Sie ist ein Monster, doch gewinnt man sie rasch lieb. Die kindliche Unschuld, die ihre unbändige Neugierde grundiert, die wiederum einen Regelverstoß nach dem anderen nach sich zieht, stimmt einen milde. Sie kann ja nichts dafür, sie weiß es halt nicht besser. Denn sie ist das faszinierende Ergebnis eines bahnbrechenden Experiments, das ihr Frankenstein-Vater, der hier Godwin Baxter heißt – Kosename, klar: God –, aus mitleidigem Herzen angestellt hat: mit einer weiblichen Wasserleiche und dem Fötus in deren hochschwangerem Bauch. Der Gedanke ist grotesk, das Ergebnis ist es auch, und dient doch als Anknüpfungspunkt einer Reflexion über das Wesen des Menschlichen. Dazu sind die Monster schließlich da.

Mit Poor Things sorgte Yorgos Lanthimos im vergangenen Jahr bei den Filmfestspielen in Venedig für geradezu ehrfürchtiges Staunen; folgerichtig wurde das Werk als bester Film mit dem Goldenen Löwen ausgezeichnet und fährt seither Nominierungen und Preise sonder Zahl ein. Poor Things ist eines jener Einhörner, die einem den Glauben an die Kunstform des Laufbildes zurückgeben können. Ein einzigartig unbotmäßiges Trumm, das sich keinerlei Beschränkungen auferlegt und auf Konventionen nicht bloß pfeift, sondern sie vielmehr als Herausforderung begreift; d.h. sie werden nicht umgangen, sie werden pulverisiert. Ein Film wie seine Heldin also, die, wenn sie sich etwas in den erstaunlichen Schädel gesetzt hat, nicht ruht, bis es durchgesetzt ist. Die alle Warnungen in den Wind schlägt und weder den vollen Einsatz scheut noch den hohen Preis, der fällig wird. Und die dabei erst recht nicht, und dafür muss man sie einfach ins Herz schließen, Mut und Zuversicht verliert.

Doch ist Poor Things weniger Märchen als vielmehr Entwicklungsroman, eine éducation sentimentale, vielmehr: éducation sexuelle, und als solche mit vielerlei Gefahren behaftet. Nicht nur will Bella Baxter, so ihr Name, die Welt kennenlernen, auch die eigene Sexualität ist noch lange nicht hinreichend erforscht, geschweige denn genossen. Gott-Vater und der von ihm erkorene Bräutigam stehen diesen Vorhaben eher hinderlich entgegen, sodass sich Bella, leicht zu beeindrucken, wie sie nun einmal ist, in die Arme des windigen Winkeladvokaten Duncan Wedderburn wirft, weil der sich als ebenso talentierter wie ausdauernder Liebhaber erweist und ihr zudem das Blaue vom Himmel verspricht. Also nimmt die Geschichte ihren Lauf.

Es ließen sich nun in den höchsten Tönen und völlig zu Recht Loblieder singen auf Kameraführung und Kadrage, Kostüm, Ausstattung und Make-up, Musik und Montage und damit einstimmen in jenen mittlerweile unüberschaubar gewordenen Chor der Bewunderer und Verehrerinnen von Poor Things. Bei dem es sich übrigens um eine Adaption des gleichnamigen, 1992 erschienenen Romans des schottischen Schriftstellers und Malers Alasdair Gray (1934-2019) handelt, und den Emma Stone mitproduziert hat, die in der Hauptrolle ein Karriere-Highlight setzt. Wie auch die sie umgebenden Kollegen; als da wären insbesondere Mark Ruffalo, der in Gestalt des Duncan Wedderburn zu ganz großer Form aufläuft, und Willem Dafoe, der als Dr. God ungeahnte Höhen des Befremdlichen erklimmt.

Viel ist im Zusammenhang mit diesem filmischen Wunderwerk auch die Rede von der emanzipatorischen Stoßrichtung, die Bellas Werdegang innewohnt, lässt sie sich ihre Freude am Sex doch von den Männern nicht verbieten. Bei der Gelegenheit mag frau sich allerdings fragen, wieso vergleichbare sexuelle Freizügigkeit natürlichen Frauen (im Film) nicht so ohne weiteres zugestanden wird? Anders gesagt, bestätigt nicht gerade das Monstersein Bellas jene konventionelle/traditionelle Wahrnehmung des weiblichen Begehrens als monströs? Und findet sich diese Vermutung nicht in Wedderburns Niedergang bestätigt, der das klassische Muster nachvollzieht vom Frauenhelden über den eifersüchtig Besitzenwollenden hin zum rachsüchtig auf Vernichtung Sinnenden? Ganz wie in „Alraune. Geschichte eines lebenden Wesens“, jenem 1911 veröffentlichten, mehrfach verfilmten fantastischen Roman von Hanns Heinz Ewers (1871-1943), in dem die promiske Titelfigur, geboren aus der Verbindung einer Prostituierten mit einem Lustmörder, die Männer in Elend und Tod zieht.

Man kann in dieser Richtung weiterdenken und bei der Gelegenheit einmal mehr feststellen, dass eine befreite Frau AUSSCHLIESSLICH AUSSERHALB des Patriarchats vorstellbar ist. Angesichts dieser breit grinsenden Vollgas-Feier all dessen, was nicht in die Schablone passt, den Rahmen sprengt, die Norm verletzt, ist man allerdings besser damit beraten, das allzu tief gründelnde Denken sein zu lassen. Lehnen Sie sich lieber zurück und genießen Sie die Fahrt mit Bella Baxter und Poor Things – mit etwas Glück trägt es Sie sogar aus der Kurve und Sie beginnen zu fliegen.

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Über CODA kann man ja munter diskutieren, und nur weil Apple den nicht selbst in Auftrag gegeben, sondern um die stolze Summe von 25 Millionen Dollar nach dem Debüt in Sundance gekauft hat, muss einem ja nicht gleich Hören und Sehen vergehen. Es ist das in einen Fischerort in Massachusetts versetzte Remake der französischen Tragikomödie La famille Bélier (2014) und insofern ein Fall von „kultureller Aneignung“ (Siân Heder hat den Oscar für das beste adaptierte Drehbuch gewonnen). Der Film ist auch in dramaturgischer Hinsicht nicht neu, mag auch – im Übrigen wie das Original – ein wenig formelhaft sein, vermag aber dennoch zu berühren und für die Lebenswelt gehörloser Menschen einzunehmen bzw. für deren Schwierigkeiten zu sensibilisieren. Ja, CODA ist ein Wohlfühl-Drama und ein wenig pickig ist er auch. „Ein Film wie ein Ikea-Regal“, wie der Spiegel schreibt, ist er definitiv nicht. (Schon allein, weil dafür nicht der Urwald Osteuropas draufgeht.) Österreichische und deutsche Kinos, die den dreifach Oscar-prämierten Film auf die große Leinwand holen wollten, kassierten übrigens Absagen. Das Wiener Gartenbaukino hat nicht einmal eine Freigabe für ein einzelnes Screening im Rahmen seiner Oscar-Nacht gekriegt.

Sympathien erwirbt man anders, aber Apple kann es sich gewissermaßen leisten. Mit der aufwändigen Oscar-Kampagne für CODA hat man zu einem guten Zeitpunkt investiert, denn die Serien-Originals, die derzeit beim hauseigenen Streamer laufen, rechtfertigen allein den Abschluss eines AppleTVplus-Abos. Die vier vom filmfilter gesichteten sind jeweils divers (und teils großartig) besetzt, alle vier beschäftigen sich mit gesellschaftlich relevanten Themen, und alle vier finden eine ihrem Gegenstand angemessene Form. Eine davon lässt in der Titelsequenz ein Einhorn als buchstäbliches Unicorn durch ihr Startup-Büro spazieren: WeCrashed, eine Serie als Füllhorn von Story-Gimmicks, entsprechend ihrem verhaltensoriginellen, von the one and only Jared Leto dargestellten Antiheld-Marketingguru-Größenwahnsinnigen, haben wir ja bereits vorgestellt – ebenso wie die wunderbare koreanische Familiensaga Pachinko und den nach langer Drama-Exposition fulminant als Thriller finalisierenden Sci-Fi-Neunteiler Severance, über den im Folgenden noch ein paar Worte ergänzt werden sollen.

Ein Interieur-technisch an die 1950er oder 60er Jahre erinnernder, räumlich weit ausgedehnter und zeitlich penibel getakteter Büro-Alltag wird in Severance mit einer eher an Huxley als an Orwell angelehnten Corporate Control Dystopie verschachtelt; dabei spielt vor dem Hintergrund der weißen Grundtönung des „Lumon“-Konzerns und ein paar verklausulierten Anspielungen an die Geschichte des Tech-Riesen Apple buchstäblich jede Pulloverfarbe zumindest eine Nebenrolle. Die Prämisse der von Dan Erickson entwickelten und großteils von Ben Stiller in Szene gesetzten Geschichte in Kurzfassung: Das Erinnerungsvermögen des Personals wird chirurgisch zwischen privat und dienstlich getrennt, die Auswirkung genau untersucht. Wer besonders plastische Vergleiche braucht: „Severance – what The Office would be like if created by Aldous Huxley“, behauptet der Bunker Podcast. Ein wesentliches Element ist der Personenkult, den das Unternehmen um seinen Gründer aufführt – ein Schelm, wer an Steve Jobs denkt.

Neben der innovativen Retro-Ästhetik u.a. hervorzuheben ist das durchgehend tolle Ensemble. Die trotzige weibliche Hauptfigur Helly R. kann man sich bereits nach den ersten paar Episoden in keiner anderen Gestalt als jener von Britt Lower mehr vorstellen, dazu verharrt die Kamera gern auf den melancholischen Blicken von John Turturro, dem gedruckst verliebten Lächeln von Christopher Walken, der in Sekundenschnelle von Charme zu Groll und zurück changierenden Mimik von CEO Patricia Arquette oder der zähnefletschenden Herzlichkeit von Tramell Tillman, der den aalglatten Aufpasser spielt und z.B. auch den Organisator der für den fleißigsten Mitarbeiter (köstlich spöttisch: Zach Cherry) ausgerichteten, dem verstorbenen Firmengründer huldigenden „Waffelparty“. Und dabei haben wir erst die Hälfte des Haupt-Casts aufgezählt und die ambivalente Quasi-Somnambulie des von Adam Scott gespielten Helden noch nicht erwähnt und nichts von der prall gefüllten narrativen Wundertüte erzählt, aus der sich diese Serie speist. Wer an Kafka denkt, liegt nicht weit daneben. Wer das Intro ab dem zweiten Mal überspringt, hat offenbar keinen Hang zu verstörenden Traumbildern. Und wer Home Office hasst, findet in Severance eine effektive Therapie. Work-Life-Balance sieht wahrlich anders aus.

Mit Slow Horses kündigt sich nun ein weiterer Seriencoup von Apple TV+ an, zumindest macht es nach zwei Episoden diesen Eindruck. Ein in London geborener Student pakistanischer Abstammung wird entführt und soll offenbar vor laufender Kamera enthauptet werden. River Cartwright (Jack Lowden), ein Agent auf dem Abstellgleis (im rasanten Opener sehen wir warum), erkennt die Chance sich zu rehabilitieren, Geheimdienstchefin Diana Taverner (hat Kristin Scott-Thomas nicht genau so eine Rolle schon einmal gespielt?) setzt Kollegin Sid (Olivia Cooke kongenial) auf ihn an und River, einem renitenten Informanten auf den Fersen, setzt ein Haus in Brand und bringt Sid in Lebensgefahr, statt eine Spur zu finden.

Slow Horses, basierend auf den gleichnamigen Romanen von Mick Herron, ist eine genuine Mischung aus temporeichem Spionage-Thriller und Sprechdurchfall-Komödie. Gary Oldman gibt Jackson Lamb, den grandios käsigen und cholerischen Chef der „Slough House“ genannten Aufbewahrungsabteilung des britischen MI5 für lahme Agenten, lahm wie eben River, den Lamb unter Hohnsprüchen Mistkübel durchwühlen lässt. Lamb ist jene Art Vorgesetzter, der seine löchrig besockten Füße vorzugsweise auf dem Schreibtisch platziert, aus dem Büro-Nickerchen mittels eigener Darmwinde aufwacht und seine in Ungnade gefallenen Agenten mit immer neuen Schimpfnamen belegt – sich dann aber im entscheidenden Moment um sie kümmert. Als hätte Oldman seine Rolle in der fabelhaft paranoiden John-le-Carré-Verfilmung Tinker Tailor Soldier Spy (2011) humoresk ausgebaut – Emmy-verdächtig. Wir bleiben dran am Apple-plus-Programm und Sie könnten sich in der Zwischenzeit ja ein Abo zulegen.

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In WeCrashed spielen Jared Leto und Anne Hathaway Adam und Rebekah Neumann, die WeWork, ein Start-Up mit einem einstigen Wert von 47 Milliarden US-Dollar, aufgebaut und versenkt haben. In der Serie werden wir Zeugen der 80-Stunden-Arbeitswochenhektik, „Gott sei Dank, es ist Montag“-Partys und Entlassungen vieler gutgläubiger Angestellter. Adam und Rebekah bauen Luftschlösser, aber ihr Bio-Spezialgeschäft für grüne Säfte voller Lügen und Manipulationen bricht schließlich zusammen. Jared Leto nutzt sein berüchtigtes Selbstwertgefühl, um die unerbittlich manische Rolle zu spielen, für die er geboren wurde: ein Rockstar-Jesus, der Katy Perrys „Roar“ als seine eigene persönliche Musik übernimmt, die herausplatzt, sobald er eine Limousine oder einen Korridor betritt. In den Schatten gestellt wird er eigentlich nur von Anne Hathaway, die jene Art von Person spielt, für die das Ziel von WeWork, nämlich „das Bewusstsein der Welt zu erweitern“, tatsächlich etwas anderes als Kauderwelsch ist.

In Hulus The Dropout (ab 20. April bei Disney+) gibt Amanda Seyfried ein gruseliges Rollkragenporträt von Elizabeth Holmes, der Gründerin des Biotech-Unternehmens Theranos. Ihr Start-Up versprach, eine Technologie entwickelt zu haben, die Krankheiten mit einem einzigen Blutstropfen diagnostizieren kann. Theranos zog Vorstandsmitglieder wie den ehemaligen US-Außenminister Henry Kissinger an, Forbes erklärte Holmes zur jüngsten Selfmade-Milliardärin der Welt, aber ihre Erfindung funktionierte nicht. Kürzlich wurde Holmes wegen Betrugs verurteilt. Die Geschichte ist erstaunlich, nicht zuletzt wegen Holmes Selbstinszenierung durch einen affektierten, rauen Bariton, den wir Seyfried im Spiegel üben sehen. Es überrascht nicht, dass bei Apple ein Film in Arbeit ist, der auf John Carreyrous Buch „Bad Blood“ basiert, mit Jennifer Lawrence als Holmes und Adam McKay im Regiesessel.

Und das ist noch nicht alles. Im Februar ist Super Pumped: The Battle for Uber mit Joseph Gordon-Levitt als Travis Kalanick, dem Mitbegründer der Uber-App, auf dem US-Sender Showtime erschienen (ein Starttermin hierzulande ist noch nicht abzusehen).

In der kommenden HBO-Serie Doomsday Machine wiederum spielt Claire Foy die Co-Geschäftsführerin von Meta, Sheryl Sandberg – mehr als ein Jahrzehnt, nachdem David Fincher und Aaron Sorkin sich mit den Ursprüngen von Facebook in ihrem fabelhaften The Social Network auseinandergesetzt haben.

Es sind Geschichten über Ego, Erfindertum und Kapitalismus – selbstverherrlichende Vergleiche mit Steve Jobs inklusive. Und während die messianischen Komplexe, die monströse Selbstbewunderung und die Kollateralschäden, die ihre Arroganz zum Teil angerichtet haben, nicht ausgespart werden, sind es sympathische Porträts dieser Illusionisten, die auch ambivalenten Raum für fehl platzierte Bewunderung lassen, was überladenes Selbstvertrauen alles schaffen kann.

Die Grenze zwischen vermeintlichen Helden wie Adam Neumann und Gaunerinnen wie Anna Delvey – jene Hochstaplerin, die sich ihren Weg in Manhattans High Society gelogen und Investoren hinters Licht geführt hat – ist schmal, und ganze Machtsysteme sind an ihrem Aufstieg beteiligt. Wie drückt es eine Figur in der Netflix-Serie Inventing Anna aus: „Hier geht es um den Schwindel des amerikanischen Traums im 21. Jahrhundert. Den Diebstahl einer Präsidentschaft. Es geht darum, warum die Kultur des Betrugs bleiben wird.“

Von dahin ist es nicht weit bis zum Tinder Swindler.

Wenn man die Serien hintereinander ansieht, erschaffen sie einen gemeinsamen Kosmos, in dem sich Unternehmer- und Gaunertum in einem Porträt des amerikanischen Untergangs treffen. Einhörner passen besser in Märchen als in die Wirklichkeit.

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