Ein Kritiker-Liebling der vergangenen Festival-Saison war EO, Jerzy Skolimowskis Neuinterpretation (nicht Remake) von Robert Bressons Meisterwerk Zum Beispiel Balthazar. Die Passionsgeschichte eines Tiers als unspezifische Metapher, mit denen Zuschauerin und Zuschauer eigene Emotionen verbinden können. Wundervoll gefilmt, nicht zuletzt. Unsere Kritik von EO finden Sie hier.

Menschlich-allzumenschlich geht es dagegen in dem Historiendrama Verlorene Illusionen zu, einer Verfilmung von Balzacs gleichnamigen Roman. Dessen fast tausend Seiten haben Regisseur Xavier Giannoli und sein Co-Autor Jacques Fieschi auf den basalen Plot reduziert, die grundlegende Idee aber bleibt erhalten: Anhand des Pariser Pressewesens wird eine Momentaufnahme im Frankreich des 19. Jahrhunderts konstruiert. Und im weiteren Sinne eine Zeiten übergreifende Geschichte von gesellschaftlichen Zwängen, Aufstieg und unvermeidbarem Fall. Unsere Besprechung von Verlorene Illusionen finden Sie hier.

Gesellschaftliche Zwänge ergreifen auch Denken und Fühlen des von der Mutter seines Sohnes getrennten Vaters Ben (Florian David Fitz). Ben nämlich kommt nicht damit zurecht, dass Oskar (Laurì) gerne Kleider trägt und gar kein Sohn ist, sondern eine Tochter, Lili. Hüseyin Tabak, der bereits mit Filmen wie Deine Schönheit ist nichts wert und Gipsy Queen einen sehr empathischen Blick für Außenseiterfiguren an den Tag gelegt hat, erzählt in Oskars Kleid von Irritation, Abwehr und einer Verwandlung – einer Verwandlung nicht nur des Kindes, sondern auch des Vaters. Und das alles in einem heiteren, gelösten Ton, der der Gender-Debatte viel von ihrer Schwere nimmt.

Klassisches Thriller-Material mit einigen Verweisen und Anspielungen fährt Der denkwürdige Fall des Mr. Poe auf (schöner Originaltitel: The Pale Blue Eye). Christian Bale untersucht im dunkel-verschneiten Staat New York einen angeblichen Selbstmord, der sich bald als Ritualmord entpuppt. Unterstützt wird der Ermittler von einem jungen Kadetten, Edgar Allan Poe… Regisseur Scott Cooper (Out of the Furnace, Hostiles, beide ebenfalls mit Bale in der Hauptrolle, Antlers) zeichnet erneut ein sehr finsteres, in diesem Fall gothic anmutendes Bild der USA. Hier geht’s zum Trailer, nach den Weihnachtsferien erscheint die Romanadaption dann schon auf ihrer Produktionsplattform Netflix.

Zweimal Musik: Das Biopic Whitney Houston: I Wanna Dance With Somebody erzählt Aufstieg (eine unglaublich hohe Zahl verkaufter Alben und Singles, „I Will Always Love You“) und Fall (Ehe mit Bobby Brown, Drogen) der Titelheldin als tragische Heldinnengeschichte.

Ruhiger geht es in dem Dokumentarfilm Ennio Morricone – Der Maestro zu. Der wohl produktivste Soundtrack-Komponist, dessen Werk ohne nennenswerte Ausreißer nach unten monolithenhaft in der Landschaft steht, ist hier bei der Arbeit und in vielen Interviews zu sehen. Begleitet von durchweg Bewunderung erkennen lassenden Zeitgenossen wie Bernardo Bertolucci, Oliver Stone, Quentin Tarantino, Hans Zimmer. Und Bruce Springsteen.

Der Kinderfilm der Woche ist zugleich auch einer der unterhaltsamsten Filme, die in diesem Jahr noch in die Kinos kommen. Der gestiefelte Kater 2: Der letzte Wunsch schließt an den bislang unerklärlicherweise sequel-los gebliebenen ersten Teil (2011). Der erschien zur Hochzeit des alle Alterklassen abholenden Kinderfilms der Pixar-Schule, als Shrek-Spin-off, welches das ursprüngliche Franchise in Sachen Tempo, Wortwitz und vor allem Animationskunst noch übertraf. Sieht wieder äußerst vielversprechend aus.

Und ein kurzer Ausblick auf die letzte Dezemberkinowoche: Was man von hier aus sehen kann setzt ganz auf wehmütige Skurrilität. Ein Bild der deutschen Provinz, die hier als Ort des magischen Realismus gefasst wird: Aberglaube, wahrsagerische Träume vom Tod, Amélie-artige Figuren, die meist irgendeinen ulkigen oder unheimlichen Sockenschuss haben, aber am Ende doch fast allesamt liebenswert erscheinen.

Wir wünschen ein frohes Fest, schöne Feiertage sowie einen guten Rutsch und melden uns wieder mit der nächsten Kinovorschau am 5. Januar 2023!

Der Beitrag Verlorene Illusionen erschien zuerst auf filmfilter.

Die Geschichte des talentierten Gimpels aus der Provinz, der in die große Stadt kommt, ist schon oft erzählt worden. Honoré de Balzac hat sie in seinem dreiteiligen Tausend-Seiten-Roman „Illusions perdues“ zum Gerüst für eine Rekonstruktion der sozialen Welt des frühen 19. Jahrhunderts genommen, Paris zu Zeiten der Restauration. Eine komisch-grimmige Soziologie in Romanform, sozusagen. Xavier Giannoli, der mit Superstar und Madame Marguerite oder die Kunst der schiefen Töne bereits zwei Filme über die destruktive Macht des Ruhms (bzw. den Wunsch nach Ruhm) gedreht hat, und sein Drehbuchautor Jacques Fieschi (Nelly & Monsieur Arnaud, Yves Saint Laurent, Die Frau im Mond) haben die ersten beiden Teile von Balzacs Roman auf die zentrale Plotlinie und auf knapp zweieinhalb Stunden opulentes Ausstattungskino eingedampft.

Verlorene Illusionen funktioniert über weite Strecken sehr gut, auch wenn die Geschichte, die der Film nun erzählt, so geradlinig und überschaubar ist, dass eine halbe Stunde weniger vielleicht auch eine Option gewesen wäre. Der von sich sehr überzeugte und zugleich von der hohen Gesellschaft sozial überforderte Lucien de Rubempré (Benjamin Voisin) darf eigentlich gar nicht so heißen, da sein Vater kein Adeliger, sondern Apotheker und also ein Bürgerlicher war. Mit der in ihn verliebten Adeligen Louise (Cécile de France) brennt er nach Paris durch, um Schriftsteller zu werden. Die Affäre findet ein jähes Ende, als Lucien sich arg tölpelhaft aufführt, und die feine Gesellschaft beginnt zu tratschen. Lucien, die dauerhafte Armut als Drohung im Nacken, lernt den Journalisten Etienne Lousteau (ewig jung: Vincent Lacoste) kennen und tauscht die hehren literarischen Ambitionen recht schnell gegen die Honorare einer Zeitung ein. Skandale anzuheizen und Theaterstücke und Bücher gegen Bestechungsgeld kaputt- oder in den Himmel zu schreiben, ist fortan seine Aufgabe.

Verlorene Illusionen ist immer dann am besten, wenn er in seinen Bildern und in den Dialogen (Giannoli hat einen der sicherlich redseligsten Filme des Jahres gedreht) so soziologisch verfährt wie Balzac in seinen Romanen. Dann also, wenn er von der Entstehung und Praxis der Boulevardpresse und des Kunstbetriebes erzählt, die in dem Film wie auch in der Romanvorlage sozusagen mikrosoziologisch für eine umwälzende gesellschaftliche Entwicklung stehen: die Kommerzialisierung und Ökonomisierung von Feldern, die bis dahin wenn nicht komplett, so doch relativ weit bürgerlichen Kosten-Nutzen-Rechnungen entzogen waren.

Das ist hier vor allem die Literatur und das Theater, aber auch der Journalismus und eigentlich jede Form des menschlichen Ausdrucks, die nun nicht mehr in die Welt, sondern auf den Markt getragen wird. Während der Adel noch ein paar Jahre (bis zur nächsten Revolution) sein Untoten-Theater aufführen darf, bis die Verbürgerlichung der Welt abgeschlossen ist. „Man kann Leute für alles bezahlen, das nennt sich Fortschritt“, ist einer der vielen zentralen Merksätze des Films.

Die Mechanismen, die in Verlorene Illusionen diese umfassende Marktförmigkeit von allem und jedem organisieren, sind die Intrige und das Rezensentenwesen – auf dessen Macht, künstlerische Erzeugnisse erfolgreich werden oder scheitern zu lassen, man als Autor heute schon auch etwas neidisch werden kann…

Dass der Film dabei immer noch so etwas wie die Liebe als Gegenmacht zu den ansonsten alles ergreifenden gesellschaftlichen Kräften ins Feld führt, ist anrührend, einerseits, wird aber andererseits der Figur einer Boulevard-Schauspielerin (Salomé Dewaels) aufgebürdet, der klischeehaften Verkörperung einer einfachen, reinen Seele. Aber egal, dafür, dass Verlorene Illusionen es als opulent ausgestatteter Ausstattungs- und Schaupielerfilm (Gérard Depardieu schiebt seinen Bauch wieder sehr eindrucksvoll als des Lesens nicht mächtiger Verleger über die Leinwand) unübersehbar und auch erfolgreich darauf angelegt hat, auf Filmfestivals mit Preisen zugeschmissen zu werden, ist er sehr komplex und nuancenreich gebaut. Und macht den Spaß, den es eben macht, anderen beim Aufstieg und beim Fall zuzusehen.

Der Beitrag Die Kunst des Skandals erschien zuerst auf filmfilter.

Während Wiener Cinephile (bzw. dafür angereiste Gäste) sich an der bereits 60. Ausgabe der Viennale erfreuen – Direktorin Eva Sangiorgi wird trotz rezenter Mutterschaft immer wieder im Festivalwusel auftauchen –, vergessen wir nicht auf die wöchentlichen Regelkinostarts. Von der Filmtradition des Kosovo z.B. weiß man im deutschsprachigen Raum wenig bis gar nichts. Umso schöner, dass jetzt mit Hive das Langfilmdebüt der Regisseurin Blerta Basholli auch in österreichische Kinos kommt. Hive (Bienenstock) basiert auf der Lebensgeschichte der Kosovo-Albanerin Fahrije Hoti, und da die davon handelt, wie eine Frau nach dem Tod ihres Mannes selbstständig und Kraft der eigenen Hände Arbeit überleben muss, wird der Film im Rahmen der Gesellschaft, in der er spielt, sozusagen zwangsläufig zu einer Erzählung über Emanzipation und Gleichberechtigung. Fahrijes Mann wurde 1999 bei einem Massaker von Serben ermordet. Die Witwe (Yllka Gashi) muss ihren Lebensunterhalt selbst verdienen, mit dem Verkauf von Ajvar. Die soziale Erwartung aber ist, dass sie auf die Rückkehr ihres Mannes wartet. Auf die Frage, wovon und wie man leben soll als alleinerziehende Mutter, hat die Dorfgemeinschaft keine Antwort. Nach und nach schließen sich mehr Frauen Fahrjie an, auch gegen die Widerstände der Männer des Dorfes. Hive erzählt davon, wie notgedrungene Emanzipation um sich greift und die Dinge verändert. Auf dem Sundance-Festival räumte Bashollis Film alle Preise ab, inzwischen steht er als kosovarischer Beitrag auf der Shortlist für die Oscar-Preisverleihung.

Der Regisseur Jaume Collet-Serra hat ein Händchen für Filme, die einen nicht vom Hocker hauen, aber eben auch keine Sekunde langweilig sind. Ein Routinier, der dem 130. Liam-Neeson-Gekloppe zwar vielleicht keine Originalität, aber doch Tempo und Dynamik abpressen kann. Auch eine Ansammlung von Standardsituationen wie der Böse-Kind-Horror Orphan oder der wirklich sehr hübsche Hai-Film The Shallows machten durchweg Spaß. Jetzt hat Collet-Serra seine erste Riesenproduktion realisiert, Black Adam. Ein DC-Blockbuster mit einem der wenigen Superhelden aus dem hauseigenen Universum, die noch keine eigene Filmreihe bekommen haben. Dieser Superheld ist angenehm ambivalent: Dwayne Johnson agiert in der Titelrolle eher wie der Punisher als wie Superman. Und der Trailer verspricht nicht nur formvollendet inszenierte Action, sondern auch einige unverhoffte ästhetische Überdrehungen.

Wesentlich familienfreundlicher: Lyle – Mein Freund, das Krokodil reiht sich ein in die schier endlose Abfolge von Kinderfilmen – von Elliott das Schmunzelmonster über Free Willy bis Drachenzähmen leicht gemacht –, in denen ein überdimensioniertes Tier der beste Freund eines Jungen wird. In Lyle ist es ein sehr detailliert animiertes Riesenkrokodil (im Original vom Popstar Shawn Mendes gesprochen), das singen und Klavier spielen kann, in eine sympathische Familie verpflanzt und von einem sinistren Nachbarn verfolgt wird. Eine weitere Variation des Motivs des imaginären Freundes, dieses Mal mit viel Musik und Gesang.

Und noch ein Tierfilm, diesfalls im realistischeren Modus: Die Legende vom Tigernest. Der Waisenjunge Balmani (Sunny Pawar) nimmt ein Tigerjunges auf, dessen Mutter von Wilderern erschossen wird. Es folgt die Flucht vor den Wilderern durchs Himalaya-Gebirge. Die Erwachsenen töten die Natur, die Kinder versuchen sie zu retten und zu bewahren. Diese Konstellation findet man im Kinderfilm nicht erst seit Fridays for Future, sondern nahezu seit Beginn des Genres. Regisseur Brando Quilici hat bislang ausschließlich Naturdokumentationen gedreht. In seinem ersten Spielfilm zeichnet er ein wirklichkeitsnäheres Bild von der Natur als viele vergleichbare Kinderfilme sonst (nicht nur im direkten Vergleich zu einem Klavier spielenden Krokodil). Wilde Tiere gehören in die Wildnis, die Natur ist keine Idylle, sondern dem Menschen gegenüber reichlich indifferent. Vermenschlicht wird in Tigernest nichts, was animalisch ist.

Nach Ansicht von Sönke Wortmanns Komödie Der Nachname – am Filmtitel unschwer als Sequel des enorm erfolgreichen Der Vorname zu erkennen – wünscht man sich dann auch gleich in die Einöde, dorthin, wo es keine Verwandten hat. Wieder wird die dysfunktionale Familie Böttcher/Berger auf engem Raum zusammenpfercht, in einem Ferienhaus in diesem Fall, um sich nahezu von Beginn bis zum Ende des Films leidenschaftlich zu malträtieren und zu streiten. Dieses Mal ist die neue Beziehung von Mutter Dorothea (Iris Berben) Anlass für diverse Eskalationen. Der Vorname war, wie auch Sönke Wortmanns Contra, eine Variation einer französischen Vorlage. Die gibt es im Fall von Der Nachname nicht, und man ahnt, dass es nun vergleichsweise schematisch zugeht. Hat schon seine Gründe, dass Wortmann sich so gerne bei französischen Autoren bedient…

Harter Schnitt und maximaler Kontrast: der Kinderfilm der Woche – Die Mucklas und wie sie zu Pettersson und Findus kamen. Sven Nordqvists Pettersson und Findus-Reihe hat, mitsamt den dazugehörigen Filmen, die inoffizielle Nachfolge von Astrid Lindgrens Bullerbü-Büchern angetreten. Eine ländliche Idylle voller ganz sanft verschrobener Figuren, in der alles friedfertig und gut ist. Erholung und Entspannung, auch für erwachsene Zuschauer:innen. Oder auch gerade für die. Regress allerorten.

Eine filmfilter-Besprechung von Illusions perdues / Verlorene Illusionen finden Sie hier, denn erstens handelt es sich dabei quasi um die Urmutter aller Fake-News-Stories (Zeitungsenten hießen die zu jener Zeit, in der der Film spielt), und zweitens hat Gérard Depardieu darin ein Faible für Ananas.

Der Beitrag Bienenstock erschien zuerst auf filmfilter.