Zumindest dreimal hat der Regisseur Wes Craven maßgeblich dazu beigetragen, das Horrorgenre ins nächste Jahrzehnt rüber zu retten, immer in Zwölfjahresabständen. 1972 mit seinem beklemmend kaputten The Last House on the Left, der eine bis dahin unbekannte Negativität ins Genre einführte (die bis in heutige Torture-Porn-Exzesse ausstrahlt). 1984 mit A Nightmare on Elm Street, der ein Horrorfilmmonster zum ersten Mal seit den Fünfzigerjahren wieder zu einem das Genre überschreitenden Massenphänomen mit flächendeckendem Merchandise werden ließ. Und 1996 mit der finalen Überführung des Slasher ins Postmoderne, mittels selbstreflexiver Scherze (vorbereitet bereits zwei Jahre zuvor mit Freddy’s New Nightmare). Das Schöne an Scream war, dass er auf zwei Ebenen funktionierte; zum einen auf der beim heutigen Wiedersehen gar nicht so aufdringlichen Metaebene (der Film adressiert einen als wissende Zuschauer:in, man checkt die Verweise und kann die Selbstironie schätzen) und zugleich unmittelbar (der Film adressierte einen als Kind, das Angst vorm schwarzen Mann hat). Ein toller Highschool-Film ist Scream (flat auf Sky) außerdem.

Es folgte die unvermeidliche Sequelbildung, die in den Teilen zwei und drei freilich in die Konstruktion mit aufgenommen wurde: Das Genrewissen hilft hier nicht mehr nur dem Publikum bei der Lösung des lustigen Whodunit, sondern auch den Figuren selbst, die von Sequel zu Sequel ausschweifender über das Horrorgenre dozieren. Das war in seiner forcierten Cleverness wieder potenziell arg nervig, und 2000 war dann auch erstmal Schluss – kurz bevor ein Schwall grimmiger, schwarzhumoriger, drastischer Horrorfilme die Leichtigkeit des sogenannten postmodernen Horrors bis auf Weiteres abwürgte. Und auf Last House on the Left zurückwies, und nicht auf Nightmare on Elm Street; viele Wege, die die Geschichte des Horrorgenres genommen hat, führen zurück zu Wes Craven.

Scream 4 nahm 2011 dann auch Bezug auf die damals aktuelle Dominanz im Genre: Am Anfang beklagt sich eine der Figuren über stumpfen Torture Porn und muss kurz darauf sterben. Ansonsten war der Film, was selbstreflexive Kapriolen anging, eher dezent. Und auch sonst sehr fad. Was nun wiederum das Erscheinen des fünften Teils der Serie, der im Original schlicht Scream heißt, überraschend werden lässt. Schließlich war Scream 4 nicht nur filmisch, sondern auch kommerziell eher unergiebig. Und Wes Craven ist seit bald sieben Jahren tot.

Noch überraschender: Der neue Scream macht großen Spaß, stupst das Franchise wie nebenbei ins neue Jahrzehnt und hat mit dem  traditionell schwierigen finalen Plot Twist auch keine größeren Probleme als die Vorgänger. Vielleicht ist ja, wer Mitte der Neunziger gerade alt genug für das Original war, inzwischen auch in einem nostalgiefähigen Alter. Könnte ja sein, die Wiederauflage von Matrix deutet es an, dass nach der Achtziger-Retro-Welle jetzt das nächste Jahrzehnt vom zeitgenössischen Genrekino wieder hochgewürgt wird.

Jedenfalls verbreitet der Cast hier eine Atmosphäre wohliger Vertrautheit, Neve Campbell, Courteney Cox und David Arquette sind wieder mit dabei. Die Verweisdichte hat wieder zugenommen, der Duschmord aus Psycho wird anzitiert, und der Horrortrend, dem das traditionsbewusste Slashergenre als old school gegenübergestellt wird, ist der Schwung an politisch bewusstem Horror seit den Zehnerjahren. Jordan Peele wird von einer Filmfigur als bester Horror-Regisseur der Gegenwart gewürdigt, und der Lieblingsfilm einer anderen ist The Babadook. Zwischen den Gesprächen über Genreregeln, Horrortrends und die Stab-Filmreihe, die erneut als Film im Film (und für die Mordserie strukturbildendes Moment) mitläuft, gelingen den beiden Regisseuren Matt Bettinelli-Olpin und Tyler Gillett ein paar sehr schöne Slasher-Sequenzen, die fernab von allem Meta-Gedöns funktionieren (vor allem eine Terrorszene im Krankenhaus und die traditionelle finale Party).

Beim Sehen fällt sehr auf, und da ist man dann wieder bei der Nostalgie: Man fühlt sich als in den Achtzigerjahren Geborener in diesem Kosmos mit seinen klaren Regeln, bekannten Charakteren und vorhersehbaren Inszenierungstechniken, die um ihre Vorhersehbarkeit wissen, rundum wohl; achten Sie mal darauf, wie demonstrativ in diesem Film Schrank- und andere Türen geöffnet und wieder geschlossen werden, und wann einer mit einem Messer dahintersteht und wann nicht. Da kann auch ein Irrer mit Edvard-Munch-Maske, der die Figuren im Viertelstundentakt zerhackt, nicht viel dran ändern. Wie überhaupt ein Aspekt des Horrorfilms in den Texten zum Genre, das ja unter anderem von der Suggestion von Krassheit und Transgression lebt, nur selten zur Sprache kommt: wie heimelig und gemütlich das alles in seiner Vertrautheit immer wieder ist.

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Der Broadway-Musical-Adaption In the Heights (Sky) ging es vor einem halben Jahr im Kino ähnlich wie unlängst Steven Spielbergs West Side Story-Auffrischung: Bei den Kritiker:innen hoch beliebt, beim Publikum nicht ganz so, jedenfalls nicht genug, um sein Geld wieder einzuspielen. Dabei gehören solche Filme auf die große Leinwand, gerade die schwungvollen ersten zehn Minuten samt Massentanz-Szene auf der Straße im Latino-Grätzel von New York sind nicht nur für einen Meter Bildschirmdiagonale oder weniger choreografiert. Überhaupt ist das ein Energiebündel von einem Film (Regie wie bei Crazy Rich Asians: Jon M. Chu, Text und Musik wie bei Hamilton: Lin-Manuel Miranda): Soviel kommunale Lebensfreude und vitale Flirterei und trotz Armut Ja zum Leben sagen und Stehaufweibchen-Mentalität (und natürlich auch Diversity!) gibt es im gegenwärtigen Kino ja selten ohne Kitschkopfschmerzen zu haben. Wir sparen uns hier die Handlung und betonen das dieser Feelgood-Mechanik inhärente Kunststück, Old School Hollywood bruchlos mit modernster Coca-Cola-Werbeästhetik zu amalgamieren. Mirandas Regiedebüt, das Meta-Musical Tick, Tick … Boom!, gibt es übrigens auf Netflix.

Sollte es nicht eh allen klar sein: Olivia Colman zählt zu den ausdrucksstärksten Schauspielerinnen unserer Zeit; in dem entrückten Anti-Urlaubsfilm The Lost Daughter (Netflix) stellt sie es erneut unter Beweis. Basierend auf dem gleichnamigen Roman von Elena Ferrante, trifft es ausnahmsweise der deutsche Titel Frau im Dunkeln eher: Auf einer griechischen Insel samt zugehörigem Personal (u.a. gespielt von Dakota Johnson und Ed Harris), geht es zwar zwischendurch um eine buchstäblich verlorene Tochter; viel mehr aber geht es um eine verloren gegangene Puppe und was die von Colman faszinierend mehrschichtig angelegte Titelfigur, die alleinstehende Literaturprofessorin Leda aus Cambridge, damit anstellt. Dass Leda ein dunkles Geheimnis mit sich herumschleppt, aber vor allem, wie sie es schleppt (und in welchen Rückblenden die Last allmählich spürbar wird), gibt dem atmosphärisch und spannungstechnisch erstaunlichen Regiedebüt von Maggie Gyllenhaal sein dramatisches Gewicht. Gyllenhaal ist ja selbst auch so eine wunderbare Schauspielerin, zumal in David Simons grandioser historischer Porno-Business-Serie The Deuce (Sky) kann man ihr stundenlang zusehen.

Mir immer noch nicht klar ist, wie der Netflix-Algorithmus funktioniert. Oder vielleicht ist mir nicht klar, wie Österreichs Netflix-Publikum funktioniert: Wie kann The Lost Daughter (und das völlig zurecht) noch in der Vorwoche global auf Platz drei der englischsprachigen Netflix-Filme klassiert sein, in Österreich aber schon ein paar Tage später aus dem Top-Ten-Ranking fallen? Sofa Surfing kann sehr kompliziert sein. Weniger mysteriös ist, dass das neue Netflix-Original Kitz derzeit angeblich auf dem ersten Platz der Beliebtheitsskala in Österreich weilt, denn Kitzbühel ist natürlich eine quotenträchtige Gams. Daher ein kleiner Warnhinweis: Diese Teenie-Serie, angesiedelt in der Teenie-Schickeria („Nachwuchs-Hautevolee“ würde Norbert Hofer ev. dazu sagen) des „Aspen der Alpen“, ist eine Katastrophe. Bereits innert zwei Minuten, spätestens aber nach zwanzig, entpuppt sie sich als extrem unterfordernd für Teenies, Twens und eigentlich alle, die mehr von einer Serie wollen als schummelpapierene Dialoge. Wenn schon Klassenfahrt, hier eine Empfehlung für Harry Potter-Nostalgiker:innen: Return to Hogwarts (Sky) versammelt die Acting Crew von damals am Originaldrehort, den Warner Studios in London – Achtung, Anmutung Maturatreffen!

Apropos. Eine wesentlich interessantere Serie als Kitz, die zur Hälfte ebenfalls im Teenie-Milieu spielt, sich nämlich zur Hälfte um eine Mädchenfußballmannschaft dreht, ist Yellowjackets (Sky). Die andere Hälfte verfolgt Teile dieser Mannschaft, die infolge eines Flugzeugabsturzes auf einer einsamen Insel zerfallen ist, 25 Jahre später, sprich: heute. Also irgendwie auch ein Maturatreffen. Zum wiederholten Mal drohen düstere Geheimnisse von damals, welche dunkel an William Goldings „Lord of the Flies“ („Herr der Fliegen“) gemahnen, gelüftet zu werden. Die jungen Frauen werden ernst genommen, beide Erzählebenen sind geschickt ineinander montiert und die Spannungsbögen ordentlich geschwungen, soviel lässt sich nach vier Episoden Yellowjackets bereits sagen, aber vor allem das Casting der Älteren ist ein Coup: Wer wieder einmal Juliette Lewis und Christina Ricci in so tragenden wie verhaltensoriginellen Rollen sehen will, noch dazu in reibungsvollen gemeinsamen Szenen, und dazu Melanie Lynskey (die im Alter ihres jungen Fußballerinnen-Ichs gerade in Peter Jacksons Heavenly Creatures debütierte), wird nicht enttäuscht sein. So macht Sofa Surfing Spaß, wir bleiben dran.

Bonus-Tipp (Netflix): Aus dem Jahr 2020 stammt ein bislang unterbelichteter, höchst effektvoller britischer Horrorfilm, den wir hiermit zum Starken Stück adeln: His House, das Regiedebüt von Remi Weekes.

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