Der erste Ghostbusters-Film war für Kinder allen Alters damals, Mitte der Achtzigerjahre, eine Epiphanie. Lustige Männer sauten auf der Leinwand mit grünem Schleim und Protonen-Blastern rum und gaben, auch in der deutschen Synchronisation, Denkwürdiges von sich („Du wirst nie wieder einen Mann vollschleimen, der einen Positronen-Kollidierer hat!“), sprengten ein Hochhaus in Notwehr in die Luft und kabbelten sich mit Monstern und einer besessenen Sigourney Weaver. Es war ein Fest, und für die meisten der erste Kontakt mit der US-Anarcho-Comedy in der Tradition von Saturday Night Live, die hier mit einem Mal im Blockbuster-Format daherkam und immer wirkte wie ein entgrenztes B-Movie, in einem guten Sinne. Kurz und gut: Der erste Ghostbusters-Film brannte sich, wenn man ihn zum richtigen Zeitpunkt sah, ein und funktioniert auch heute noch prächtig.

Entsprechend schwer hatte es alles, was nach dem im Rückblick wieder sehr schönen Sequel von 1989 kam. Der 2016 von Paul Feig unternommene Versuch eines Reboot mit weiblichen Figuren ist beim zweiten Wiedersehen dann doch ziemlich lustig, beim ersten Durchgang war die Wahrnehmung sehr durch Incel- und Nerdterror verstellt. Gegen das All-Female-Reboot wurde eine veritable Hasskampagne gefahren, und dem Impuls, einen schlechten Film wegen der toxischen Trottel, die ihn hassen, abzufeiern, wollte man dann doch nicht nachgeben. Dabei ist Feigs Ghostbusters einfach eine solide Spektakel-Komödie. Der Aufruhr um den 2016er-Film zeigte dann auch: Wer sich an Ghostbusters vergreift, geht den um 1980 herum Geborenen an die Kindheitserinnerungen, und da wird es dann schnell mal unangenehm.

Ghostbusters: Legacy, der Film, der sich 2022 als eigentliches Sequel zum Original von 1984 verstand, ging dann in dieser Hinsicht auch auf Nummer sicher und betonte Traditionsbewusstsein auf allen Ebenen: Regie führte Jason Reitman, der Sohn des Ghostbusters-Miterfinders Ivan Reitman. Bill Murray, Dan Aykroyd und Ernie Hudson aus dem Original-Cast hatten Gastauftritte. Der wie Ivan Reitman zum Zeitpunkt des Drehs bereits verstorbene Harold Ramis war als Hologramm präsent. Das Triggern der Nostalgie des Publikums ist das eine, aber auch darüber hinaus versuchte Ivan Reitmans Film restlos alle abzuholen. Stranger Things-Fans, die Fans des Originals, heutiges Komödien-, Action- und RomCom-Publikum, alle, die in den Achtzigern im Kino waren. Ein Genre-Mashup, jedes Bild ein Versuch, Mikro-Crowdpleaser auf die Leinwand zu bringen. Das hat recht gut funktioniert.

Im Falle des Sequels zum Sequel funktioniert leider gar nichts mehr. Oder kaum etwas. Selbst in seinen wurstigsten Momenten war das Franchise immer spürbar bestimmt von der Liebe zum Brachialquatsch und zu seinen Figuren (wenngleich auch Legacy, wie gesagt, bereits etwas ungut Kalkuliertes anhaftete). Ghostbusters: Frozen Empire ist ein Film, der allein auf seinen Namen vertraut, sichergehen kann, dass das an den Kinokassen gut laufen wird, und vielleicht auch deswegen Plot und Charaktere unter ferner liefen behandelt. Ein Skript wie ein Setzbaukasten, aber alles leider krumm und schief.

Die Prämisse ist klar und geht in Ordnung: Ein besonders schlimmes Monster versucht die Welt zu zerstören, dieses Mal mit Eis und Kälte. Alles, was drumherum passiert, scheint jeweils für ein, zwei Minuten auf und verschwindet dann wieder. Jason Reitmans im Vorgänger noch geglückter Versuch, im Rahmen des Quatschspektakels von so etwas wie echten Problemen und Konflikten zu erzählen (Adoleszenz, Familie, toter, rätselhafter Großvater usw.) verebbt hier im Egalen, muss aber trotzdem ständig aufgerufen werden. Trevor Spengler (Finn Wolfhard) wird erwachsen und ist verliebt, Phoebe Spengler (Mckenna Grace) ist mit fünfzehn eigentlich zu jung zum Geisterjagen, Gary (eigentlich ein Lichtblick: Paul Rudd) wird von den beiden als neuer Freund ihrer Mutter Callie (Carrie Coon) nicht als Vaterfigur akzeptiert. Phoebe befreundet sich mit einem Geist (Emily Alyn Lind) und zweifelt an ihrer Berufung als Geisterjägerin, die erste Generation (Dan Aykroyd, Bill Murray und Ernie Hudson) wiederum hadert mit dem Älterwerden.

Dass einem das alles gleichgültig ist, müsste nicht schlimm sein, man geht ja nicht in einen Ghostbusters-Film, um zum Beispiel ein bewegendes Adoleszenzdrama vorgeführt zu bekommen. Die Lieblosigkeit und Ungenauigkeit, mit der das hier erzählt wird, schlägt aber auf alle anderen Aspekte des Films durch. Die Monster sehen aus wie Playstation-4-Grafiken, der Soundtrack ist ein Brei, und die Vorhersehbarkeit, mit der hier nachgerade unverschämt routiniert fan service betrieben wird, ist wirklich unangenehm.

Die Ideenlosigkeit von Ghostbusters: Frozen Empire fällt gerade deshalb so auf, weil die Drehbuchautoren (Jason Reitman und Regisseur Gil Kenan, der mit Poltergeist 2015 bereits ein maximal uninspiriertes Remake in die Welt gesetzt hat) sie mit Konflikten aus seriös gestimmten Genre-Regionen (Adoleszenz, Familie, Älterwerden usw.) zu verbergen suchen. So macht der eigentlich ja wunderbare Quatsch in Frozen Empire keinen Spaß mehr. Und die ernstgemeinten Momente des Films wirken wie Publikumsbeleidigungen.

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Die frühen Filmerfahrungen sind dann doch die eindrücklichsten. Die beiden ersten Ghostbusters-Filme haben sich bei mir, Jahrgang 1980, tief eingebrannt. Zwei Szenen hab ich nie vergessen: die, in der der Höllenhund Rick Moranis durch den Central Park jagt (an die Alpträume danach erinnere ich mich nicht mehr); und die im zweiten Teil, in dem der fiese alte Sack aus dem Gemälde rauskommt. Man sollte diese Momente und Erfahrungen, vielleicht, da lassen, wo sie sind. Beim Wiedersehen zerbröselt der Zauber manchmal dann doch sehr schnell. Was nicht heißt, dass man die Filme inzwischen, weil mehr oder weniger erwachsen geworden, schlecht findet. Aber es fallen einem doch andere Dinge auf, und die überschreiben gleichsam die Erfahrung von einst (nicht zuletzt ist in dem Fall dann doch unübersehbar, dass der erste Ghostbusters sich gut gehalten hat, während der zweite wohl schon damals eine ziemliche Gurke war – was einen Zehnjährigen natürlich nicht kümmern musste).

Die Vorfreude auf den ersten wirklichen Reanimationsversuch des Franchise war dann jedenfalls groß (das, was Paul Feig 2016 gemacht hat, wir bedenken es mit Schweigen). Und Ghostbusters Legacy schlägt ein großes, schweres Erbe mit sich rum. Eine überkritische Nerd-Fanbase im Nacken, dazu noch die seit der Netflix-Serie Stranger Things nicht abebbende 80s-Nostalgie-Welle, in deren Zugzwang das Ganze schnell zu einem polierten Langweiler hätte werden können. „Erbe“ ist hier nahezu buchstäblich zu verstehen: Regisseur des Films ist Jason Reitman, der Sohn des Ghostbusters-Regisseur Ivan Reitman. Wie geht man mit so einer Last um, gerade, wenn etwas Unbeschwertes entstehen soll? Die Idee liegt nahe und sie funktioniert soweit gut: Reitman, also der Sohn, führt einfach fort, was er in seinen eigenen Filmen (zum Beispiel in Juno, Up in the Air und Young Adult) in den vergangenen fünfzehn Jahren kultiviert hat und verbindet Komödie mit ernsten Tönen.

Hier bekommen die Figuren ein Familiendrama mit auf den Weg. Es beginnt mit einer Privatinsolvenz (Ghostbusters-Urgestein Dan Akroyd verweist in seinem Auftritt dann auch auf Rezession und Wirtschaftskrise), und die alleinerziehende Mutter Callie (Carrie Coon) muss mit Sohn und Tochter (Finn Wolfhard und Mckenna Grace) in das verfallene Geisterhaus ihres verstorbenen Vaters ziehen, der in dem staubigen Farmer-Kaff, in dem die Familie nun rezessionsbedingt leben muss, unter Verrücktheitsverdacht stand. Bald tauchen die ersten übernatürlichen Erscheinungen auf, und die Enkel finden zur allseitigen Freude Positronen-Kollidierer und das Ghostbusters-Mobil. Der Rest erzählt sich dann schon wie von selbst, macht Spaß und ist so gebaut, dass ausnahmslos alle Altersstufen ab acht Jahren aufwärts adressiert werden.

Paul Rudd trägt als Lehrer, der seinen Schüler:innen im Unterricht Cujo und Chucky die Mörderpuppe vorführt, den anarchischen Geist von einst weiter, auch wenn Ghostbusters Legacy wesentlich glatter wirkt als das im Rückblick überraschend wüste Original. Allerdings will er dann gerade im letzten Drittel doch etwas viel auf einmal: Drama, Comedy, Action, Zitatkino. Man kann den Film für den Versuch hassen, es allen recht zu machen, weil er damit dem Original zumindest in dieser Hinsicht nicht gerecht wird; dem nämlich waren Produzenten- und Publikumserwartungen spürbar wurscht, und es war trotzdem der reinste Crowdpleaser. Man kann ihn aber auch dafür mögen, dass er die Ghostbusters-Mythologie derart ernst nimmt, versucht ihr gerecht zu werden und das Franchise so mit Würde in die Gegenwart hinüberrettet. Der Versuch ist geglückt.

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Die Geschichte des Ghostbusters-Franchise ist eine schwierige. Der erste Teil ein wunderpraller Anarcho-Blockbuster, das Sequel dann ein blutleerer Aufguss. Über Paul Feigs 2016 unternommenen Reanimationsversuch wollen wir lieber schweigen. Das Erbe, dass Ghostbusters Legacy antritt, ist also ein tonnenschweres. Und ein buchstäbliches außerdem: Regie führt Jason Reitman, Sohn von Ghostbusters-Regisseur Ivan Reitman. Wir verweisen auf die filmfilter-Kritik zum Film, hier nur so viel: Die Art und Weise, wie Reitman der Jüngere mit diesem Erbe umgeht, funktioniert, der Film ist toll, alle atmen auf.

Ungleich stiller geht es in First Cow zu, dem zweiten Western von Kelly Reichardt. Reichardts Filme zeichnen sich nicht zuletzt durch die Abwesenheit jeder selbstzweckhaften Ästhetik aus; zurückhaltender kann man bei gleichbleibender intellektueller und konzeptueller Stringenz eigentlich nicht erzählen. Das gilt auch für First Cow, in dem zwei Männer im Oregon der 1820er Jahre nachts heimlich die einzige Kuh am Ort melken, die natürlich nicht ihnen gehört, sondern dem örtlichen Grundbesitzer. Alles, was bei den beiden mehr als nur eine Arbeitsgemeinschaft oder auch mehr als Freundschaft sein oder werden könnte, deutet Reichardt nur an. Die fast meditative Atmosphäre des Films verweist still auf all das ungelebte, weil unlebbare Leben der Menschen, die in den Mythen nicht vorkommen und vergessen wurden.

Und noch ein Western von einer Regisseurin, die einen für das Durchschnittsgenrekino ungewohnten Blick auf Geschlechterverhältnisse kultiviert hat: Jane Campions The Power of the Dog erzählt die Geschichte zweier Brüder, von denen der eine versucht, dem anderen das Leben zur Hölle zu machen. Die Geschichte basiert auf dem gleichnamigen Roman von John Savage, der bereits 1967 unternahm, was heute im Western (also in den vergleichsweise wenigen Filmen des Genres, die zurzeit überhaupt noch gedreht werden) Standard ist: Immer geht es um die Dekonstruktion (oder Destruktion) seiner Mythen; dass zum Beispiel Indianer das Fort angreifen und ein John Wayne dann rettet, was zu retten ist, lässt sich heute nicht mehr plausibel erzählen. Reichardt nimmt das Genre in aller Ruhe auseinander, indem sie das Western-Setting mit stillem Realismus durchtränkt. The Power of the Dog verfährt da direkter und zeigt eine Welt, in der toxische Männlichkeit die Beziehungen der Menschen im Wesentlichen strukturiert (nunmehr auch auf Netflix).

Ein weiterer Film über zwei Männer startet ebenfalls dieses Woche. Franz Rogowski (Transit, In den Gängen) spielt einen Mann, der immer wieder ins Gefängnis eingeliefert wird – einer von etwa 50.000 Männern, die zwischen 1950 und 1969 in der BRD nach Paragraph 175 verurteilt wurden. Bei einem seiner Knastaufenthalte trifft er den wegen Mordes zu lebenslanger Haft verurteilten Viktor, über die Jahre entsteht eine Freundschaft. Große Freiheit entfaltet auf der Leinwand eine Intensität, die man im deutschsprachigen Kino selten findet. Ihre Voraussetzung ist – neben den großartigen Schauspielern –, dass Regisseur Sebastian Meise sein Thema bearbeitet, ohne in moralisch anklagenden Duktus oder pädagogisch wertvolles Thesenkino zu verfallen. Das funktioniert, weil hier die Figuren (und vor allem die Körper der Figuren) im Zentrum stehen, in die sich die Geschichte einschreibt. Und das in Große Freiheit ganz buchstäblich.

Man kann Oliver Stone ja so einiges vorwerfen, aber mangelnde Beharrlichkeit nicht. 1991 brachte er seinen grandios gefilmten, packenden und unglaublich unterhaltsamen Verschwörungsmumpitz JFK in die Kinos. Um in drei Stunden zu beweisen, dass nicht ein Einzeltäter, sondern ein reaktionäres Komplott John F. Kennedy 1963 ermordete. Das ist etwa zwei Dutzend Mal widerlegt worden, aber Stone kann nicht ablassen. Jetzt bringt er seinen Dokumentarfilm JFK Revisited – Die Wahrheit über den Mord an John F. Kennedy in die Kinos, um noch einmal zu beweisen, dass er recht hat, damals, heute und für immer. Dazu verfährt Stone wie bereits in JFK so subtil und komplex wie ein Vorschlaghammer, der auf dem Kopf der Zuschauerin niedergeht. Sehenswert ist das Ganze dennoch, gerade im Doppelpack mit dem Film von 1991. Denn in der Zusammenschau zeigt sich, wie sich der Status von Verschwörungserzählungen verschoben hat. War die Annahme von Verschwörungen als maßgeblichen Faktoren des Weltgeschehens strukturell immer schon, wenn man so will, reaktionär, gab es doch so etwas wie linke Verschwörungstheorien (die meist allerdings in den eher spinnerten Segmenten der Linken umgingen). Inzwischen aber ist die Verschwörung ein politisch vollständig rechter Topos geworden. Was einen Altlinken wie Stone, in dessen Filmästhetik das Rechthaben eine entscheidende Größe ist, natürlich von nichts abhält.

Zur Erholung dann noch sieben Stunden Krieg und Frieden. Der Verleih Bildstörung bringt den 1966 bis 1967 unter der Regie von Sergei Bondarchuk entstandenen Film wieder in die Kinos. Hier die filmfilter-Kurzkritik.

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