Die Ausgangslage ist klar strukturiert: Ein entführter Junge in einem Keller, im Erdgeschoss sitzt das Monster und wartet, dass er die Treppe raufkommt. Der Greifer (Ethan Hawke) fährt durch die Straßen und sammelt Kinder ein, die dann nicht mehr auftauchen. Als letzten trifft es Finney (Mason Thames), der zu Hause schon mit einem prügelnden Vater zu kämpfen hat. Der eher fragil wirkende Junge versucht sich zu befreien, und für alles, was The Black Phone von diesem Punkt an Fantastischem auffährt, muss man nur zwei Prämissen annehmen. Die toten Kinder rufen bei Finney im Keller an, über ein schwarzes Telefon, und geben ihm Hinweise. Währenddessen ermittelt Finneys Schwester Gwen (Madeleine McGraw) draußen auf eigene Faust. Sie träumt Dinge, die sie nicht wissen kann, Täterwissen, Szenen aus den Leben der Opfer.

Joe Hill, der Autor der Kurzgeschichte, auf der die Verfilmung von Regisseur Scott Derrickson basiert, hat die seltene Fähigkeit, das Fantastische real und selbstverständlich wirken zu lassen, während die Realität, wie wir sie kennen, unterschwellig mehr und mehr kaputt und surreal erscheint. Diese Vermischung oder auch Verkehrung (siehe auch bei diesem Film) gelingt den Bildern in The Black Phone ebenfalls. Traum-Ästhetik und Realismus durchdringen einander. Wenn Gwen träumt, sehen wir körnige Super-8-artige Aufnahmen, als sei es ein Familienvideo, Found Footage. Währenddessen werden die Bilder der materiellen Wirklichkeit albtraumhafter, der Keller, die Kleinstadt bei Nacht, in der niemand hören will, wenn jemand um Hilfe schreit.

Auch die Durchdringung von Normalität und Monstrosität geschieht in The Black Phone unterschwellig. Am offensichtlichsten wird sie in der Parallelisierung von Monster und Vater, die beide mit dem Gürtel in der Hand ihr eigenes Trauma an den Kindern ausagieren. Im Subtext konstruiert der Film ein filmisches Universum, in dem die Erwachsenen und damit auch ihre Kinder mit Gewalt infiziert sind. Auf dieser Ebene will The Black Phone ungleich mehr von der Welt wissen als die bisherigen Filme Scott Derricksons, die – wie zum Beispiel Sinister oder Erlöse uns von dem Bösen – düster, aber eben auch sehr oberflächenverliebt waren.

The Black Phone erlaubt sich zwar zwei, drei Jump Scares, setzt ansonsten aber auf Suspense und am Ende auf Katharsis. Auf dem Weg dahin gelingen ihm einige sehr schöne Sequenzen und Momente, die von einem großen Herz für die Figuren zeugen. Für die Kinder eh, und da gerade für die Außenseiter und die Besonderen. Aber auch für die Erwachsenen, die Terror ausüben. Ethan Hawke verleiht noch dem Entführer, der mit seinen Opfern immer wieder das Spiel „Ungezogenes Kind“ spielen muss, bevor er sie töten kann, so etwas wie psychologische Tiefe, die über das rein Monströse hinausgeht. Und das obwohl er bis auf zwei allerdings signifikante Momente Maske trägt.

Hawke hat als Greifer sichtlich Spaß am performativen Bösen. Dass The Black Phone aber so rund läuft, liegt vor allem an seinen zwei großartigen Kinderschauspielern, Mason Thames und Madeleine McGraw. Der Cast trägt wesentlich dazu bei, dass das alles auch in seinen dunkelsten Momenten nicht ins Sensationalistische kippt, sondern seinen Figuren und seiner Geschichte verpflichtet bleibt. Das verleiht dem Film, dessen Plot man ohne Weiteres auch im Geisterbahn- oder Torture-Porn-Modus hätte erzählen können, eine Ernsthaftigkeit, die man im Horrorgenre gern öfter finden würde.

Der Beitrag Telefonjoker erschien zuerst auf filmfilter.

Zumindest dreimal hat der Regisseur Wes Craven maßgeblich dazu beigetragen, das Horrorgenre ins nächste Jahrzehnt rüber zu retten, immer in Zwölfjahresabständen. 1972 mit seinem beklemmend kaputten The Last House on the Left, der eine bis dahin unbekannte Negativität ins Genre einführte (die bis in heutige Torture-Porn-Exzesse ausstrahlt). 1984 mit A Nightmare on Elm Street, der ein Horrorfilmmonster zum ersten Mal seit den Fünfzigerjahren wieder zu einem das Genre überschreitenden Massenphänomen mit flächendeckendem Merchandise werden ließ. Und 1996 mit der finalen Überführung des Slasher ins Postmoderne, mittels selbstreflexiver Scherze (vorbereitet bereits zwei Jahre zuvor mit Freddy’s New Nightmare). Das Schöne an Scream war, dass er auf zwei Ebenen funktionierte; zum einen auf der beim heutigen Wiedersehen gar nicht so aufdringlichen Metaebene (der Film adressiert einen als wissende Zuschauer:in, man checkt die Verweise und kann die Selbstironie schätzen) und zugleich unmittelbar (der Film adressierte einen als Kind, das Angst vorm schwarzen Mann hat). Ein toller Highschool-Film ist Scream (flat auf Sky) außerdem.

Es folgte die unvermeidliche Sequelbildung, die in den Teilen zwei und drei freilich in die Konstruktion mit aufgenommen wurde: Das Genrewissen hilft hier nicht mehr nur dem Publikum bei der Lösung des lustigen Whodunit, sondern auch den Figuren selbst, die von Sequel zu Sequel ausschweifender über das Horrorgenre dozieren. Das war in seiner forcierten Cleverness wieder potenziell arg nervig, und 2000 war dann auch erstmal Schluss – kurz bevor ein Schwall grimmiger, schwarzhumoriger, drastischer Horrorfilme die Leichtigkeit des sogenannten postmodernen Horrors bis auf Weiteres abwürgte. Und auf Last House on the Left zurückwies, und nicht auf Nightmare on Elm Street; viele Wege, die die Geschichte des Horrorgenres genommen hat, führen zurück zu Wes Craven.

Scream 4 nahm 2011 dann auch Bezug auf die damals aktuelle Dominanz im Genre: Am Anfang beklagt sich eine der Figuren über stumpfen Torture Porn und muss kurz darauf sterben. Ansonsten war der Film, was selbstreflexive Kapriolen anging, eher dezent. Und auch sonst sehr fad. Was nun wiederum das Erscheinen des fünften Teils der Serie, der im Original schlicht Scream heißt, überraschend werden lässt. Schließlich war Scream 4 nicht nur filmisch, sondern auch kommerziell eher unergiebig. Und Wes Craven ist seit bald sieben Jahren tot.

Noch überraschender: Der neue Scream macht großen Spaß, stupst das Franchise wie nebenbei ins neue Jahrzehnt und hat mit dem  traditionell schwierigen finalen Plot Twist auch keine größeren Probleme als die Vorgänger. Vielleicht ist ja, wer Mitte der Neunziger gerade alt genug für das Original war, inzwischen auch in einem nostalgiefähigen Alter. Könnte ja sein, die Wiederauflage von Matrix deutet es an, dass nach der Achtziger-Retro-Welle jetzt das nächste Jahrzehnt vom zeitgenössischen Genrekino wieder hochgewürgt wird.

Jedenfalls verbreitet der Cast hier eine Atmosphäre wohliger Vertrautheit, Neve Campbell, Courteney Cox und David Arquette sind wieder mit dabei. Die Verweisdichte hat wieder zugenommen, der Duschmord aus Psycho wird anzitiert, und der Horrortrend, dem das traditionsbewusste Slashergenre als old school gegenübergestellt wird, ist der Schwung an politisch bewusstem Horror seit den Zehnerjahren. Jordan Peele wird von einer Filmfigur als bester Horror-Regisseur der Gegenwart gewürdigt, und der Lieblingsfilm einer anderen ist The Babadook. Zwischen den Gesprächen über Genreregeln, Horrortrends und die Stab-Filmreihe, die erneut als Film im Film (und für die Mordserie strukturbildendes Moment) mitläuft, gelingen den beiden Regisseuren Matt Bettinelli-Olpin und Tyler Gillett ein paar sehr schöne Slasher-Sequenzen, die fernab von allem Meta-Gedöns funktionieren (vor allem eine Terrorszene im Krankenhaus und die traditionelle finale Party).

Beim Sehen fällt sehr auf, und da ist man dann wieder bei der Nostalgie: Man fühlt sich als in den Achtzigerjahren Geborener in diesem Kosmos mit seinen klaren Regeln, bekannten Charakteren und vorhersehbaren Inszenierungstechniken, die um ihre Vorhersehbarkeit wissen, rundum wohl; achten Sie mal darauf, wie demonstrativ in diesem Film Schrank- und andere Türen geöffnet und wieder geschlossen werden, und wann einer mit einem Messer dahintersteht und wann nicht. Da kann auch ein Irrer mit Edvard-Munch-Maske, der die Figuren im Viertelstundentakt zerhackt, nicht viel dran ändern. Wie überhaupt ein Aspekt des Horrorfilms in den Texten zum Genre, das ja unter anderem von der Suggestion von Krassheit und Transgression lebt, nur selten zur Sprache kommt: wie heimelig und gemütlich das alles in seiner Vertrautheit immer wieder ist.

Der Beitrag Heimeliger Horror erschien zuerst auf filmfilter.