Ich liebe den Batman als einen grüblerischen Kerl. In den 1960ern und 1990ern war er ein bisschen albern, was auch einen gewissen Camp-Charme hatte, aber als Tim Burtons Batman 1989 in die Kinos kam, konnte sich kaum jemand vorstellen, dass ein Film über die Fledermaus mit Helfersyndrom noch trüber sein könnte. Christopher Nolan hat es mit seiner Dark Knight-Trilogie perfektioniert und politisch werden lassen. Die dreistündige Neuauflage The Batman von Matt Reeves (auf Sky, dazu alle bisherigen Batman-Kinofilme der vergangenen vierzig Jahre) setzt wirklich einen neuen Standard in Sachen Trostlosigkeit mit beklemmenden Chören und Dauerregen.

Reeves Vision ist ein regennasses Noir-Drama, das zurecht mit David Finchers Se7en und Zodiac verglichen wird. Es ist ein pechschwarzer Serienmörder-Krimi, in dem der Batman kein Superheld, sondern ein Detektiv ist, der mit seinen inneren Dämonen ringt – viele mögen das. Bruce Wayne, jetzt gespielt von Robert Pattinson, ist ein mürrischer, blasser Einprozentler, der droht, unter seinem White Privilege einzuknicken. Reeves nimmt mit The Batman auch Bezug auf das New Hollywood der Siebziger und Martin Scorseses Taxi Driver – quasi die Blaupause für die zerrissenen Leinwand-Männer der Moderne.

Apropos. Paul Schrader hat das Drehbuch zu Scorseses Klassiker geschrieben und der 76-Jährige US-Regisseur – der heuer in Venedig den Goldenen Löwen für sein Lebenswerk erhält – ist Experte für Männer, auf deren Schultern das Leid der Welt lastet. Sein jüngstes Exemplar, Oscar Isaacs weltmüder William Tell in The Card Counter (auf Prime Video), liegt genau auf einer Linie mit Schraders gebrochenen Einzelgängern wie dem Taxifahrer Travis Bickle, dem todessehnsüchtigen Priester Toller in First Reformed oder dem Rettungsfahrer Frank Pierce in Bringing Out the Dead: verzweifelte Männer, die nach einem Platz für sich selbst in der Welt suchen.

William Tell hat im Gefängnis das Kartenzählen gelernt. Er ist ein Mann ohne festes Zuhause, reist durchs Land, geht in Casinos, um Blackjack und Poker zu spielen. Er hat einen finsteren Blick, nippt nachts an seinem Whisky und hat dann Alpträume von seiner Zeit als Folterspezialist im berüchtigten Militärgefängnis Abu Ghraib. Es wäre auch kein Paul Schrader-Film, ginge es nicht um Schuld und Sühne. The Card Counter ist – wie die meisten Filme des Regisseurs – auch eine Charakterstudie darüber, wie Amerika kaputte Männer hervorbringt (unsere Kritik zum Kinostart).

Amerika bringt auch Männer wie Jay Gatsby hervor, die an ihren Illusionen zerbrechen. Der tragische Romantiker in Scott F. Fitzgeralds Literaturklassiker überwindet seine arme Vergangenheit, klettert im New York City der 1920er Jahre die soziale Leiter hinauf, um seine Jugendliebe zurück zu gewinnen, nur um von der Meute des „alten Geldes“ als Aufschneider und Blender abgetan zu werden.

Die opulente 3D-Verfilmung von The Great Gatsby (ab morgen auf Prime Video) von Kitsch-Meister Baz Luhrmann mit Leonardo DiCaprio in der Hauptrolle und Carey Mulligan als Love Interest wurde von der US-Kritik 2013 recht gemischt aufgenommen, ist aber in vielerlei Hinsicht ein atemraubendes Spektakel mit einem melancholischen Herzen. Eine dekadente Opera seria mit sensationellem Soundtrack, dicht mit Jay-Z, Jack White und Lana Del Rey.

Ad Astra (2019) ist wie die vorgenannten Filme im Grunde einer, der auf großer Leinwand gesehen werden will, aber seit gestern gibt es das Drama von James Gray halt auch auf Prime Video. In seinem prachtvollen Kammerspiel reist Brad Pitt ins Weltall – und ins galaktische Herz der Finsternis, um an die Vernunft seines verrückt gewordenen Vaters (Tommy Lee Jones) zu appellieren, zum Mond, zum Mars und darüber hinaus, nicht sicher, ob er den alten Mann auch wirklich finden will. Neptun scheint ein furchtbar langer Weg für eine Familientherapiesitzung zu sein.

Es folgt eine klassische Weltraum-Odyssee, gestützt auf die mythische Odyssee von Homer, auf die philosophisch-psychedelische Space-Oper 2001: Odyssee im Weltraum von Stanley Kubrick und auf Joseph Conrads Erzählung „Herz der Finsternis“ (verfilmt von Francis Ford Coppola als Apocalypse Now). Die Geschichte vom verzweifelten Mann auf beschwerlicher Mission hat man schon unzählige Male lesen oder beobachten können, aber Ad Astra zerlegt den Heldenmythos. Am Ende steht keine Legende, kein Heros – nur ein Mann.

Wir schließen unsere Antiheldenschau mit einem Mann, der hier etwas aus der Reihe fällt. Erstens gibt es ihn wirklich und zweitens hat er Menschen auf dem Gewissen – daher sein Spitzname „Dr. Death“. Eine wirklich gelungene True-Crime-Serie (brandneu auf Canal+) erzählt die wahre Geschichte des US-Neurochirurgen Dr. Christopher Duntsch, der seine Patienten verstümmelte und in einigen Fällen sogar tot zurückließ. War er zutiefst inkompetent? Oder ein Soziopath? Die achtteilige Serie Dr. Death von Patrick Macmanus, die auf einem Podcast basiert, lässt es offen.

Dr. Death schnitt Stimmbänder durch, hinterließ Schwämme in den Körpern von Menschen, schnitt in Muskeln und Nerven statt in Knochen. Christian Slater und Alec Baldwin spielen die Ärzte, die ihn zu Fall und wohldosierten Humor in die grausige Angelegenheit bringen. In der Titelrolle: Joshua Jackson. Dawson’s Creek-Seher:innen kennen ihn schon länger, andere wissen spätestens seit The Affair, was für ein charmanter Schauspieler er ist. Er verkauft den freundlichen Egomanen Dr. Death ziemlich gut.

Appendix: Nicht nur Scorsese, auch der arbeitswütigen, einmaligen und immer irgendwie erratischen deutschen Regie-Legende Werner Herzog gratulieren wir zum 80. Geburtstag, er feiert diesen am 5. September. Der Kultursenderfels in der Beliebigkeitsbrandung, nämlich ARTE, gratuliert natürlich ebenfalls und zeigt in seiner Mediathek Fitzcarraldo (online vom 5. bis 11. September 2022) und den Dokumentarfilm Flucht aus Laos (online vom 4. September bis 4. Oktober 2022).

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„Diese Stadt ist nicht mehr zu retten, aber ich muss es versuchen“, murmelt Robert Pattinsons Batman zu sich selbst. Nirvanas Klagelied „Something in the Way“ spielt im Hintergrund. Gotham City ist ein schlechter Ort, mit prasselndem Dauerregen, flackernden Glühbirnen und bösartigen Männern, die Frauen missbrauchen. Zurück in der Bat-Höhle zieht er den Anzug aus, zeigt seine nackte Niedergeschlagenheit und lässt sein dunkles Haar kunstvoll in die Stirn fallen. Seine Augen sind mit schwarzem Make-Up verschmiert. Diesem Milliardär wurde das Leben regelrecht aus den Augen geknipst.

Wir kennen den Batman als einen grüblerischen Ritter (und lieben ihn vielleicht sogar). Christopher Nolan hat ihn mit seiner Dark Knight-Trilogie perfektioniert. Die Gravitas. Die Coolness. Es war immer noch ein Comic. Doch der neue Emo-Batman ist so depressiv und humorlos, dass Robert Pattinsons früherer Fledermaus-Avatar, der gepeinigte Vampir in Twilight, ein wirklich gutes Training gewesen sein muss. Paul Dano spielt den Riddler, der so rätselhaft ist, dass er ein Fragezeichen im Schaum auf seinem Milchkaffee hinterlässt. Colin Farrell ist begraben unter Prothesen als der Pinguin und Zoë Kravitz spielt Selina Kyle als Teilzeit-Catwoman, kaum aber als love interest (in diesem Batman regt sich nichts). Sie verhöhnt die Sünden „weißer privilegierter Arschlöcher“ – wozu auch Bruce Wayne zählt, der Einprozentler hinter der Fledermausmaske, der jetzt unter der Wucht seiner Privilegien zusammenkauert.

Aber während dutzende Millionen ins Kino gehen, um Matt Reeves Neo-Noir-Detektivgeschichte zu sehen, feiert Tim Burtons Batman Returns (1992) – das erste Mal, als wir die Fledermaus, die Katze und den Pinguin zusammen gesehen haben – sein 30-jähriges Jubiläum. Und macht so viel mehr Spaß. Sicher, Burtons Batman hat auch eine gewisse Traurigkeit und eine Vorliebe für grinsenden Sadismus, aber der Film hat auch eine Märchenqualität, eine feministische Ader und sehr dunklen Humor. Es gibt auch Pinguine mit Raketen auf dem Rücken.

In Anlehnung an den märchenhaften Geist seiner Fabeln Edward Scissorhands, Beetlejuice und Pee-wee’s Big Adventure schuf Tim Burton eine Welt voller Außenseiter, eine Mischung aus Horror und Verspieltheit, die zum Markenzeichen dieses Regisseurs geworden sind. Er liebt seine tragischen Monster. Aus dem Pinguin, gespielt von Danny DeVito, mit seinem unterirdischen Königreich von Kanalfreaks, sickert ständig Speichel, Blut oder beides.

Catwoman, eine der großen Comic-Schurkinnen, taucht im Film erstmals als naive Sekretärin Selina Kyle auf, die Männern in grauen Anzügen nervös Kaffee einschenkt. In dieser Frau steckt Wut, aber sie ist tief verborgen. Und dann passiert etwas Schreckliches: Selinas böser Boss (Christopher Walken) – besorgt darüber, was sie weiß – schubst sie aus einem hohen Fenster. Da liegt sie wie ein verdrehter Engel im Schnee – bis eine Herde Katzen sie aus ihrem Alptraum weckt. Die Szene, in der sie nach dem Sturz nach Hause kommt, Milch aus dem Karton schlürft, Graffiti auf ihre rosa Wände sprüht und das Catwoman-Kostüm näht, während der Wahnsinn in ihren Augen flackert, ist einer der besten Momente im Film.

Alle Szenen mit Michelle Pfeiffer und Michael Keaton sind fabelhaft. Sie erkennen sich ineinander und man möchte wirklich, dass diese beiden zusammen weit weg laufen von Gotham City. Selina erwägt eine Beziehung mit Bruce und bemerkt: „Mit ihm fühle ich mich so, wie ich hoffe, dass ich wirklich bin.“ Als Catwoman schnurrt sie zu Batman: „Für ein Mädchen wie mich bist du Katzenminze. Gutaussehend, macht mich benommen, dafür könnte man sterben.”

Michelle Pfeiffer war damals bereits zweifache Oscar-Nominierte für The Fabulous Baker Boys und Dangerous Liaisons, aber so hatten wir sie noch nie gesehen, in einem Retro-Glam-Gummianzug und mit Peitsche. (Halle Berry und Anne Hathaway kamen nicht an ihre Performance heran). Pfeiffer verleiht dieser feministischen Rächerin einen harten Kern aus Verstand und Witz. Sie ist eine klassische Blenderin. „Wie konntest du – ich bin eine Frau“, sagt sie zu Batman, als er sie schlägt, und erwidert seine Entschuldigung mit einem Fußtritt in den Bauch.

Catwoman ist eine willkommene Schurkin, ein Albtraum für Männer, die glauben, sie könnten Frauen verletzen und damit davonkommen. Bruce Waynes letzte Worte im Film sind wichtig, wenn er Alfred frohe Weihnachten wünscht, und: „Wohlwollen gegenüber Männern … und Frauen.“

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Es scheint immer tiefer bergab zu gehen für den neben Superman sicherlich stilbildendsten Comic-Helden. Christopher Nolan machte es in Anlehnung an die Comics von Frank Miller vor: Sein Batman war, anders als der weltgewandte, nur etwas sonderbare Bruce Wayne in den Filmen von Tim Burton und Joel Schumacher, ein Schmerzensmann. Auch der Batman aus Zack Snyders Justice League-Trilogie wusste, dass das Leben als Batman eins der schwersten und die Welt ein verrohter, bösartiger Ort ist. In der neuen Wiederauflage des endlos währenden Franchise, The Batman (Regie: Matt Reeves), schlurft Robert Pattinson mit verschmiertem Kajal unter den Augen durch den Regen von Gotham City und scheint vor allem von Rachedurst zerfressen zu sein. In den drei Stunden, die auch dieser Film wieder dauert, kippt die Saga ins Thrillergenre, es geht tatsächlich darum, eine dunkle Vergangenheit detektivisch aufzuklären. Und da dieses Mal wieder der Riddler (Paul Dano) als Villain auf die Piste geschickt wurde, gibt es viele Rätsel zu lösen, weswegen dieser Film, gemeinsam mit der depressiven urbanen Szenerie, immer wieder an David Finchers 7even erinnert. Nicht die schlechteste Referenz.

Eine weitere sehr oft erzählte Geschichte, zum Beispiel 1990 mit Gerard Depardieu in der Titelrolle: Cyrano. Diesmal gibt Peter Dinklage den unglücklich Verliebten, der ein großes Herz, literarisches Talent und einen schnellen Degen hat – nur ist er eben kleinwüchsig und kommt deswegen als Ehegatte für Roxanne (Haley Bennett), meint er, nicht in Frage. Joe Wright hat mit Abbitte und Die dunkelste Stunde farbensatte Geschichtsfilme produziert, Schinken hätte man früher gesagt, technisch perfekt und mitreißend inszeniert. Auch Cyrano schöpft aus dem Vollen: Es ist ein prächtiges Musical, mit der melancholischen Musik der Band The National, die auch in diesem Zusammenhang erstaunlich gut funktioniert. Wenn man in dieser Kinowoche einmal wirklich alles um sich rum vergessen möchte – Gründe gibt es gerade ja genug –, dann geht das wohl am besten mit diesem Film.

Paul Schrader arbeitet derweil weiter an seiner Großerzählung des einsamen, zerquälten Mannes. In The Card Counter sind es Schuld und Rachelust, die William Tell (Oscar Isaac) beuteln. Nach den Folterungen im Abu-Ghraib-Gefängnis musste Tell als beteiligter Soldat in den Knast, sein Vater brachte sich um. Jetzt sucht er die Erlösung, wie eigentlich alle Männer in den Drehbüchern und Regiearbeiten Schraders. Und die soll die Ermordung eines Offiziers (Willem Dafoe) bringen, der damals involviert war und straffrei geblieben ist. Das wird aller Voraussicht nach alles natürlich wieder einmal nicht funktionieren. Schließlich ist Paul Schrader der vielleicht letzte große Film-Noir-Regisseur.

Zum aktuellen Film von Nanni Moretti, Drei Etagen / Tre piani, verweisen wir auf eine kompetente Kritik und loben zum Schluss das Wiener Gartenbaukino, welches als Wiederholungstäter in diesen Tagen wieder einmal zwei der objektiv besten Filme der Welt aufführt, Der Pate und Der Pate II nämlich. Was soll man zu denen noch sagen? Vielleicht das: Wer sich auch nur peripher für das Kino als Kunstform interessiert, muss die ersten beiden Teile von Coppolas Godfather-Trilogie mindestens einmal gesehen haben (am dritten Teil scheiden sich dann die Geister). Die seltene Möglichkeit, die Saga einmal (oder noch einmal) auf großer Leinwand zu erleben, sollte man sich nicht entgehen lassen.

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Es scheint immer tiefer bergab zu gehen für den neben Superman sicherlich stilbildendsten Comic-Helden. Christopher Nolan machte es in Anlehnung an die Comics von Frank Miller vor: Sein Batman war, anders als der weltgewandte, nur etwas sonderbare Bruce Wayne in den Filmen von Tim Burton und Joel Schumacher, ein Schmerzensmann. Auch der Batman aus Zack Snyders Justice League-Trilogie wusste, dass das Leben als Batman eins der schwersten und die Welt ein verrohter, bösartiger Ort ist. In der neuen Wiederauflage des endlos währenden Franchise, The Batman (Regie: Matt Reeves), schlurft Robert Pattinson mit verschmiertem Kajal unter den Augen durch den Regen von Gotham City und scheint vor allem von Rachedurst zerfressen zu sein. In den drei Stunden, die auch dieser Film wieder dauert, kippt die Saga ins Thrillergenre, es geht tatsächlich darum, eine dunkle Vergangenheit detektivisch aufzuklären. Und da dieses Mal wieder der Riddler (Paul Dano) als Villain auf die Piste geschickt wurde, gibt es viele Rätsel zu lösen, weswegen dieser Film, gemeinsam mit der depressiven urbanen Szenerie, immer wieder an David Finchers 7even erinnert. Nicht die schlechteste Referenz.

Eine weitere sehr oft erzählte Geschichte, zum Beispiel 1990 mit Gerard Depardieu in der Titelrolle: Cyrano. Diesmal gibt Peter Dinklage den unglücklich Verliebten, der ein großes Herz, literarisches Talent und einen schnellen Degen hat – nur ist er eben kleinwüchsig und kommt deswegen als Ehegatte für Roxanne (Haley Bennett), meint er, nicht in Frage. Joe Wright hat mit Abbitte und Die dunkelste Stunde farbensatte Geschichtsfilme produziert, Schinken hätte man früher gesagt, technisch perfekt und mitreißend inszeniert. Auch Cyrano schöpft aus dem Vollen: Es ist ein prächtiges Musical, mit der melancholischen Musik der Band The National, die auch in diesem Zusammenhang erstaunlich gut funktioniert. Wenn man in dieser Kinowoche einmal wirklich alles um sich rum vergessen möchte – Gründe gibt es gerade ja genug –, dann geht das wohl am besten mit diesem Film.

Paul Schrader arbeitet derweil weiter an seiner Großerzählung des einsamen, zerquälten Mannes. In The Card Counter sind es Schuld und Rachelust, die William Tell (Oscar Isaac) beuteln. Nach den Folterungen im Abu-Ghraib-Gefängnis musste Tell als beteiligter Soldat in den Knast, sein Vater brachte sich um. Jetzt sucht er die Erlösung, wie eigentlich alle Männer in den Drehbüchern und Regiearbeiten Schraders. Und die soll die Ermordung eines Offiziers (Willem Dafoe) bringen, der damals involviert war und straffrei geblieben ist. Das wird aller Voraussicht nach alles natürlich wieder einmal nicht funktionieren. Schließlich ist Paul Schrader der vielleicht letzte große Film-Noir-Regisseur.

Noch ein paar Stufen düsterer ist Claire Denis’ Trouble Every Day, der 2001 in Cannes Premiere feierte und jetzt zum ersten Mal in deutschen Kinos läuft. Die Restaurierung hat Denis’ damalige Kamerafrau Agnès Godard gemacht, die Regisseurin soll damit sehr zufrieden sein.

Auf den ersten Blick ist Trouble Every Day eine Vampirgeschichte. Vincent Gallo schleicht bleich durch die Szenerie, Béatrice Dalle lockt ahnungslose Jünglinge in ihre Wohnung. Beide haben sich bei einem Experiment infiziert, das unnatürlichen Blutdurst geweckt hat. Allerdings ist der Vampirismus hier ein Kannibalismus und also kein aristokratisches Blutsaufen, sondern ein ziemliches Geschlachte, das nicht einmal in den gängigen Konventionen des Splatterfilms inszeniert wurde. Trouble Every Day nimmt das Horrorgenre nur als Folie. Die drastischen Körperszenen sind hier nahezu abstrakt gefilmt. In diversen längeren Sequenzen füllt die Haut die ganze Leinwand und man sieht die Poren. Dass bei der Premiere in Cannes zahlreiche Zuschauer:innen rausgelaufen sein sollen, liegt wohl auch daran, dass der Körperhorror sich gängigen Konventionen komplett verschließt und dementsprechend irritierend wirkt. Zumal die von Denis und Godard geschaffenen Bilder, auch die schrecklichsten, nicht ohne Schönheit sind.

Noch eine Wiederaufführung, nämlich zweier der objektiv besten Filme der Welt, Der Pate und Der Pate II. Was soll man noch dazu sagen? Vielleicht das: Wer sich auch nur peripher für das Kino als Kunstform interessiert, muss die ersten beiden Teile von Coppolas Godfather-Trilogie mindestens einmal gesehen haben (am dritten Teil scheiden sich dann die Geister). Die seltene Möglichkeit, die Saga einmal (oder noch einmal) auf großer Leinwand zu erleben, sollte man sich nicht entgehen lassen.

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