Normal People (2020)

Sally Rooney wurde als Stimme ihrer Generation gefeiert, aber eigentlich ist ihr Roman und dessen Serienadaption Normal People eine Geschichte für jede Generation. Die intime Liebesgeschichte zweier irischer Teenager, gespielt von Paul Mescal und Daisy Edgar-Jones, zählt zum Besten des Genres. Jede der zwölf halbstündigen Episoden zeigt sie in einem anderen Stadium ihrer Beziehung. Besonders großartig sind die Sexszenen, die viel authentischer und zärtlicher sind als die gewohnte Inszenierung von Geschlechtsverkehr. Prime Video, Lionsgate+, Canal+

The Notebook (2004)

So sicher wie das Amen im Gebet hat Netflix zum Valentinstag Your Place or Mine veröffentlicht, ein Katastrophenfilm, den man getrost ignorieren darf (vertrauen Sie uns). Wer sich nach einer großen Hollywood-Romanze sehnt, der ist besser mit diesem Klassiker bedient. The Notebook mag kitschig sein, vermag aber zu fesseln, ist verträumt und charismatisch gespielt von Ryan Gosling und Rachel McAdams. Der Liebesfilm unter der Regie von Nick Cassavetes steht auch in scharfem Kontrast zu den Experimentalfilmen seines Vaters John. Netflix

Charade (1963)

Dieser sechzig Jahre alte Film unter der Regie von Stanley Donen (Singin’ in the Rain) wird gern als „der beste Hitchcock-Film“ beschrieben, „den Hitchcock nicht gemacht hat“, weil er einige Tropen des Regisseurs enthält: eine Frau in Schwierigkeiten (Audrey Hepburn), ein eleganter Held (Cary Grant), Mord, wunderschöne Pariser Kulissen und Kostüme und eine Mischung aus Komödie und Mystery mit der schicken Musik des großen Henry Mancini. LaCinetek

Marriage Story (2019)

Noah Baumbachs Versuch über die Ehe ist das glorreiche, laut lachende, schluchzende Todesröcheln einer einst liebevollen Beziehung. Was das in einem Valentinstag Listicle verloren hat? Es gibt nicht viele Filme, die wir als „perfekt“ bezeichnen würden, aber dieser ist es. Das Drama mit Scarlett Johansson und Adam Driver ist lustig und traurig, manchmal innerhalb einer einzigen Szene. Woody Allens Annie Hall, Baumbachs anderes Scheidungsdrama The Squid and the Whale und natürlich Ingmar Bergmans Szenen einer Ehe stecken auch darin. Netflix

The War of the Roses (1989)

Man nehme all die Menschlichkeit in Marriage Story und werfe sie aus dem Fenster. Es ist leicht zu vergessen, wie herrlich menschenfeindlich The War of the Roses ist. Das war 1989 für eine so große Hollywood-Produktion ungewöhnlich. Legendär ist das Finale: Das zusammengekrümmte Scheidungspaar liegt im Sterben auf einem kaputten Kronleuchter. Michael Douglas greift nach Kathleen Turner, die Musik schwillt an, aber sie stößt ihn weg. Eine letzte, brutale Zurückweisung in dieser – jedenfalls für geschichtslose damalige Hollywood-Aficionados – Mutter aller Filmkomödienrosenkriege. Gegen moderates Entgelt bei Prime Video und Apple TV+

 
Moonstruck

„Wir sind nicht hier, um die Dinge perfekt zu machen. (…) Nicht wir! Wir sind hier, um uns selbst zu ruinieren und unsere Herzen zu brechen und die falschen Menschen zu lieben und zu sterben!“ Die Romanze zwischen Nicolas Cages Ronny Cammareri und Chers Loretta in Norman Jewisons Moonstruck (1987) hat das Niveau einer Shakespeare-Komödie. Was sie zu einem wirklich wunderbaren Film macht? Sie ist komplett wahnsinnig und zugleich ziemlich wahrhaftig. Gegen moderates Entgelt bei u.a. Prime Video

Le Bonheur

Liebe wird gerne als eine seltene, heilige Sache angesehen, bei der zwei Seelenverwandte zueinander finden, aber Le Bonheur widersetzte sich im Jahr 1964 dieser Idee. Es war der erste Farbfilm von Agnès Varda über einen Mann (Jean-Claude Drouot), der versucht, zwei Frauen (Claire Drouot und Marie-France Boyer) zu lieben. Als sie über den Film nachdachte, schrieb Varda, dass sie sich Le Bonheur als „eine wunderschöne Sommerfrucht mit einem Wurm darin“ vorgestellt hatte. Mubi, LaCinetek

You, Season 4

Niemand hat behauptet, dass in einem Valentinstag Listicle nur die reine Liebe vorkommen darf. Rebecca Nicholson vom Guardian hat die vierte Staffel von You als „schrecklich (und äußerst unterhaltsam)” beschrieben. You ist eine wahnsinnige, fesselnde, sehr unseriöse Serie über einen tödlichen Stalker, der nach Liebe sucht. Einigen Kritiker:innen ist dieser Stalker zu charmant und verniedlicht, aber Penn Badgleys Joe Goldberg hat durchaus satirisches wie komödiantisches Potential. Netflix

Kommenden Freitag erscheint in unserem Sofa Surfer als Bonus ein Text zum neuen Vierteiler Marriage (auf Canal+), der das Genre der Romanze geradezu neu definiert…

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Am Morgen des Valentinstags im Jahr 1900 bereiten sich die Schülerinnen eines viktorianischen Internats in einer kleinen australischen Stadt auf ein Picknick am Hanging Rock vor, einem unheilvollen, vulkanischen Brocken in der Wüste. Verzückt rezitieren sie romantische Gedichte von den Valentinskarten, die sie einander geschrieben haben. Sie ziehen ihre weißen Spitzenkleider an, sie kichern und helfen einander in ihre engen Korsetts. Dann brechen sie auf, aber nicht ohne ein Wort der strengen Schulleiterin Mrs. Appleyard, einer herrischen Matrone, die die Kinder gern an die Wand schnallt, um ihre Körperhaltung zu korrigieren. Sie warnt die Mädchen vor den Gefahren der Natur und erinnert sie daran, dass sie, obwohl es heiß ist, anstandshalber warten müssen, bevor sie ihre Handschuhe ausziehen (junges, weibliches Fleisch muss eingedämmt werden!). Kaum beim Hanging Rock angekommen, fallen die Hüte und Handschuhe, werden sogar die Strümpfe entrollt. Der Felsen will die Mädchen und als sie ihn erklimmen, fallen sie glücklich in seinen Bann. Und dann lösen sich drei von ihnen und die Mathematiklehrerin in Luft auf.

Was mit ihnen passiert ist, werden wir nie erfahren. Der australische Regisseur Peter Weir hat mit Picnic at Hanging Rock (auf Deutsch: Picknick am Valentinstag) mit Anne-Louise Lambert, Jane Vallis, Karen Robson und Vivean Gray den gleichnamigen Roman seiner Landsfrau Joan Lindsay (1967) adaptiert. Und wie Lindsay das Ende der Phantasie ihrer Leser:innen überließ, überließ Weir es der Phantasie seiner Zuseher:innen (viele waren davon irritiert, Weir hat nie wieder einen Film mit offenem Ende gemacht). Bei einer Vorführung des Films in Amerika, erinnerte sich Weir in einem Video-Interview, „schmiss ein Verleiher am Ende seine Kaffeetasse auf die Leinwand, weil er zwei Stunden seines Lebens verschwendet hatte – ein gottverdammtes Rätsel ohne gottverdammte Lösung!“

Aber was für ein Rätsel! Der Grundton von Picnic at Hanging Rock ist das Gefühl, dass uns hier Wahrheiten vorgehalten werden, untermalt von einem Soundtrack aus Vogelgezwitscher und bedrohlichen Panflöten. Das ungelöste Mysterium im Herzen des provokanten Films macht ihn auch zu einem sehr effektiven Horrorstück, das Themen wie Kolonialismus und unterdrückte Sexualität erforscht. Beim Picknick filmt die Kamera ein Mädchen von unten, wie sie eine herzförmige Valentinstorte anschneidet. Sie schwingt das Messer wie in einem Slasher-Film von John Carpenter und schneidet das gesamte Herz in der Mitte sauber durch.

Jede Szene in Picnic at Hanging Rock ist behutsam komponiert, manchmal gar wie ein impressionistisches Gemälde gerahmt. Weir und sein Kameramann Russell Boyd, die sich an den Bildern des Fotojournalisten Henri Cartier-Bresson orientierten, legten hauchdünne Brautschleier über das Kameraobjektiv, um den Weichzeichner des Films zu erzeugen, in denen die Figuren zu leuchten scheinen. Tatsächlich fühlt man sich während des gesamten Films wie in Trance versetzt.

Picnic at Hanging Rock trug dazu bei, die Australien New Wave einzuläuten, und katapultierte Peter Weir in den Olymp Hollywoods. Die Geschichte, die entgegen der Annahmen der meisten Premierenzuseher:innen erfunden war, inspirierte u.a. eine gleichnamige Mini-Serie von Amazon Studios (2018) und ein Meer an Theorien darüber, was an diesem Valentinstag passiert ist. Es entstand ein ganzes Buch mit dem Titel „The Murders at Hanging Rock“, um darauf zu antworten.

Sind die Mädchen ausgerutscht und in eine Schlucht gefallen? Begingen sie Gruppenselbstmord? Wurden sie vergewaltigt? Ermordet? Einige denken, sie sind durch ein Zeitportal geschlüpft oder wurden von Außerirdischen entführt. Andere geben den australischen Landgeistern die Schuld. Alles wild genug, doch das von Joan Lindsay geschriebene, verrückte letzte Kapitel, das aus dem Roman herausgeschnitten und erst nach ihrem Tod veröffentlicht wurde, übertrifft alles: Es beinhaltet eine Zeitschleife und eine Figur, die sich in eine Eidechse verwandelt. Wie auch immer: Was Picnic at Hanging Rock so großartig macht, ist, dass jeder dieser Gründe zum Verschwinden der Mädchen geführt haben könnte. Ich persönlich stelle mir gerne vor, dass sie irgendwo unbeschwert existieren, vielleicht einen Kuchen naschen, vielleicht an sich rumfummeln und in der Sonne schwelgen, frei von Blicken, Erwartungen und Korsetts.

(Flat auf Mubi, günstig auf Prime Video bzw. auf Disc. Der Film ist auch Teil einer bei Koch Media erhältlichen Peter-Weir-Collection.)

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Während Kenneth Branagh mit Starbesetzung im üppigst ausgestatteten Dampfer über den Nil schippert und in der Rolle des Hercule Poirot ein weiteres Mal der High Society auf die verbrecherische Schliche kommt, fliegt Roland Emmerich zum Mond. Und während Death on the Nile (Tod auf dem Nil) mit einem quasi mörderisch guten Cast unter Ägide des „belgischen Schnüfflers“ im besten Sinne gepflegt – also Lederfauteuil, Zigarre und Cognac-mäßig – ennuiert, ist Moonfall, der Kalauer muss erlaubt sein, ein Reinfall.

Dabei lässt sich Moonfall recht vielversprechend an: Aus unerfindlichen Gründen verlässt unser treuer Trabant seine Umlaufbahn und droht auf die Erde zu stürzen. Schlimme Sache das. Also machen sich eine Angestellte der NASA, ein in Ungnade gefallener, ehemaliger Astronaut und ein Verschwörungstheoretiker in einem museumsreifen Raumschiff auf den Weg zur Käsekugel, um der Sache auf den Grund zu gehen und das Unheil abzuwenden, eh klar. Natürlich darf mal wieder nichts Entscheidendes verraten werden; nur soviel, dass einem alles, was im Weiteren irgendwie „entscheidend“ sein könnte – ich sag nur „Megastruktur“ und „Weißer Zwerg“ – alsbald schon sehr herzlich egal ist, weil, wie Kollege Mike D’Angelo in seiner Rezension für The A.V. Club völlig richtig konstatiert: „You will actually hear your brain cells commit seppuku as you watch it.“ Nun ist das Genre des Katastrophenfilms eigentlich eines, das Emmerich im Schlaf beherrscht, aber auch noch so große Fertigkeiten im kunstvollen Ausmalen von Desaster und Destruktion – die der Meister aus Schwaben auch hier wieder mit prachtvollem Effekt zum Einsatz bringt – helfen nicht, wenn das Drehbuch nichts taugt. Wenn es, wie im vorliegenden Fall, derart grottenschlecht ist, dass es als abschreckendes Beispiel in Drehbuchkursen unterrichtet werden könnte, nee, sollte. Als Exkursionsziel angehender Autor:innen ergäben sich für den sicher ziemlich teuren Flop solcherart sogar noch Möglichkeiten des Umsatzes. Alle anderen sind hiermit gewarnt.

Der Blick schweift weiter und bleibt an einer interessanten Kombination hängen: Owen Wilsons Nase und J.Lo’s Butt, ein Treffen der Giganten, das unter dem Titel Marry me – Verheiratet auf den ersten Blick von Kat Coiro ins Szene gesetzt wurde, deren Hauptbetätigungsfeld Fernsehserien sind. Natur und Ton des Films erschließen sich unmittelbar daraus, dass er in den USA zum Valentinstag gestartet wird, mithin also von der romantischen Liebe handelt, vom Suchen, Finden, Zweifeln, Verlieren, Wiederfinden – und sie lebten glücklich bis an ihr Lebensende. Amors Pfeil trifft hier den globalen Mega-Superstar Kat Valdez (Jennifer Lopez), die von ihrem eigentlich anvisierten Bräutigam kurz vor der Hochzeit Hörner aufgesetzt bekommt und daher kurz entschlossen den ihr völlig unbekannten, alleinerziehende Mathelehrer Charlie Gilbert (Owen Wilson) ehelicht, weil der halt grad zufällig dasteht und ein Schild mit der Aufschrift „Marry Me“ (d.i. der Titel ihres derzeitigen Nummer-1-Hits) hochhält. Lopez, die immer engagiert an ihrer street credibility arbeitet, tut dies auch hier und mit Erfolg, denn mit Wilson hat sie einen an der Seite, der ihr nicht nur tatkräftig dabei hilft, sondern die ganze Chose insgesamt erdet. Ja, schon klar, Marry me ist kein Eintrag in die Filmgeschichte; er tut aber auch niemandem weh, noch nicht mal den Gehirnzellen. Und er passt gut zu Sekt, Pralinen und Blingbling.

Zum Ausnüchtern eignet sich sodann das Highlight der Woche, naturgemäß kein Gute-Laune-Film, dafür aber ein guter Film und unbedingt sehenswert. Der deutsche Verleihtitel von Fernanda Valadez‘ vielfach preisgekröntem, beklemmendem Langfilmdebüt Was geschah mit Bus 670? lässt an den Fall der im September 2014 in Iguala entführten/ermordeten/verschwundenen 43 mexikanischen Lehramtsstudenten denken. Der spanische Originaltitel Sin señas particulares meint jedoch in etwa „ohne besondere Kennzeichen“ und eröffnet ein weiteres Bezugsfeld: Es kann jede:n gleichermaßen treffen; jede:r kann Opfer von Erpressung, Menschenhandel, Zwangsrekrutierung (der Drogenkartelle) werden; jede:r kann in einem Sack in einem Kühllastwagen (der Polizei) enden, als anonymer Leichnam, von niemandem beansprucht, „ohne besondere Kennzeichen“. Das Drehbuch zu Sin señas particulares schrieb Valadez gemeinsam mit Astrid Rondero, realisiert wurde das Projekt mit geringem Budget und einem überwiegend aus Frauen bestehenden Team. Erzählt wird die Geschichte der einfachen Händlerin Magdalena, deren noch minderjähriger Sohn Jesús unterwegs zur US-amerikanischen Grenze irgendwo in Mexiko verschwunden ist und die sich nun aufmacht, ihn zu suchen. Aber je weiter Magdalena vordringt in den Norden und in Richtung Grenzgebiet, desto gefährlicher wird es, desto schwieriger gestaltet sich das Vorankommen, desto mehr Misstrauen und Angst bestimmen das Verhalten der Menschen, denen sie begegnet. Doch unbeirrt verfolgt sie ihren Weg, der sie schließlich zu einem alten Indianer führt, der von Teufelswerk spricht. Aber es ist der Mensch, der in Mexiko des Teufels Werk verrichtet – und die Welt sieht dem Grauen seit Jahrzehnten bereits zu.

Und schließlich Cow, darauf sei hier nachdrücklich hingewiesen, weil der zweite überaus empfehlenswerte Film dieser Woche, in Österreich auf Leinwand exklusiv im Wiener Stadtkino bzw. in Österreich und Deutschland beim Streamer Mubi zu sehen.

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Während Kenneth Branagh mit Starbesetzung im üppigst ausgestatteten Dampfer über den Nil schippert und in der Rolle des Hercule Poirot ein weiteres Mal der High Society auf die verbrecherische Schliche kommt, fliegt Roland Emmerich zum Mond. Und während Death on the Nile (Tod auf dem Nil) mit einem mörderisch guten Cast unter Ägide des „belgischen Schnüfflers“ im besten Sinne gepflegt – also Lederfauteuil, Zigarre und Cognac-mäßig – ennuiert, ist hingegen, der Kalauer muss erlaubt sein, Moonfall ein Reinfall.

Dabei lässt sich Moonfall recht vielversprechend an: Aus unerfindlichen Gründen verlässt unser treuer Trabant seine Umlaufbahn und droht auf die Erde zu stürzen. Schlimme Sache das. Also machen sich eine Angestellte der NASA, ein in Ungnade gefallener, ehemaliger Astronaut und ein Verschwörungstheoretiker in einem museumsreifen Raumschiff auf den Weg zur Käsekugel, um der Sache auf den Grund zu gehen und das Unheil abzuwenden, eh klar. Natürlich darf mal wieder nichts Entscheidendes verraten werden; nur soviel, dass einem alles, was im Weiteren irgendwie „entscheidend“ sein könnte – ich sag nur „Megastruktur“ und „Weißer Zwerg“ – alsbald schon sehr herzlich egal ist, weil, wie Kollege Mike D’Angelo in seiner Rezension für The A.V. Club völlig richtig konstatiert: „You will actually hear your brain cells commit seppuku as you watch it.“ Nun ist das Genre des Katastrophenfilms eigentlich eines, das Emmerich im Schlaf beherrscht, aber auch noch so große Fertigkeiten im kunstvollen Ausmalen von Desaster und Destruktion – die der Meister aus Schwaben auch hier wieder mit prachtvollem Effekt zum Einsatz bringt – helfen nicht, wenn das Drehbuch nichts taugt. Wenn es, wie im vorliegenden Fall, derart grottenschlecht ist, dass es als abschreckendes Beispiel in Drehbuchkursen unterrichtet werden könnte, nee, sollte. Als Exkursionsziel angehender Autor:innen ergäben sich für den sicher ziemlich teuren Flop solcherart sogar noch Möglichkeiten des Umsatzes. Alle anderen sind hiermit gewarnt.

Der Blick schweift weiter und bleibt an einer interessanten Kombination hängen: Owen Wilsons Nase und J.Lo’s Butt, ein Treffen der Giganten, das unter dem Titel Marry me – Verheiratet auf den ersten Blick von Kat Coiro ins Szene gesetzt wurde, deren Hauptbetätigungsfeld Fernsehserien sind. Natur und Ton des Films erschließen sich unmittelbar daraus, dass er in den USA zum Valentinstag gestartet wird, mithin also von der romantischen Liebe handelt, vom Suchen, Finden, Zweifeln, Verlieren, Wiederfinden – und sie lebten glücklich bis an ihr Lebensende. Amors Pfeil trifft hier den globalen Mega-Superstar Kat Valdez (Jennifer Lopez), die von ihrem eigentlich anvisierten Bräutigam kurz vor der Hochzeit Hörner aufgesetzt bekommt und daher kurz entschlossen den ihr völlig unbekannten, alleinerziehende Mathelehrer Charlie Gilbert (Owen Wilson) ehelicht, weil der halt grad zufällig dasteht und ein Schild mit der Aufschrift „Marry Me“ (d.i. der Titel ihres derzeitigen Nummer-1-Hits) hochhält. Lopez, die immer engagiert an ihrer street credibility arbeitet, tut dies auch hier und mit Erfolg, denn mit Wilson hat sie einen an der Seite, der ihr nicht nur tatkräftig dabei hilft, sondern die ganze Chose insgesamt erdet. Ja, schon klar, Marry me ist kein Eintrag in die Filmgeschichte; er tut aber auch niemandem weh, noch nicht mal den Gehirnzellen. Und er passt gut zu Sekt, Pralinen und Blingbling.

Zum Ausnüchtern eignet sich sodann das Highlight der Woche, naturgemäß kein Gute-Laune-Film, dafür aber ein guter Film und unbedingt sehenswert. Der deutsche Verleihtitel von Fernanda Valadez‘ vielfach preisgekröntem, beklemmendem Langfilmdebüt Was geschah mit Bus 670? lässt an den Fall der im September 2014 in Iguala entführten/ermordeten/verschwundenen 43 mexikanischen Lehramtsstudenten denken. Der spanische Originaltitel Sin señas particulares meint jedoch in etwa „ohne besondere Kennzeichen“ und eröffnet ein weiteres Bezugsfeld: Es kann jede:n gleichermaßen treffen; jede:r kann Opfer von Erpressung, Menschenhandel, Zwangsrekrutierung (der Drogenkartelle) werden; jede:r kann in einem Sack in einem Kühllastwagen (der Polizei) enden, als anonymer Leichnam, von niemandem beansprucht, „ohne besondere Kennzeichen“. Das Drehbuch zu Sin señas particulares schrieb Valadez gemeinsam mit Astrid Rondero, realisiert wurde das Projekt mit geringem Budget und einem überwiegend aus Frauen bestehenden Team. Erzählt wird die Geschichte der einfachen Händlerin Magdalena, deren noch minderjähriger Sohn Jesús unterwegs zur US-amerikanischen Grenze irgendwo in Mexiko verschwunden ist und die sich nun aufmacht, ihn zu suchen. Aber je weiter Magdalena vordringt in den Norden und in Richtung Grenzgebiet, desto gefährlicher wird es, desto schwieriger gestaltet sich das Vorankommen, desto mehr Misstrauen und Angst bestimmen das Verhalten der Menschen, denen sie begegnet. Doch unbeirrt verfolgt sie ihren Weg, der sie schließlich zu einem alten Indianer führt, der von Teufelswerk spricht. Aber es ist der Mensch, der in Mexiko des Teufels Werk verrichtet – und die Welt sieht dem Grauen seit Jahrzehnten bereits zu.

Der Vollständigkeit halber sei erwähnt, dass der notorische Steven Soderbergh nach mehreren Rücktritten aus dem Filmgeschäft wieder einmal mit einem neuen Film am Start ist: Kimi heißt sein aktueller Thriller mit Zoë Kravitz in der agoraphoben Hauptrolle, er könnte aber eigentlich auch „Alexa“ heißen, denn der Name steht für eine total überwachte Gesellschaft der nahen Zukunft.

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Die „Todesursache“ dieser Art Romcom war ein gesättigter Markt, und vielleicht auch der x-te Film mit einem oberkörperfreien Matthew McConaughey. Hollywood quetschte das letzte bisschen Leben aus dem Genre. Wer eine Kopie einer Kopie zu kopieren beginnt, bekommt ein Frankenstein-Monster, das man schon unzählige Male zuvor gesehen hat. Die Zuschauer:innenzahlen gingen zurück, die Stars wollten nicht mehr mit dem Genre assoziiert werden, und die großen Studios gingen zu Fantasy-Universen über (romantische Komödien starten keine Franchises). Aber vor allem veränderte sich die Welt, in der wir leben.

Während all das passiert ist, wurde die Patientin Romcom an anderer Stelle künstlich beatmet. Netflix hat das Genre am Leben erhalten und eine Art Nischenmoloch erschaffen. Im Jahr 2018, als auch der Mega-Hit Crazy Rich Asians in die Kinos kam, rief der Streamer einen „Sommer der Liebe“ aus und startete eine Kampagne, um uns wieder zu jenem Eskapismus zu verführen, den viele von uns in den Neunzigerjahren geliebt haben: zuckerhaltige Romcoms, aber mit mehr Diversity, nicht nur heterosexuellen Liebesbeziehungen und der Umkehr von traditionellen Geschlechterrollen, darunter The Kissing Booth, To All the Boys I’ve Loved Before, und The Half of It, um nur die Hits zu nennen. Jetzt feiert der Streamer den Valentinstag mit Love and Leashes und Love Tactics – beides zu vernachlässigen. Dann lieber ins Kino gehen und den Siebzigerjahre-Liebestaumel in Paul Thomas Andersons Meisterwerk Licorice Pizza ansehen (sein Held, ein erdbeerblonder 15-jähriger Prahler, heißt Gary Valentine).

Wir wollen hier nicht über den Ursprung des Genres diskutieren, aber angesichts von Screwball Comedies wie It Happened One Night (1934) oder Bringing Up Baby (1938) ist das Genre ein Greis. Meine Generation der Millennials wuchs in einer Blütezeit des Genres auf, die im Jahr 1989 mit When Harry Met Sally begann und im Jahr 2002 in der erfolgreichsten romantischen Komödie aller Zeiten kulminierte: My Big Fat Greek Wedding. Wir sahen im Samstagabendfernsehen die Wiederholungen von Pretty Woman, Groundhog Day, She’s All That, Four Weddings and a Funeral, My Best Friend’s Wedding, Bridget Jones’s Diary, What Women Want, Housesitter ... Und natürlich: Kaum einer der kultigen Filme aus dieser Zeit kommt heute unversehrt davon – aus gutem Grund. Eine Prostituierte, die von einem Millionär gerettet wird? Eine Frau, die zehn Tage lang mit einem Kerl ausgeht, und ihn dann verscheucht, indem sie alles tut, was Frauen in Beziehungen „falsch“ machen (z.B. Männerabende verderben und auf ihm kleben)?

Aber hier ist ein Geständnis: Mir schwillt immer noch das Herz an, wenn ich ein paar Takte von Roxettes „It Must Have Been Love“ im Radio höre, auch wenn mir klar ist, dass der Cinderella-Komplex in Pretty Woman ein falsches Vorbild für junge Frauen darstellt. Wie die feministische Schriftstellerin Roxane Gay sagte: „Ich glaube nicht, dass Liebe tatsächlich so passiert, wie Hollywood es vorgibt … Allerdings genieße ich eine gute Lüge.“

Einige dieser Filme waren großartig. Die Mehrheit davon war es nicht und viele von ihnen sind schlecht gealtert. Es gab tonnenweise Märchen, in denen sich hauptsächlich heteronormative, weiße Menschen auf die Suche nach der „wahren“ Liebe machten. Es war eine Zeit, in der adrette Männer zu schrulligen Frauen sagten, „Ich mag Sie sehr genau wie Sie sind“ (wer will das nicht hören?) und Frauen davon träumten, von Rittern auf weißen Pferden gerettet zu werden – die dann in einer weißen Limousine vor der Feuerleiter auftauchten.

Ich frage mich, ob Hetero-Frauen, die mit diesen Klischees aufgewachsen sind, mit dem Erwachsenwerden das Interesse an der romantischen Komödie verloren haben, weil sie gemerkt haben, dass ein „Happy End“ sich so flüchtig und falsch anfühlen kann und Liebe nicht alles schön macht. Das wusste schon Nicolas Cages Ronny Cammareri in Moonstruck (1987), wenn er zu Chers Loretta sagt: „Die Liebe macht die Dinge nicht schön, sie ruiniert alles! Es bricht dir das Herz, es bringt die Dinge durcheinander. Wir sind nicht hier, um die Dinge perfekt zu machen. (…) Nicht wir! Wir sind hier, um uns selbst zu ruinieren und unsere Herzen zu brechen und die falschen Menschen zu lieben und zu sterben!“

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