„Ich mag die Idee des Verlustes der Unschuld nicht, weil sie auf einer bürgerlichen Lesart von Geschichte basiert“, hat der Regisseur James Gray im Interview mit Indiewire erklärt. „Sie geht davon aus, dass Kinder unschuldig sind. Was sie nicht sind. Und sie setzt voraus, dass es einen Moment der Schönheit und Reinheit gab, den es nicht gibt.“ Das sind die konzeptuellen Voraussetzungen, unter denen James Gray nach seinen vergleichsweise spektakeligen Filmen The Lost City of Z und Ad Astra mit Zeiten des Umbruchs zum kleinen, präzisen Familienporträt zurückgekehrt ist.

Dieses Mal ist es das Bild seiner eigenen Familie, das sich hier entfaltet. Recherchiert hätte er für Zeiten des Umbruchs nicht, sagt Gray, aber er hätte ein gutes Erinnerungsvermögen. Wer um 1980 in Queens, New York aufgewachsen ist, könnte einen Abgleich machen. Auf Zuschauer:innen aus anderen Regionen der Welt jedenfalls wirken die in gedeckten Herbstfarben gehaltenen Bilder von Kameramann Darius Khondji, der mit Gray bereits bei The Immigrant zusammengearbeitet hat, in ihrer Kodak-Film-Ästhetik völlig authentisch. Die Räume der Wohnung, in der der elfjährige Paul Graff (Michael Banks Repeta) aufwächst, sind düster, aber der erste Eindruck täuscht. Grays Figurenzeichnungen sind komplex, in moralischer und psychologischer Hinsicht. Nichts ist einfach dunkel, und nichts ist einwandfrei in Ordnung. Der Vater (Jeremy Strong), ein Klempner, will, dass es seine Kinder einmal besser haben als er und verprügelt seinen Sohn brachial mit dem Gürtel, wenn die Gefahr droht, dass der ausschert. Und trotzdem gelingt Gray so etwas wie ein liebevoller Blick auf diesen Mann, auch auf die Mutter (Anne Hathaway), die liebt und diszipliniert zugleich.

Das Drama der Familie Graff (oder eines ihrer Dramen) ist das Drama des sozialen Aufstiegs der Außenseiter. Wie so oft seit Grays Debüt Little Odessa ist es außerdem ein Migrationsdrama. Die Eltern von Pauls Großvater Aaron (Anthony Hopkins) sind vor den Nazis aus der Ukraine in die USA geflohen, die Lager sind Tischgespräch, und am Abend erzählt Aaron, was seine Mutter damals erleben musste. Eine Trauma-Weitergabe im Modus von echter, tiefempfundener großväterlicher Liebe, im Wissen darum, dass man auch als Kind von diesen Dingen Kenntnis haben muss. Auch hier wieder, wie überhaupt in diesem Film, ein Wissen um die omnipräsente Ambivalenz, mit der man umgehen muss.

Das Gute und das Notwendige: Zeiten des Umbruchs erzählt seine Coming-of-age-Geschichte nicht als moralisierende Heldenerzählung, sondern als analytisches Porträt. Eine Moral hat er trotzdem. In einer zentralen Szene erklärt Aaron seinem Enkel in einem weisen, wunderschönen Monolog, was er zu tun hat, wenn die Schüler der gehassten Privatschule (auf die seine Eltern ihn schicken, um ihn in der Spur zu halten, und deren Besuch der Großvater finanziert), Pauls Freund Johnny (Jaylin Webb) rassistisch beleidigen: „Fuck‘ em. Next time those shmucks say anything bad about those black kids or those hispanics, you’ll be a Mensch to those kids, okay? You’re gonna be a Mensch.“

Am Ende wird es trotzdem Paul sein, der nach einer kurzsichtigen Aktion davonkommt, nicht Johnny. Am Beispiel des Rassismus, der die Freundschaft zweier Kinder hier zuerst beschwert und dann unmöglich macht, dekliniert Gray die Verwobenheit von Privatem, Ökonomie und Politik durch. Und an diesem Punkt sind Moral und der Wille zum Wahren, Schönen und Guten eher machtlos. James Gray lässt den seit einigen Jahren an Fahrt aufnehmenden Niedergang der USA in den Achtzigern beginnen. Der im Originaltitel des Films zitierte The-Clash-Song „Armagideon Time“ ist zweimal zu hören: „A lot of people won’t get no supper tonight“. Reagans Wahl steht kurz bevor, die Privatschule wird von der Trump-Familie finanziert. Und er zeigt die Gewalt des Sozialen am Mikrobeispiel: Johnny scheitert an der Schule und an den Institutionen, chancenlos von Anfang an, und verschwindet von der Bildfläche. Paul wiederum hat am Ende das kleine bisschen mehr Glück, das es braucht, um davonzukommen.

Zeiten des Umbruchs handelt davon, was es heißt, „a Mensch“ zu sein. Oder besser, weil es den Moment der Schönheit und Reinheit außerhalb der Phantasie von kitschnudeligen Autorinnen und Autoren nicht gibt, was es bedeuten würde, „a Mensch“ zu sein. Und was eben nicht (oder nur sehr selten) gelingt, weil die von den Menschen eingerichteten Verhältnisse es nun einmal alles andere als nahelegen. In den Momenten des Verlusts, der Liebe und der Freundschaft in diesem Film (und in seinem Blick auf die Kunst als Sehnsuchtsort) ist die Schönheit der Welt als Möglichkeit enthalten. Sie hebt sich von dem hier gar nicht dramatischen oder gar pompösen, sondern ganz alltäglichen, unvermeidbaren Schmerz und Elend immer wieder ab. James Gray gelingt es in Zeiten des Umbruchs mit einem ausgeprägten Gespür für Ambivalenzen, beides in Szene zu setzen. Nicht alternierend, sondern miteinander verwoben, als integrale Bestandteile desselben Bildes.

Flat auf Sky oder Sky X bzw. auf Disc bei Eurovideo/Hoanzl

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Ethan Hawke spielt einen amerikanischen Elite-Soldaten, der durch Rom streift. Die Menschen tragen Maske, die Stadt ist weitgehend menschenleer. Ferrara hat den Lockdown genutzt, um einen Pandemiefilm zu machen, der sich aus überhitzt wirkenden, körnigen Digitalbildern zusammensetzt. Die einzelnen Episoden sind eher lose verbunden. Russische Agenten tauchen auf, der Bruder des Soldaten, ein Anarchist (gespielt ebenfalls von Ethan Hawke), wird gefoltert, gegen Ende explodiert der Vatikan. Ganz klar wird nicht, was da passiert und warum. An den Plot kann man sich nach dem Sehen kaum erinnern, vielleicht auch, weil es ihn gar nicht gibt, zumindest nicht im Sinne einer ordnenden Struktur. Als Weltentwurf verstanden, ist dieser Film eine arg dystopische, grimmige Zumutung. Auch weil er einem gar nichts mitteilen will. Stattdessen filmt Abel Ferrara sich mit kleinem Budget und einer beweglichen und ausdauernden Handkamera in ein Privatdelirium, für das es auf dem Filmfestival in Locarno den Preis für die beste Regie gab.

Zeros and Ones dokumentiert zuerst einmal einen sehr idiosynkratischen Blick auf die Welt, den man annehmen kann oder nicht, im zweiten Fall ist man beim Sehen dann wahrscheinlich sehr genervt. Man kann sich diesen Blick nicht zu eigen machen. Auch in diesem Sinne ist Zeros and Ones ein beeindruckend eigensinniges, sperriges Alterswerk. Ein in sich kreisendes Greisengemurmel und schon deswegen ein starker, konsequenter Film, aber eben auch furchtbar anstrengend.

(auf Disc bei EuroVideo bzw. gegen moderates Entgelt bei diversen Streamern)

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Als Wolfgang Petersens Die Konsequenz im November 1977 im Deutschen Fernsehen ausgestrahlt wurde, klinkte sich der Bayerische Rundfunk aus der Übertragung aus. Das war der eigentliche Skandal. Nicht die Tatsache, dass in diesem von Bernd Eichinger produzierten Film, der auf dem gleichnamigen, autobiografischen Roman des Schweizer Schauspielers und Schriftstellers Alexander Ziegler (der 1987 Selbstmord beging) beruht, eine Liebesbeziehung zwischen zwei Männern als etwas Normales dargestellt wird. Respektive als etwas, dem zumindest die Chance auf Normalität zugestanden werden müsse und demzufolge eine homophobe Gesellschaft sich zu ändern habe. Freilich wirkte seinerzeit, als von Selbstverständlichkeit im Umgang mit Homosexualität, geschweige denn Gleichberechtigung anders Orientierter noch wenig die Rede sein konnte, diese Position durchaus skandalös. Der resultierenden Aufgeregtheit wiederum stand Petersens entspannter Regie-Gestus entgegen, der dem ungezwungenen Zusammenspiel von Jürgen Prochnow und Ernst Hannawald in den Rollen von Martin und Thomas jenen geschützten Raum bereitete, in dem diese Geschichte als die einer großen Liebe, die der Kleingeistigkeit zum Opfer fällt, tragisch wirksam werden kann (hier der Originaltrailer auf YouTube).

Zugegeben wird mit der Verweigerung eines guten Ausgangs auch jenem hartnäckigen dramaturgischen Klischee Genüge getan, das den Abweichler von der Norm letztlich an dieser zerbrechen lässt. Doch in diesem Fall weder in mahnend-abschreckender Absicht, noch um des melodramatischen Effektes willen, sondern vielmehr in dem appellierenden Auftrag, Konsequenzen zu ziehen, die dergleichen Konsequenz in Zukunft verhindern.

(Inkl. Booklet auf Disc bei EuroVideo bzw. auf Prime Video)

Hinweis der Redaktion: Ein großartiger, thematisch verwandter aktueller Film ist ebenfalls bei EuroVideo erhältlich, findet sich aber auch an erster Stelle in dieser Kuratierung im KINO VOD CLUB.

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Platzspitzbaby von Pierre Monnard beruht auf dem gleichnamigen Erfahrungsbericht von Michelle Halbheer aus dem Jahr 2015 und erzählt von der 11-jährigen Mia, die viel zu früh schon viel zu erwachsen sein musste, und von ihrer jungen Mutter Sandrine, die längst schon jedes Gespür für Verantwortung durch die Spritze gejagt hat. Zu Beginn landen die beiden in einer Sozialwohnung in einer Kleinstadt im Zürcher Oberland, wo ein Neuanfang möglich scheint; Sandrine hat einen Entzug gemacht, Mia geht zur Schule. Dann findet Mia Freund:innen, Außenseiter wie sie, die rauchen, trinken und kiffen. Und Sandrine trifft alte Bekannte. So geht auch schon alles wieder den Bach hinunter, und diesmal droht es Mia mitzureißen.

Schmerzhaft genau bildet Platzspitzbaby das tückische Abhängigkeitsgeflecht zwischen Tochter und Mutter ab: die permanente (Selbst-)Überforderung der Tochter, die eine völlig desolate Mutter umsorgt, die wiederum die allmählich schwächer werdende Tochter manipuliert und ausbeutet, nicht zuletzt als emotionalen Notanker. Größten Respekt verdienen Luna Mwezi und Sarah Spale, die in den Rollen von Mia respektive Sandrine und in schauspielerischer Tour de Force die Dimensionen ihrer Charaktere ausloten, das Gefühlsverhängnis präparieren, das sie im Würgegriff hat, und als Gefängnis vor uns hinstellen. Nichts anderes ist die Sucht.

(Bei EuroVideo auf Disc bzw. gegen moderates Entgelt im Kino VOD Club oder bei diversen Streamern. Christiane F. empfehlen wir ebenfalls.)

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Auf die Idee, Christiane F. – Wir Kinder vom Bahnhof Zoo einen derartigen Vorwurf zu machen, käme heute wohl keine:r mehr; ohnehin könnte der Film in seiner vorliegenden Form auch gar nicht mehr gedreht werden. Denn zum einen sind die Schauplätze der Handlung mittlerweile clean und zum anderen die Befindlichkeiten des Publikums woke. Umso mehr ist es also zu begrüßen, dass Edels schmutzig-ruppiges, aus der Wirklichkeit geschöpftes Werk im Rahmen des „Filmförderprogramm Filmerbe“ digital restauriert wurde und nun mit allen Schikanen versehen neu aufgelegt in diversen Editionen zu haben ist. Solcherart einen Blick zurück ermöglichend, der einem einerseits die Nostalgie austreibt und andererseits den Realitätssinn schärft.

(Flat auf alleskino.de oder gegen moderates Entgelt bei diversen Streamern bzw. restauriert in Ultra HD auf Blu-ray oder als Mediabook mit Audiokommentar von Uli Edel und Interview mit Natja Brunckhorst u.a. bei EuroVideo)

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