in Märchen als in die Wirklichkeit.

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Einer alten koreanischen Frau kommen die Tränen bei einer dampfenden Schüssel mit weißem Reis, einst ein verbotener Luxus für japanisch regierte Koreaner. Fässer mit selbstgemachtem, salzigem Kimchi sind ein Symbol der Erlösung inmitten der Not. Die Geschmäcker und olfaktorischen Erinnerungen tragen dazu bei, eine größere Familiensaga von Vertreibung und Assimilation, Opfer und Erfolg der Millionen Koreaner zu erzählen, die während der japanischen Besatzung ihre Heimat Richtung Japan verließen, und von den Hunderttausenden, die nach dem Zweiten Weltkrieg dort blieben, als Korea in zwei Teile geteilt wurde.

Die Freuden und Tiefen von Pachinko (ab 25. März bei Apple TV+), glorreich adaptiert von Soo Hugh und unter der Regie von Kogonada und Justin Chon, sind so greifbar, dass man am Ende der achten Folge dieser großartigen Serie das Gefühl hat, die süße Nussigkeit des Reises und die leichte Säure des Kimchis schmecken zu können.

Wie das 490-seitige gleichnamige Buch der koreanisch-amerikanischen Schriftstellerin Min Jin Lee, ist auch die Adaption episch im Umfang und hinreißend in der Ausführung. Das Drama wird auf Koreanisch, Japanisch und Englisch erzählt und fließt nur so dahin dank herausragender Darsteller:innen, die die generationenübergreifende Reise dieser Familie begründen. Aber die Hauptschlagader des Ganzen ist Sunja, von Minha Kim als junge Frau mit stählerner Anmut und als ältere Frau von der Oscar-Preisträgerin Youn Yuh-jung (Minari) mit verwitterter Weisheit gespielt.

Das üppige Grün von Sunjas Kindheit ist in Pachinko genauso lebendig wie das kühle Blau ihres Enkelsohnes in der modernen Welt. Sogar die schlüpfrigen Kreaturen, die auf dem koreanischen Fischmarkt angeboten werden, sind irgendwie von einem ganz eigenen Tentakel-Charme durchdrungen. „Pachinko“ heißt in Japan ein flipperähnliches Glücksspiel, das oft gegen die Spieler manipuliert wird, was es schwierig macht zu gewinnen. Die Leute spielen trotzdem weiter und hoffen darauf, dass das Schicksal zu ihren Gunsten lächelt. Die Unberechenbarkeit des Pachinko macht es zur perfekten Metapher für das Leben.

Auch in Minari (Sky), einem halbautobiografischen Film von Lee Isaac Chung, der vor Humor, Menschlichkeit und Hoffnung strotzt, nehmen die Schwierigkeiten des Einwandererlebens eine leise, betörende Form an. „Die Oma riecht nach Korea“, sagt der kleine, in Amerika geborene Enkel. Aber neben ungewohnten Gerüchen und fermentierter Chilipaste bringt die koreanische Großmutter, gespielt von Youn Yuh-Jung, noch etwas anderes mit nach Amerika: das titelgebende Minari, ein widerstandsfähiges Kraut aus der Heimat, das hier als ziemlich offensichtliche Metapher dient. Sie pflanzt es leise am Ufer eines nahe gelegenen Flusses und verfolgt gelegentlich seine Assimilation in amerikanischer Erde, die sich parallel zu jener der Familie entfaltet. Steven Yeun und Han Ye-ri spielen ein koreanisches Paar, das während der Reagan-Jahre in Arkansas Landwirtschaft zu betreiben und damit seine beiden kleinen Kinder durchzubringen hofft. Durch die Bescheidenheit des Films wirkt, was wie eine kleine Geschichte erscheint, menschlich gesehen viel größer.

Sans Soleil (Mubi) ist Chris Markers Erinnerungscollage eines Menschenlebens. Die Erzählerin ist eine hypnotische Frauenstimme, die aus Briefen vorliest, die ihr ein Mann geschickt hat. Es ist ein Film, der als widersprüchlicher Begleiter zu Markers 28-minütigem Magnum Opus La Jetée dient. Sans Soleil handelt von einem Mann, der nicht vergessen kann. La Jetée ist ein Film über die Unfähigkeit des Erinnerns. Der amerikanische Kritiker Jonathan Rosenbaum schrieb über den französischen Filmemacher: „Durch die schön geschriebenen, quasi literarischen Texte seiner Filme entwickelt Marker eine Beziehung zu seinem Publikum, die zugleich konfessionell und geheimnisvoll ist, sodass wir gleichzeitig das Gefühl haben, ihn gut zu kennen und ihn überhaupt nicht zu kennen.“

Und wie viel wissen wir eigentlich über Andy Warhol? Oft wird der Erfolg einer Doku-Serie daran gemessen, wie viel Neues sie den Zuschauer:innen über ihr Thema beibringt. Wer nicht die Auszüge aus seinen Tagebüchern aus dem Jahr 1989 gelesen hat, auf dem The Andy Warhol Diaries (Netflix) basiert, der hat vielleicht immer noch das Bild des blassen Mannes mit den weißen Perücken und den Campbell-Dosen im Kopf. Warhol wollte es so, und die von Ryan Murphy produzierte Netflix-Doku-Serie legt unter der Regie von Andrew Rossi genau dar, warum Warhol seine Persönlichkeit so sorgfältig selbst kuratiert hat wie seine Kunst. Warhols Stimme, die seine Worte aus dem Jenseits vorliest, wird via Künstliche Intelligenz erzeugt – was ungefähr so gruselig wirkt wie es klingt.

Außerdem zu empfehlen: Die achtteilige Serie WeCrashed (Apple TV+) befasst sich damit, wie die Mitbegründer von WeWork ein globales Unternehmen mit einem einstigen Wert von 47 Milliarden US-Dollar aufgebaut und versenkt haben. Jared Leto und Anne Hathaway sind köstliche Narzissten in den Hauptrollen (mehr darüber im nächsten Brooklyn Bulletin).

Michael Sarnoskis erster Spielfilm, Pig (Prime Video), ist eine traurig-schöne Verlust-Fabel mit Nicolas Cage, der netterweise an die Anfänge seiner Karriere zurückkehrt – inklusive Boxenstopp in einem unterirdischen Kampfclub für Restaurant-Angestellte (hier unsere Kurzkritik).

Guillermo del Toros Oscar-nominierte Noir-Neuverfilmung Nightmare Alley (Disney+) trifft einen karmesinroten Gipfel in einem schneekalten Höhepunkt trügerischer Brutalität (hier unsere Kritik).

Und zu guter Letzt erscheint am 23. März The Nightingale (Prime Video), eine bewegende Geschichte über Imperialismus, staatlich sanktionierten Völkermord und unvorstellbaren Herzschmerz. Das Rache-Drama von Jennifer Kent (The Babadook) mit Aisling Franciosi in der Hauptrolle wird sich für manche als zu brutal erweisen, aber wer es über die qualvolle erste halbe Stunde hinaus schafft, für den oder die gibt es ein filmisches Juwel zu entdecken (ein Starkes Stück darüber folgt).

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