Ich habe Blonde bei einer Pressevorführung im Kino gesehen, aber ich kann mich nicht daran erinnern, wann ich das letzte Mal bei einem Film so oft auf Pause drücken wollte. Zweifelsohne werden viele in Versuchung geraten, genau das zu tun. Den Film kann man seit Mittwoch auf Netflix sehen. Aber es lohnt sich, den Finger von der Taste zu lassen. Wer die Geduld und den Mut hat, sich auf das absichtlich schwierige Gespräch einzulassen, das der australische Filmemacher mit seinem Publikum zu führen versucht, wird möglicherweise belohnt.

Der Film fühlt sich so finster an wie er beginnt: mit einem roten Flammeninferno, das die Hügel von L.A. verschlingt. Asche rieselt wie Schnee vom Nachthimmel. Die Mutter von Norma Jeane fährt in ihrem Auto wütend auf die Höllenlandschaft in den Hollywood Hills zu. Der berühmte Vater ihrer Tochter lebt dort oben in einer feuerfesten Villa, behauptet sie. Wer ist ihr Vater? Das ist die Frage, die Norma Jeane und den Film verfolgt. In der nächsten Szene versucht die wahnsinnige Mutter, gespielt von Julianne Nicholson, ihre siebenjährige Tochter in einer brennend heißen Badewanne zu ertränken. Das ist wirklich nur ein Vorgeschmack auf die Dinge, die noch kommen werden.

Die Mutter landet in der Psychiatrie. Das Mädchen wird ins Waisenhaus gesteckt. Wir springen dann in die Zukunft und hören das Lied „Every Baby Needs a Da-Da-Daddy“ aus dem 1948er Musical Ladies of the Chorus. Norma Jeane ist jetzt das Starlet Marilyn Monroe, gespielt von Ana de Armas. Das Trauma des ungeliebten Mädchens ist zu Fleisch geworden, in Form einer Blondine, die von allen vergöttert wird. Hollywood ist immer noch eine Hölle, nur dass die jetzt anders aussieht. Bei einem Vorsprechen für einen Film wird sie von einem Produzenten vergewaltigt. Er gibt ihr dann eine Rolle.

Es gibt viele polemische Momente, die Diskussionen anregen werden und das auch schon getan haben. Da sind die Vergewaltigungen, eine „Gebärmutter-Kamera“ oder ein sprechender Embryo, der darum bettelt, nicht abgetrieben zu werden. Und dann ist da natürlich die Tatsache, dass dieser Film, der von der Ausbeutung einer Frau handelt, sich selbst an dieser Ausbeutung auf gewisse Weise mitschuldig macht. Es ist zum Hadern.

Es gibt Szenen, die einige der kultigsten Momente nachstellen, etwa wenn Marilyn auf einem U-Bahn-Schacht steht und der Wind ihr weißes Plisseekleid hochbläst. Sie lacht in ein Blitzlichtgewitter. Im wirklichen Leben wurde die Szene als Werbegag vor Publikum gedreht. Auch in Blonde ist es so, aber der Regisseur verwandelt die sabbernde Menge in einen garstigen Horror-Mob.

Es gibt auch einen sehr schönen surrealistischen Moment: einen komplett erfundenen, erotischen Dreier, der als elegant verzerrtes Kaleidoskop von Körpern gefilmt wurde. Schwer zu beschreiben, wie auch folgende Szene: Während sie zum Orgasmus kommt, klammert sich Norma Jeane an ein Bett, das zu einem Wasserfall wird, der von dem Titel ihres Films Niagara (1953) überlagert wird und dem Satz: „Ein reißender Strom von Emotionen!“ Man kann seinen neuen Film höchst ambivalent finden, aber Andrew Dominik, bekannt für das Westerndrama The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford (2007) oder den brutalen Thriller Killing Them Softly (2012), ist ein begnadeter Filmemacher und Provokateur.

Die Männer in Norma Jeanes Leben behandeln sie wie ein kleines Kind, nicht zuletzt, weil sie auch ein traumatisiertes Kind geblieben zu sein scheint und alle „Daddy“ nennt. Ihr erster Ehemann (Bobby Cannavale) schlägt sie und verlässt sie dann, weil er es nicht ertragen kann, mit einem Sexsymbol verheiratet zu sein. Arthur Miller (ein großartiger Adrien Brody) nimmt ihre Worte und fügt sie in seine Theaterstücke ein, ohne es ihr zu sagen. JFK (Caspar Phillipson) behandelt sie wie ein Stück Fleisch. Hollywood verschluckt sie und spuckt sie wieder aus. Das New York Magazine schrieb: „Blonde will Ihnen weh tun.“ Und das konsequent: Fast drei Stunden lang entfaltet sich der Film zu einer Oper des Leidens. Dass Blonde Marilyn Monroe zum infantilen Schlachtopfer ihrer eigenen Geschichte macht, ist sein größter Fehler. Er würdigt auch nicht ihre eigene Rolle, die Monroe bei der Schöpfung der Kunstfigur gespielt hat. Und er tut ihr damit keinen Gefallen. (Wie schwer sich die Kritik insgesamt mit dem Film tut, lässt sich z.B. auch in der SZ nachlesen.)

Dass Blonde trotzdem ein kraftvolles Filmerlebnis ist, ist Ana de Armas zu verdanken. Die kubanisch-spanische Schauspielerin hat ein perfektes Gesicht, strahlende Augen und ein schüchternes Lächeln, das fleht: Bitte, liebt mich! Im Grunde spielt sie zwei Figuren: Norma Jeane, die „echte“ Frau, und Marilyn Monroe, ihre größte Rolle, die so unecht war wie die Farbe ihrer Haare, die dem Film und dem Buch auf dem er basiert, seinen Titel geben. Blonde fußt auf dem umstrittenen, im Jahr 2000 erschienenen Roman von Joyce Carol Oates, die sich mit dem Leben der Schauspielerin sehr viele Freiheiten genommen hat.

Im Grunde genommen geht es um eine Frau, jede beliebige Frau, die den sehr menschlichen Wunsch hat, geliebt zu werden – und daran schlussendlich zerbricht. Sie hat es selbst gesungen in Billy Wilders 1959er Klassiker Some Like It Hot: „I wanna be loved by you“.

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Die Geschichte des Ghostbusters-Franchise ist eine schwierige. Der erste Teil ein wunderpraller Anarcho-Blockbuster, das Sequel dann ein blutleerer Aufguss. Über Paul Feigs 2016 unternommenen Reanimationsversuch wollen wir lieber schweigen. Das Erbe, dass Ghostbusters Legacy antritt, ist also ein tonnenschweres. Und ein buchstäbliches außerdem: Regie führt Jason Reitman, Sohn von Ghostbusters-Regisseur Ivan Reitman. Wir verweisen auf die filmfilter-Kritik zum Film, hier nur so viel: Die Art und Weise, wie Reitman der Jüngere mit diesem Erbe umgeht, funktioniert, der Film ist toll, alle atmen auf.

Ungleich stiller geht es in First Cow zu, dem zweiten Western von Kelly Reichardt. Reichardts Filme zeichnen sich nicht zuletzt durch die Abwesenheit jeder selbstzweckhaften Ästhetik aus; zurückhaltender kann man bei gleichbleibender intellektueller und konzeptueller Stringenz eigentlich nicht erzählen. Das gilt auch für First Cow, in dem zwei Männer im Oregon der 1820er Jahre nachts heimlich die einzige Kuh am Ort melken, die natürlich nicht ihnen gehört, sondern dem örtlichen Grundbesitzer. Alles, was bei den beiden mehr als nur eine Arbeitsgemeinschaft oder auch mehr als Freundschaft sein oder werden könnte, deutet Reichardt nur an. Die fast meditative Atmosphäre des Films verweist still auf all das ungelebte, weil unlebbare Leben der Menschen, die in den Mythen nicht vorkommen und vergessen wurden.

Und noch ein Western von einer Regisseurin, die einen für das Durchschnittsgenrekino ungewohnten Blick auf Geschlechterverhältnisse kultiviert hat: Jane Campions The Power of the Dog erzählt die Geschichte zweier Brüder, von denen der eine versucht, dem anderen das Leben zur Hölle zu machen. Die Geschichte basiert auf dem gleichnamigen Roman von John Savage, der bereits 1967 unternahm, was heute im Western (also in den vergleichsweise wenigen Filmen des Genres, die zurzeit überhaupt noch gedreht werden) Standard ist: Immer geht es um die Dekonstruktion (oder Destruktion) seiner Mythen; dass zum Beispiel Indianer das Fort angreifen und ein John Wayne dann rettet, was zu retten ist, lässt sich heute nicht mehr plausibel erzählen. Reichardt nimmt das Genre in aller Ruhe auseinander, indem sie das Western-Setting mit stillem Realismus durchtränkt. The Power of the Dog verfährt da direkter und zeigt eine Welt, in der toxische Männlichkeit die Beziehungen der Menschen im Wesentlichen strukturiert (nunmehr auch auf Netflix).

Ein weiterer Film über zwei Männer startet ebenfalls dieses Woche. Franz Rogowski (Transit, In den Gängen) spielt einen Mann, der immer wieder ins Gefängnis eingeliefert wird – einer von etwa 50.000 Männern, die zwischen 1950 und 1969 in der BRD nach Paragraph 175 verurteilt wurden. Bei einem seiner Knastaufenthalte trifft er den wegen Mordes zu lebenslanger Haft verurteilten Viktor, über die Jahre entsteht eine Freundschaft. Große Freiheit entfaltet auf der Leinwand eine Intensität, die man im deutschsprachigen Kino selten findet. Ihre Voraussetzung ist – neben den großartigen Schauspielern –, dass Regisseur Sebastian Meise sein Thema bearbeitet, ohne in moralisch anklagenden Duktus oder pädagogisch wertvolles Thesenkino zu verfallen. Das funktioniert, weil hier die Figuren (und vor allem die Körper der Figuren) im Zentrum stehen, in die sich die Geschichte einschreibt. Und das in Große Freiheit ganz buchstäblich.

Man kann Oliver Stone ja so einiges vorwerfen, aber mangelnde Beharrlichkeit nicht. 1991 brachte er seinen grandios gefilmten, packenden und unglaublich unterhaltsamen Verschwörungsmumpitz JFK in die Kinos. Um in drei Stunden zu beweisen, dass nicht ein Einzeltäter, sondern ein reaktionäres Komplott John F. Kennedy 1963 ermordete. Das ist etwa zwei Dutzend Mal widerlegt worden, aber Stone kann nicht ablassen. Jetzt bringt er seinen Dokumentarfilm JFK Revisited – Die Wahrheit über den Mord an John F. Kennedy in die Kinos, um noch einmal zu beweisen, dass er recht hat, damals, heute und für immer. Dazu verfährt Stone wie bereits in JFK so subtil und komplex wie ein Vorschlaghammer, der auf dem Kopf der Zuschauerin niedergeht. Sehenswert ist das Ganze dennoch, gerade im Doppelpack mit dem Film von 1991. Denn in der Zusammenschau zeigt sich, wie sich der Status von Verschwörungserzählungen verschoben hat. War die Annahme von Verschwörungen als maßgeblichen Faktoren des Weltgeschehens strukturell immer schon, wenn man so will, reaktionär, gab es doch so etwas wie linke Verschwörungstheorien (die meist allerdings in den eher spinnerten Segmenten der Linken umgingen). Inzwischen aber ist die Verschwörung ein politisch vollständig rechter Topos geworden. Was einen Altlinken wie Stone, in dessen Filmästhetik das Rechthaben eine entscheidende Größe ist, natürlich von nichts abhält.

Zur Erholung dann noch sieben Stunden Krieg und Frieden. Der Verleih Bildstörung bringt den 1966 bis 1967 unter der Regie von Sergei Bondarchuk entstandenen Film wieder in die Kinos. Hier die filmfilter-Kurzkritik.

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