Ich habe Blonde bei einer Pressevorführung im Kino gesehen, aber ich kann mich nicht daran erinnern, wann ich das letzte Mal bei einem Film so oft auf Pause drücken wollte. Zweifelsohne werden viele in Versuchung geraten, genau das zu tun. Den Film kann man seit Mittwoch auf Netflix sehen. Aber es lohnt sich, den Finger von der Taste zu lassen. Wer die Geduld und den Mut hat, sich auf das absichtlich schwierige Gespräch einzulassen, das der australische Filmemacher mit seinem Publikum zu führen versucht, wird möglicherweise belohnt.

Der Film fühlt sich so finster an wie er beginnt: mit einem roten Flammeninferno, das die Hügel von L.A. verschlingt. Asche rieselt wie Schnee vom Nachthimmel. Die Mutter von Norma Jeane fährt in ihrem Auto wütend auf die Höllenlandschaft in den Hollywood Hills zu. Der berühmte Vater ihrer Tochter lebt dort oben in einer feuerfesten Villa, behauptet sie. Wer ist ihr Vater? Das ist die Frage, die Norma Jeane und den Film verfolgt. In der nächsten Szene versucht die wahnsinnige Mutter, gespielt von Julianne Nicholson, ihre siebenjährige Tochter in einer brennend heißen Badewanne zu ertränken. Das ist wirklich nur ein Vorgeschmack auf die Dinge, die noch kommen werden.

Die Mutter landet in der Psychiatrie. Das Mädchen wird ins Waisenhaus gesteckt. Wir springen dann in die Zukunft und hören das Lied „Every Baby Needs a Da-Da-Daddy“ aus dem 1948er Musical Ladies of the Chorus. Norma Jeane ist jetzt das Starlet Marilyn Monroe, gespielt von Ana de Armas. Das Trauma des ungeliebten Mädchens ist zu Fleisch geworden, in Form einer Blondine, die von allen vergöttert wird. Hollywood ist immer noch eine Hölle, nur dass die jetzt anders aussieht. Bei einem Vorsprechen für einen Film wird sie von einem Produzenten vergewaltigt. Er gibt ihr dann eine Rolle.

Es gibt viele polemische Momente, die Diskussionen anregen werden und das auch schon getan haben. Da sind die Vergewaltigungen, eine „Gebärmutter-Kamera“ oder ein sprechender Embryo, der darum bettelt, nicht abgetrieben zu werden. Und dann ist da natürlich die Tatsache, dass dieser Film, der von der Ausbeutung einer Frau handelt, sich selbst an dieser Ausbeutung auf gewisse Weise mitschuldig macht. Es ist zum Hadern.

Es gibt Szenen, die einige der kultigsten Momente nachstellen, etwa wenn Marilyn auf einem U-Bahn-Schacht steht und der Wind ihr weißes Plisseekleid hochbläst. Sie lacht in ein Blitzlichtgewitter. Im wirklichen Leben wurde die Szene als Werbegag vor Publikum gedreht. Auch in Blonde ist es so, aber der Regisseur verwandelt die sabbernde Menge in einen garstigen Horror-Mob.

Es gibt auch einen sehr schönen surrealistischen Moment: einen komplett erfundenen, erotischen Dreier, der als elegant verzerrtes Kaleidoskop von Körpern gefilmt wurde. Schwer zu beschreiben, wie auch folgende Szene: Während sie zum Orgasmus kommt, klammert sich Norma Jeane an ein Bett, das zu einem Wasserfall wird, der von dem Titel ihres Films Niagara (1953) überlagert wird und dem Satz: „Ein reißender Strom von Emotionen!“ Man kann seinen neuen Film höchst ambivalent finden, aber Andrew Dominik, bekannt für das Westerndrama The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford (2007) oder den brutalen Thriller Killing Them Softly (2012), ist ein begnadeter Filmemacher und Provokateur.

Die Männer in Norma Jeanes Leben behandeln sie wie ein kleines Kind, nicht zuletzt, weil sie auch ein traumatisiertes Kind geblieben zu sein scheint und alle „Daddy“ nennt. Ihr erster Ehemann (Bobby Cannavale) schlägt sie und verlässt sie dann, weil er es nicht ertragen kann, mit einem Sexsymbol verheiratet zu sein. Arthur Miller (ein großartiger Adrien Brody) nimmt ihre Worte und fügt sie in seine Theaterstücke ein, ohne es ihr zu sagen. JFK (Caspar Phillipson) behandelt sie wie ein Stück Fleisch. Hollywood verschluckt sie und spuckt sie wieder aus. Das New York Magazine schrieb: „Blonde will Ihnen weh tun.“ Und das konsequent: Fast drei Stunden lang entfaltet sich der Film zu einer Oper des Leidens. Dass Blonde Marilyn Monroe zum infantilen Schlachtopfer ihrer eigenen Geschichte macht, ist sein größter Fehler. Er würdigt auch nicht ihre eigene Rolle, die Monroe bei der Schöpfung der Kunstfigur gespielt hat. Und er tut ihr damit keinen Gefallen. (Wie schwer sich die Kritik insgesamt mit dem Film tut, lässt sich z.B. auch in der SZ nachlesen.)

Dass Blonde trotzdem ein kraftvolles Filmerlebnis ist, ist Ana de Armas zu verdanken. Die kubanisch-spanische Schauspielerin hat ein perfektes Gesicht, strahlende Augen und ein schüchternes Lächeln, das fleht: Bitte, liebt mich! Im Grunde spielt sie zwei Figuren: Norma Jeane, die „echte“ Frau, und Marilyn Monroe, ihre größte Rolle, die so unecht war wie die Farbe ihrer Haare, die dem Film und dem Buch auf dem er basiert, seinen Titel geben. Blonde fußt auf dem umstrittenen, im Jahr 2000 erschienenen Roman von Joyce Carol Oates, die sich mit dem Leben der Schauspielerin sehr viele Freiheiten genommen hat.

Im Grunde genommen geht es um eine Frau, jede beliebige Frau, die den sehr menschlichen Wunsch hat, geliebt zu werden – und daran schlussendlich zerbricht. Sie hat es selbst gesungen in Billy Wilders 1959er Klassiker Some Like It Hot: „I wanna be loved by you“.

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Ein Biopic, das Elvis Presley (1935-1977) zu seinem Gegenstand wählt, bekommt es zunächst einmal mit der Aufgabe zu tun, Mann und Mythos auseinander zu dividieren, um beide sodann fein säuberlich voneinander getrennt verhandeln zu können. Freilich ist es auch möglich, auf dergleichen Mühseligkeiten zu pfeifen und das Leben des Menschen aus Fleisch und Blut im Lichte des „King of Rock ’n‘ Roll“ erstrahlen zu lassen, oder aber im King den Menschen nachzuweisen. So oder so braucht, wer sich dieser ikonischen Figur der US-amerikanischen Kulturgeschichte nähert, starke Nerven; Skrupel- sowie Respektlosigkeit können auch nicht schaden. Und wer wäre da nun wohl besser geeignet als der australische Drehbuchautor und Regisseur Baz Luhrmann? Hat der sich doch 1996 via Romeo + Juliet mit William Shakespeare und 2013 via The Great Gatsby mit F. Scott Fitzgerald angelegt und ebenso hinreichend wie einleuchtend bewiesen, dass in den hochverehrten, staubbedeckten Säulenheiligen der Kunst unbändige (Über)Lebensenergie steckt; man darf sich nur nicht von ihnen ins Bockshorn jagen lassen.

Also packt Luhrmann den Stier bei den Hörnern und löst zunächst einmal schlau das Problem mit der legendenumrankten Vita seines Protagonisten, indem er einen unzuverlässigen Erzähler zum Conférencier macht: Colonel Tom Parker nämlich, Elvis Presleys langjährigen Manager, der, wie sich im weiteren Verlauf herausstellen wird, quasi der Inbegriff eines zwielichtigen Charakters ist/war. Der Colonel, dem Ende nahe, irrlichtert im Krankenhaushemd, einen Infusionsständer mitschleppend, wie ein Gespenst durch die Casinos von Las Vegas und erinnert sich an längst vergangene glamouröse Zeiten – die Luhrmann sodann mit gewohnt fulminanter Geste vor den staunenden Augen seines Publikums wiederauferstehen lässt. Doch während es dem Colonel um seine Reputation zu tun ist, ist es Luhrmann um die innere Wahrheit der Künstlergestalt Elvis Presley zu tun; und in jenem flirrenden Grenzbereich zwischen Traum und Tatsache, den das narrative Rahmenkonstrukt ihm eröffnet, kann er sie dingfest machen.

In der voluminösen Maske des koboldhaft-dämonischen Colonel steckt Tom Hanks, der mit den chargenhaften Seiten seiner Figur offensichtlich ein Riesenvergnügen hat. Er würde mit Elvis glatt davonlaufen, stünde ihm mit Elvis, äh, Austin Butler in der Titelrolle, nicht ein hübscher und talentierter, mit seinen dreißig Jahren noch vergleichsweise junger Mann gegenüber, der hier sehr wahrscheinlich die Rolle seines Lebens spielt. Auf den ersten Blick repräsentiert Butler – bereits sein halbes Leben lang im Geschäft, bis dato überwiegend in Fernsehserien; darunter The Carrie Diaries und The Shannara Chronicles – mit seiner unschlagbaren Kombination aus Charme und gutem Aussehen den typischen Golden Boy. Er bringt aber darüber hinaus noch die genau richtige Mischung aus Unschuld und Durchtriebenheit, Naivität und Leidenschaft mit, um nicht nur Presleys charismatische Entertainer-Persona auszudrücken, sondern auch dessen musikalischen Genius einzufangen.

Dem Konzert kommt dabei eine besondere Bedeutung zu, genauer: der Beziehung zwischen Musiker und Publikum, noch genauer: der zwischen dem Sexsymbol Elvis und seinen ekstatischen weiblichen Fans. Denn was war noch mal das Innovative in Elvis‘ Musik? Zum einen natürlich die überzeugende Verbindung, die „weiße Country-Musik“ und „schwarzer Rhythm & Blues“ in ihr eingingen. Zum anderen aber eben der Umstand, dass dabei die Sinnlichkeit von R&B nicht auf der Strecke blieb. Was für einen Skandal Elvis seinerzeit mit seinen Hüftschwüngen verursachte, das kann man sich heutzutage, da sich Musiker:innen auf der Bühne routinemäßig in den Schritt fassen, kaum mehr vorstellen. Die Szenen, in denen Luhrmann die erotische Energie erregter Konzertbesucherinnen mit den konsternierten Blicken der anwesenden düpierten Männer kontrastiert, gehören mit zu den besten des Films. In ihnen wirken archaische Kräfte, trifft Enthemmung auf Kontrolle und sieht sich das Patriarchat – erst recht in Gestalt des Colonels – von entfesselter weiblicher Sexualität herausgefordert.

Fortan ist das Kräftemessen zwischen dem unbotmäßigen Rockmusiker und seinem väterlich nur scheinenden Manager auch als ein Teil jenes ewigen Kampfes zu lesen: zwischen der Freiheit, zu der die Kunst dem Verdrängten verhilft, und der Kommerzialisierung als eines Mittels der Verharmlosung und neuerlichen Zähmung.

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