Es gehört irgendwie zum guten Ton, einen Film von Jane Campion zu mögen, der ersten Regisseurin, die – übrigens vor bald 30 Jahren – eine Goldene Palme in Cannes gewann. Zum noch besseren Ton gehört, diesen Film nicht auf Netflix, sondern auf Riesenleinwand zu sehen, denn Filme wie dieser gehören grundsätzlich auf Riesenleinwand gesehen. (Doch das von Netflix gewährte Kinoverwertungsfenster hat sich geschlossen, während in Österreich nicht einmal Filme für normal große Leinwände zu sehen waren.) Zum besten Ton allerdings gehört, The Power of the Dog egal auf welchem Screen als das zu erkennen, was es ist: ein feministisches Meisterwerk. filmfilter-Kollege Moldenhauer hat ja, in einer kurzen Gegenüberstellung mit Kelly Reichardts First Cow, bereits festgestellt: Der Film zeigt eine Welt, in der die Beziehungen der Menschen im Wesentlichen durch toxische Männlichkeit strukturiert werden. (Ja, da waren tatsächlich zwei Western von zwei Frauen in einer Woche in deutschen Kinos angelaufen – ist das nicht eine selten schöne Inzidenz?) Campion war übrigens immer schon eine der sympathischsten, weil nämlich auch Männer verstehenden Feministinnen ihrer Zunft und hat u.a. mit der Miniserie Top of the Lake (2013) eine der atmosphärisch anspruchsvollsten Mystery-Erzählungen aller Zeiten geschrieben und in Szene gesetzt. Abgesehen von der weiblichen Perspektive hat The Power of the Dog große Schauspielkunst (Benedict Cumberbatch, Kirsten Dunst, Jesse Plemons und Kodi Smit-McPhee), erzählökonomische Grandezza und zwei herrliche Kontraste zu bieten: weite Landschaft und psychisch beengte Lebensräume sowie traditionelles Storytelling trotz Verzicht auf jede Konvention.

Während die Ehe in Campions Western nur den Rahmen für außereheliche Psychodynamiken abgibt, steht sie in einer Miniserienproduktion des The Affair-Schöpfers Hagai Levi im Mittelpunkt der Erzählung. Scenes from a Marriage (Sky) bezieht sich explizit auf Ingmar Bergmans Szenen einer Ehe, spielt aber an der amerikanischen Ostküste und bedient sich der Strahlkraft zweier Zentralgestirne des Schauspielkosmos, nämlich Jessica Chastain und Oscar Isaac. Mit sozusagen vertauschten Rollen: Die Alpha-Frau macht Karriere, er kümmert sich ums Kind. Doch dann ist ein israelischer Internet-Startupper plötzlich interessanter als der eigene Kümmermann, und die fatale Trennung-und-dann-doch-wieder-nicht-Dynamik nimmt ihren Lauf. Das ist ausgezeichnet geschrieben, in vifen Verdichtungen der Timeline erzählt, in detailreich gestalteten Interieurs inszeniert und mit hoher Intensität gespielt. Darüber hinaus vermittelt die Serie eine Alleinseins-Beklemmung, die in der doch ziemlich weitschweifigen TV-Beziehungslandschaft ihresgleichen sucht. Eine „Hey, das hier sind Dreharbeiten“-Ebene wird als Rahmen eingezogen, insofern ist Scenes from a Marriage auch Bergman Island, Mia Hansen-Løves wunderbarem und im Ton hellerem Beziehungsfilm, entfernt verwandt. Was Levis Betrachtung einer Ehe auf ungleicher Augenhöhe fein herausarbeitet, sind die toxisch wirksamsten Elemente der Paar-Entzauberung: Respektlosigkeit im Streit, Vertrauensmissbrauch, im Anderen das Gefühl der Machtlosigkeit evozieren; der Stolz als letzte Bastion und die Unfähigkeit zu verzeihen.

Mir nicht verziehen hat man einst, dass ich, als Sex and the City noch quasi jungfräulich und in aller Frauen Munde war, gewagt habe, den Off-Kommentar von Carrie als Kitsch zu qualifizieren. Da hat mir die damals junge Wiener Dior-Fendi-Prada-Manolos-Fanfraktion aber ordentlich den Marsch geblasen! Aber zum Neuaufguss der sogenannten ersten Frauenserie von HBO (als ob Oz nicht Jahre früher mannigfach von Afro-Amerikanerinnen gesehen worden wäre) dann nächste Woche von berufenerer Stelle: Immerhin schreibt filmfilter-Kollegin Marietta Steinhart ihren Sofa Surfer aus New York.

Zum Schluss noch ein Wort zur Netflix-Kooperation einer deutschen Shooting-Star-Regisseurin (Nora Fingscheidt, Systemsprenger) und eines gesichtsbehandelten deutsch-amerikanischen Hollywoodstars (Sandra Bullock) auf Netflix, nämlich zu Unforgivable, und bitte um Verzeihung für das Wortspiel: Es ist verzeihlich, diesen Film nicht zu kommentieren.

Der Beitrag Szenen zweier Ehen erschien zuerst auf filmfilter.

Der Regisseur Nikias Chryssos ist offensichtlich sehr an Mikrokosmen interessiert, in denen man sich nicht einmal begraben aufhalten möchte. Diese Woche startet sein zweiter Langfilm A Pure Place in einigen deutschen Kinos. Das Debüt Der Bunker spielte in einer unter der Erde gelegenen Kleinfamilienhölle. In A Pure Place ist eine griechische Insel der Ort, an dem die Figuren sich mit ihren fixen Ideen sozusagen eingebunkert haben. Die Insel wird vom Sektenführer Fust (Sam Louwyck) regiert, der mit seiner Gefolgschaft eine nach ihm benannte Seife für den Export aufs Festland fabriziert. Das reine Wasser, das die Auserwählten unter seinen Jüngerinnen und Jüngern saufen dürfen, ist sein Badewasser, und man ahnt, dass dieser Film auch ein paar Ideen ekliger hätte werden können. Im Vergleich zum Bunker ist die Groteske hier aber eher gebremst. Eine Konstante zwischen beiden Filmen bildet der faszinierte Blick auf traditionell kleinbürgerliche Tugenden und ihr Perversionspotenzial. A Pure Place bringt Herrschaft mit Sauberkeit in Verbindung und den geglückten Aufstand mit Dreck. Am Ende proben die Kinder der Sekte den Aufstand.

Die Resident Evil-Reihe ist nichts, was der Mensch, der sich als Cineast versteht, ohne Weiteres wertschätzt. Alles angeblich Inferiore ist hier beisammen: endlos anmutendes Geballer, Zombietrash, eine Computerspiel-Reihe als Vorlage. Resident Evil: Welcome to Raccoon City ist das unvermeidliche Prequel, Regie führt Johannes Roberts, der auch das Drehbuch geschrieben (was nicht allzu lange gedauert haben dürfte) und mit seinen Filmen 47 Meters Down und 47 Meters Down: Uncaged dem traditionell schwierigen Genre des Hai-Films überraschend schöne Momente geschenkt hat. Roberts hat ein gutes Gespür für die affektintensive Gestaltung von Filmräumen. Das ist, wenn die Fische angreifen oder die Infizierten über die Gesunden herfallen, sehr nützlich. Man schaut solche Filme ja nun auch nicht wegen der geschliffenen Dialoge.

Um Menschen, die in Extremsituationen durcheinanderschreien, geht es auch in dem Drama The Unforgivable, gedreht von der Regisseurin Nora Fingscheidt, die mit Systemsprenger einen der besten deutschsprachigen Filme der vergangenen Jahre gemacht hat. Sandra Bullock spielt eine nach zwanzig Jahren aus der Haft entlassene Mörderin, die versucht, den Kontakt zu ihrer Familie wieder aufzubauen und sich in die Gesellschaft, wie man so sagt, wieder einzugliedern. Die Kritiken bislang fielen eher zurückhaltend aus, um es einmal vorsichtig zu formulieren. The Unforgivable startet in einigen deutschen Kinos und am 10. Dezember dann auch auf Netflix.

Voll in die Pathoskiste langt das Bruderdrama Hannes. Zwei charakterlich typischerweise sehr verschiedene Brüder gehen gemeinsam auf die Reise, ein Unfall passiert, der eine, Hannes (Johannes Nussbaum) fällt ins Koma, der andere, Moritz (Leonard Scheicher), versucht zu retten, was zu retten ist. Der Film  gibt allen Beteiligten Gelegenheit zu dramatischen Ausbrüchen und sehr großen Gefühlen, die hier mit sehr großen Gesten zum Ausdruck gebracht werden.

Nach vier Filmen, die sich um verschiedene Formen von Unglück drehen (Sektenirrsinn, Zombies, Knast, Koma), noch zweimal Erbauliches: In À la Carte!, der für die deutschen Kinos mit dem schon arg blöden Untertitel Freiheit geht durch den Magen versehen worden ist, wird die Entstehung der bürgerlichen Gesellschaft noch einmal mit Nachdruck gefeiert. Ein Koch (Grégory Gadebois) fliegt aus dem Adelshaus, für das er die Tafeln zubereitet, und gründet Ende des 18. Jahrhunderts das erste Restaurant Frankreichs. Von nun an wird für das Volk gekocht, und das Essen in diesem Film ist wie für eine Ausgabe des Landlust-Magazins vor der Kamera drapiert worden. Sozusagen die filmische Antithese in diesem Monat zu Welcome to Raccoon City.

In Das schwarze Quadrat klauen die Kunsträuber Bernhard Schütz und Jacob Matschenz ein Bild mit einem schwarzen Quadrat drauf, 60 Millionen wert. Das kriegt man dann gut an dem über die Kunst der Moderne nicht informierten Flughafenpersonal vorbei. Problematisch wird es erst, wenn es einen als tapsigen Kriminellen auf ein Kreuzfahrtschiff verschlägt und man eben dort, um nicht aufzufliegen, als David-Bowie-Imitator auftreten muss. Ein lustiger Film. 

Der Beitrag Pures Unglück erschien zuerst auf filmfilter.