Beim neuen Film von Alejandro González Iñárritu schwankt man vielleicht, ob man gerade den schlechtesten oder den besten Film des Jahres gesehen hat. Bardo (Netflix) ist ein spanischsprachiger, surrealistischer und insgesamt großspuriger Streifzug durch den schweren Kopf des mexikanischen Filmemachers – nicht einfach, aber ein kleines Wunderwerk, wenn man sich darauf einlässt.

Ein Zug wird hier zu einem schwappenden Aquarium. Ein neugeborenes Baby wird zurück in den Geburtskanal gedrückt. Ein Interview in einer Talkshow verschwimmt zu einer höllischen Party, die in eine imposante historische Nachstellung übergeht, in der unser Held auf den mexikanischen Eroberer Hernán Cortés trifft, der auf einem Berg toter indigener Mexikaner steht. Untertitel: Die erfundene Chronik einer Handvoll Wahrheiten.

Iñárritu hat ganz offensichtlich viele Gedanken und Gefühle, und er hat versucht, sie alle in einen dreistündigen Film zu packen (inzwischen um etwa zwanzig Minuten gekürzt). Sein Alter Ego, das durch die surrealistischen Tableaus von Bardo spaziert (gedreht von Kameramann Darius Khondji) und über sein Leben grübelt, heißt Silverio Gama und wird gespielt von dem wunderbaren spanisch-mexikanischen Schauspieler Daniel Giménez Cacho. Der Einfluss der magischen Realisten und von Filmemachern wie Federico Fellini und Luis Buñuel ist in Bardo spürbar. Und natürlich zitiert Iñárritu auch sich selbst, von Amores Perros (2000) über Birdman (2014) bis hin zu The Revenant (2015).

Der Regisseur, jetzt 59 Jahre alt, hat erklärt, die Idee für den Film sei ihm gekommen, als er anfing, mit seinem Alter abzurechnen. Dieser Punkt im Leben, an dem einem klar wird, dass mehr kreative Jahre hinter als vor einem liegen. Bardo ergibt nicht immer Sinn, aber das gilt ja auch für das Leben. Vielleicht will Iñárritu dem Publikum sagen, dass er glücklich sterben könnte mit den Spuren, die er hinterlassen hat. Und damit hätte er wohl recht.

Während Daniel Giménez Cacho in einer beeindruckenden Wüstenlandschaft umherirrt, treffen wir Sam Rockwell im All im vielleicht besten Science-Fiction-Kammerspiel der Nullerjahre wieder. In Moon (MUBI) beginnt ein Astronaut geistig zu verfallen, als sein dreijähriger Solo-Aufenthalt auf einem Mondbergbau sich dem Ende nähert. Das Drama aus dem Jahr 2009 ist ein beseelter Rückblick auf eine technoskeptische, frühere Art von Science-Fiction, nicht nur hinsichtlich seiner Ästhetik, sondern auch wie es sich anfühlt und denkt. Wer mit Filmen wie Alien, Solaris oder Blade Runner vertraut ist, schätzt das Regiedebüt von Duncan „Zowie“ Jones, der sich, wie schon sein Vater David Bowie („Space Oddity”!), von Kubricks Weltraumoper 2001: A Space Odyssey inspirieren hat lassen. Jones verdrehte mit nur 5 Millionen Dollar Budget all die Genre-Konventionen und ließ Moon von Clint Mansell (Black Swan) mit treibender Musik untermalen.

Zur Gesamtwirkung trägt auch der beeindruckende Realismus des Films bei. Die Mondbasis, die Harvester und die Rover waren echte Modelle (keine CGI), gebaut von Bill Pearson (Alien), einem der Besten für Miniatureffekte in der Branche. Und dann ist da natürlich noch Sam Rockwell, der eine enorme Komplexität in die Rolle bringt. Er ist im Grunde die einzige menschliche Figur des Films (ein freundlicher Board-Computer äußert sich mit der Stimme von Kevin Spacey) und Rockwell trägt Moon mit Demut bis zum Schluss.

Zurück auf der Erde wird die nicht enden wollende Parade von TV-Dramen, die von wahren Verbrechen handeln, mit Under the Banner of Heaven (Disney+) fortgesetzt. Die Miniserie zeigt, wie eine Mischung aus großartigen Schauspielern, sorgfältigem Geschichtenerzählen und potenter Regie zu einem beeindruckenden Erlebnis führen kann, auch wenn Grund zur Annahme besteht, in diesem Jahr schon zu viel davon gesehen zu haben. (Zur Vertiefung des Phänomens empfiehlt sich dieser Aufsatz.)

Wie Jon Krakauers gleichnamige True-Crime-Bestseller-Vorlage (dt. Mord im Auftrag Gottes) verbindet der Siebenteiler zwei Geschichten aus zwei Jahrhunderten. Eine zeichnet die Tragödie von Brenda Lafferty (die wunderbare Daisy Edgar-Jones) nach, die in eine prominente Mormonenfamilie aus Utah eingeheiratet hatte und 1984 zusammen mit ihrer 15 Monate alten Tochter von religiösen Fanatikern ermordet wurde. Die andere Geschichte reicht bis zum Kirchengründer Joseph Smith in die 1820er Jahre zurück.

Für Under the Banner of Heaven hat Schöpfer Dustin Lance Black (Drehbuch-Oscar für Milk), selbst einst Mormone, eine dritte Geschichte erfunden, jene von Detective Jeb Pyre (Andrew Garfield in einer seiner besten Rollen), einem liebevollen, mormonischen Familienvater, der den Fall in den 1980er Jahren untersucht und darüber in eine Glaubenskrise schlittert. Ein ungläubiger Beamter (stiehlt allen die Show: Gil Birmingham) vom indigenen Stamm der Paiute wird ihm zugeteilt, eine Art griechischer Chor, während Regisseur David Mackenzie (Hell or High Water) eine unglaubliche Spannung in Szenen bringt, die an die besten Passagen von True Detective erinnern.

Der Distinktionsgewinn gegenüber anderen Mordserien unserer Tage ist die Beschäftigung mit grundsätzlichen Glaubensfragen. Das Whodunit ist in Mord im Auftrag Gottes zweitrangig gegenüber der Art und Weise, wie hier die Vergangenheit und die Krimihandlung um die beiden Ermittler genutzt werden, um relevante Fragen über den Aufstieg eines „von Gott gewollten“ Fundamentalismus in einer modernen Welt zu stellen. Einer Welt, in der Frauen ihren Vätern, Priestern und Ehemännern unterworfen sind und für die Sünde des Ungehorsams „blutsühnen“ müssen, weil sie Dinge wie Polygamie, Steuerhinterziehung und ihren Platz in der Welt in Frage stellen.

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Schön, aber auch schön seicht geht es los, mit der Romantic Comedy Ticket to Paradise, mit dem nach Ocean’s Eleven und diversen anderen Filmen sehr routinierten Star-Duo George Clooney und Julia Roberts. Die beiden spielen hier ein geschiedenes Ehepaar, das sich zusammenraufen muss, um die Hochzeit der eigenen Tochter (Kaitlyn Dever) auf Bali zu verhindern. Letztere nämlich soll nicht die Fehler wiederholen, die die Eltern gemacht haben. Regisseur Ol Parker scheint mit Ticket ins Paradies an die Screwball-Tradition anschließen zu wollen. Vielleicht rührt der Eindruck aber auch daher, dass Clooney, wenn er in Komödien spielt, oft wirkt wie ein Wiedergänger von Cary Grant.

Auch in Lieber Kurt, dem neuen Film des deutschen Filmemacher-Unikats Til Schweiger, geht es um ein getrenntes (Ex-)Ehepaar. Allerdings ist das Familiäre hier Bühne für ein Drama um Trauer und Verlust. Jana (Jasmin Gerat) und Kurt (Til Schweiger) teilen sich das Sorgerecht für ihr gemeinsames Kind (Levi Wolter), das auch Kurt heißt. Das Patchwork wird komplett durch Kurts neue Freundin Lena (Franziska Machens). Dann passiert das Schlimmste: Kurt, das Kind, stürzt und stirbt, und Schweiger versucht, adäquate Bilder und Töne für elterliche Trauer und Verzweiflung zu finden. Die inszenatorische Methode der Wahl ist der Holzhammer, wie auch schon in Schweigers Komödien, nur eben jetzt in Melodramatisch. Auf der Haben-Seite ist Peter Simonischek (Toni Erdmann) in Lieber Kurt zu sehen; aber eben auch Heiner Lauterbach.

Das dritte Ehepaar in der Kinovorschau dieser Woche: Will (Gerard Butler) sieht rot und jagt die Entführer seiner Frau (Jaimie Alexander). Und weil eben die mitten in einer eskalierenden Ehekrise verschwunden ist, fällt der Verdacht auf den zu allem Unglück auch noch gehörnten Ehemann. Der dann allerdings, Chase ist ein Action-Thriller, auf seinem Weg freigiebig austeilt.

Vergleichsweise erholsam, zumindest wenn man französische Feel-Good-Komödien im Gefolge von Ziemlich beste Freunde erträgt, ist Die Küchenbrigade, in dem eine Meisterköchin nach Jobverlust eine Stelle als Kantinenköchin in einem Heim für unbegleitete minderjährige Geflüchtete annehmen muss. Die Küchenbrigade ist ein Film, der zum allseitigen Wohlgefallen unablässig davon erzählt, wie bereichernd es ist, wenn man Klassen- und sonstige Schranken zwischenmenschlich hinter sich lässt. Grenzen, die die Figuren in den französischen Komödien der letzten Jahre dann aber auch nie wirklich infrage stellen, sondern letzten Endes eben als bereichernd empfinden – denn es sind ja gerade die Unterschiede, die die Welt so interessant machen. So bleibt auch in Die Küchenbrigade alles so, wie es ist, und das Bild der Gesellschaft, das hier gezeichnet wird, ist ein im Prinzip sehr durchlässiges.

Dann doch lieber Jeepers Creepers Reborn, der vierte Teil der atmosphärisch mitunter recht schönen Jeepers Creepers-Reihe. Reborn ist der erste Jeepers Creepers-Film, bei dem nicht der verurteilte Sexualstraftäter Victor Salva Regie führte. Sondern Timo Vuorensola, Regisseur der launigen Iron Sky-Filme. Der schwarze Mann, der Creeper, wird im vierten Teil auf ein Horrorfestival in Louisiana losgelassen. Der creepige Trailer führt die verschiedenen Modi erschöpfend vor: um sein Leben laufen, mit schreckgeweiteten Augen in die Kamera schauen, wimmern, alles in einem effektiv gestalteten Geisterbahn-Setting.

Filmästhetisch eine ganz andere Liga ist Moonage Daydream, der massig viel Material zu David Bowie neu montiert, darunter viel Unveröffentlichtes aus den privaten Bowie-Archiven. Wie schon mit Cobain: Montage of Heck gelingt Regisseur Brett Morgen ein sehr immersives und in diesem Fall geradezu hypnotisches Musikerporträt. Sicherlich einer der besten Musikfilme des Jahres.

Schließlich startet auch ein hochinteressantes Sci-Fi-Kammerspiel aus Österreich. Mit dem hollywoodesken Set-Design betraut wurde Roland-Emmerich-Zuarbeiter Johannes Mücke, Skript und Inszenierung hat die junge österreichische Regisseurin Leni Lauritsch gefördert bekommen. Im Kern geht es um drei Menschen auf der Titel gebenden Raumstation Rubikon, nachdem unser Planet wegen einer plötzlichen Naturkatastrophe dem Untergang geweiht ist. Quasi angeführt wird das Trio von einer rechtzeitig weggeschickten Konzernsoldatin (Julia Franz Richter), die eigentlich zur Algenzucht gedachte Station wird zum letzten Außenposten für ein paar privilegierte Überlebende auf der Erde und es kommt, was in Endzeitbetrachtungen kommen muss: Einer für alle – bzw. hier: zwei für alle Überlebenden –, oder eben: jede:r für sich selbst. Die Story vermag streckenweise zu fesseln und das Schauspiel ist solide (die Produktion wurde bereits international erfolgreich vermarket), doch das ernüchternd auslaufende Ende kann mit dem scheinbar hohen Production Value schwer mithalten – die US-Rezeption ist übrigens untermittelprächtig. (rs)

Normalerweise würden wir an dieser Stelle auf ein Podcastgespräch verweisen, das wir mit dem bekennenden Sci-Fi-Nerd und Star-Trek-Fan Lauritsch geführt haben, allein: Weil ihr keine Aufwandsentschädigung zugestanden wurde, hat sie die Einladung ausgeschlagen. (Anmerkung: Kein einziger Gast in Golli Marboes mittlerweile 600 Gespräche starker Podcastreihe „365 – Über Medien Reden“ und auch kein Gast des Kombipodcasts mit dem filmfilter hat bislang Geld für seine Teilnahme verlangt.) Ground Control to Leni Lauritsch: bitte zur Vernunft kommen und melden! (rs)

Außerdem: Alle reden übers Wetter, und das zurecht.

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Schön, aber auch schön seicht geht es los, mit der Romantic Comedy Ticket to Paradise, mit dem nach Ocean’s Eleven und diversen anderen Filmen sehr routinierten Star-Duo George Clooney und Julia Roberts. Die beiden spielen hier ein geschiedenes Ehepaar, das sich zusammenraufen muss, um die Hochzeit der eigenen Tochter (Kaitlyn Dever) auf Bali zu verhindern. Letztere nämlich soll nicht die Fehler wiederholen, die die Eltern gemacht haben. Regisseur Ol Parker scheint mit Ticket ins Paradies an die Screwball-Tradition anschließen zu wollen. Vielleicht rührt der Eindruck aber auch daher, dass Clooney, wenn er in Komödien spielt, oft wirkt wie ein Wiedergänger von Cary Grant.

Auch in Lieber Kurt, dem neuen Film des deutschen Filmemacher-Unikats Til Schweiger, geht es um ein getrenntes (Ex-)Ehepaar. Allerdings ist das Familiäre hier Bühne für ein Drama um Trauer und Verlust. Jana (Jasmin Gerat) und Kurt (Til Schweiger) teilen sich das Sorgerecht für ihr gemeinsames Kind (Levi Wolter), das auch Kurt heißt. Das Patchwork wird komplett durch Kurts neue Freundin Lena (Franziska Machens). Dann passiert das Schlimmste: Kurt, das Kind, stürzt und stirbt, und Schweiger versucht, adäquate Bilder und Töne für elterliche Trauer und Verzweiflung zu finden. Die inszenatorische Methode der Wahl ist der Holzhammer, wie auch schon in Schweigers Komödien, nur eben jetzt in Melodramatisch. Auf der Haben-Seite ist Peter Simonischek (Toni Erdmann) in Lieber Kurt zu sehen; aber eben auch Heiner Lauterbach.

Das dritte Ehepaar in der Kinovorschau dieser Woche: Will (Gerard Butler) sieht rot und jagt die Entführer seiner Frau (Jaimie Alexander). Und weil eben die mitten in einer eskalierenden Ehekrise verschwunden ist, fällt der Verdacht auf den zu allem Unglück auch noch gehörnten Ehemann. Der dann allerdings, Chase ist ein Action-Thriller, auf seinem Weg freigiebig austeilt.

Vergleichsweise erholsam, zumindest wenn man französische Feel-Good-Komödien im Gefolge von Ziemlich beste Freunde erträgt, ist Die Küchenbrigade, in dem eine Meisterköchin nach Jobverlust eine Stelle als Kantinenköchin in einem Heim für unbegleitete minderjährige Geflüchtete annehmen muss. Die Küchenbrigade ist ein Film, der zum allseitigen Wohlgefallen unablässig davon erzählt, wie bereichernd es ist, wenn man Klassen- und sonstige Schranken zwischenmenschlich hinter sich lässt. Grenzen, die die Figuren in den französischen Komödien der letzten Jahre dann aber auch nie wirklich infrage stellen, sondern letzten Endes eben als bereichernd empfinden – denn es sind ja gerade die Unterschiede, die die Welt so interessant machen. So bleibt auch in Die Küchenbrigade alles so, wie es ist, und das Bild der Gesellschaft, das hier gezeichnet wird, ist ein im Prinzip sehr durchlässiges.

Dann doch lieber Jeepers Creepers Reborn, der vierte Teil der atmosphärisch mitunter recht schönen Jeepers Creepers-Reihe. Reborn ist der erste Jeepers Creepers-Film, bei dem nicht der verurteilte Sexualstraftäter Victor Salva Regie führte. Sondern Timo Vuorensola, Regisseur der launigen Iron Sky-Filme. Der schwarze Mann, der Creeper, wird im vierten Teil auf ein Horrorfestival in Louisiana losgelassen. Der creepige Trailer führt die verschiedenen Modi erschöpfend vor: um sein Leben laufen, mit schreckgeweiteten Augen in die Kamera schauen, wimmern, alles in einem effektiv gestalteten Geisterbahn-Setting.

Filmästhetisch eine ganz andere Liga ist Moonage Daydream, der massig viel Material zu David Bowie neu montiert, darunter viel Unveröffentlichtes aus den privaten Bowie-Archiven. Wie schon mit Cobain: Montage of Heck gelingt Regisseur Brett Morgen ein sehr immersives und in diesem Fall geradezu hypnotisches Musikerporträt. Sicherlich einer der besten Musikfilme des Jahres.

Popkultur gibt es auch in Deutschland, ein besonders tristes Beispiel ist das Buddy-Movie Piratensender Powerplay von 1982, mit Thomas Gottschalk und Mike Krüger, das jetzt aus irgendwelchen Jubiläumsvorwänden wieder für kurze Zeit in die Kinos kommt. Regie führte Siggi Götz, der auch für Filme wie Geh, zieh dein Dirndl aus, Alpenglüh’n im Dirndlrock und Bohr weiter, Kumpel verantwortlich gemacht werden kann. Das Lexikon des internationalen Films erkannte in Piratensender Powerplay eine „unsäglich platte Klamotte mit allen Klischees der deutschen Filmkomödie“. Also filmhistorisch heute durchaus interessant.

Außerdem: Der perlentaucher schreibt über Sabine Derflingers Alice-Schwarzer-Porträt und den oben angeführten Chase. Und alle reden übers Wetter.

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