Für mich eine der schönsten Szenen des Kinojahres 2021: Zwei Schauspielerinnen proben gemeinsam unter freiem Himmel einen Dialog aus Tschechows „Onkel Wanja“, das übrige Ensemble schaut zu. „Man muss Menschen trauen, sonst kann man nicht leben“, sagt die eine, auf Koreanisch. Die andere ist stumm und spricht Gebärdensprache: „Friede, Friede“. Die beiden umarmen sich. „Ich wünsche dir von ganzem Herzen, dass du glücklich wirst“, sagt die eine und noch einiges mehr, aber so, wie es die Kamera uns zeigt, wird es nicht mehr für die Probe gesprochen, sondern direkt zu dem Menschen, den man da gerade umarmt. Dann ein Lächeln auf den Gesichtern, das die Kolleginnen und Kollegen nicht sehen können, und das die Rolle, die sie (in dem Stück) spielen, transzendiert. Was wiederum uns die Kamera (in diesem Film) zeigt.

Dieser Moment in Ryūsuke Hamaguchis Drive My Car lässt Text und Schauspielerarbeit ineinanderfließen. Das Leben der Figuren wird bezogen auf das eigene und in ihrer Verkörperung lernt man sich neu und anders kennen. Der Text befragt den Schauspieler, so formuliert es Regisseur Yūsuke Kafuku (Hidetoshi Nishijima), der mit seinem Ensemble in Hiroshima Tschechows Stück einstudiert. Im Zentrum von Kafukus Inszenierungsmethode steht der Körper seiner Schauspielerinnen und Schauspieler. Das realisiert man allerdings erst am Schluss. Der Text wird bis zum Anschlag in Leseproben geübt, immer wieder und wieder (Drive My Car dauert nicht umsonst fast drei Stunden, die sich allerdings anfühlen wie maximal zwei, wenn man sich auf den Film einlässt). Erst, wenn der Text so selbstverständlich abrufbar wie ein „Guten Morgen“ ist, geht es in die szenische Interaktion. Außerdem sprechen die Mitglieder seines Ensembles unterschiedliche Sprachen, Japanisch, Chinesisch, Koreanisch und Gebärdensprache (bei der Aufführung wird das Publikum dann den Dramentext auf einer Leinwand über der Bühne mitlesen).

Die Theaterproben und die Gespräche Kafukus mit seinen Schauspielerinnen und Schauspielern sind der eine Hauptstrang dieses Films. Der andere sind die Autofahrten und die langsame Annäherung Kafukus an die Fahrerin Misaki Watari (Tōko Miura). Zuerst ist er genervt, weil die Chauffeurin ihn beim Auswendiglernen stört. Eigentlich hört Kafuku, der die Hauptrolle in seinen Stücken bislang selbst gespielt hat, den Text im Auto, stundenlang, und fährt selbst. Auf Band gesprochen hat ihn seine Frau Oto (Reika Kirishima), die zum Zeitpunkt der Proben zu „Onkel Wanja“ seit zwei Jahren tot ist. Teil des Ensembles ist ein junger Schauspieler (Masaki Okada), der eine Affäre mit Oto hatte. Auch er fährt in einer Szene im Auto mit.

Nach und nach tasten Kafuku und seine Fahrerin Watari im Auto sich an ihre jeweilige Vergangenheit heran und offenbaren einander ihre Geheimnisse. Wobei „offenbaren“ schon zu stark formuliert ist. Der Schmerz und die wenigen (vergleichsweise porösen) Glücksmomente, die diese beiden Leben bestimmen, werden von Hamaguchi behutsam, wie ein Mosaik, ganz langsam, Stück für Stück, zusammengesetzt.

„Unter Umständen können wir uns selbst ins Herz schauen, aber auch das nur mit Mühe“, sagt eine der Figuren in der literarischen Vorlage von Haruki Murakami, die mit ihren knapp fünfzig Seiten wie eine Skizze zu Hamaguchis mehrschichtiger Verfilmung wirkt. Von diesen Mühen, und von den unausgesprochenen Dingen in Beziehungen, handelt Drive My Car. Wie nebenbei, mit einer Lässigkeit, die mitunter unter seiner Schwere verschwindet, handelt er außerdem von den unausgesprochenen Dingen in jeder Art von Beziehungen und davon, wie Theaterspielen und Erkenntnis, Text und Körper und Liebe und Geheimnis einander gegenseitig durchdringen.

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Das Studio hatte 1946 einen Zehnminüter mit dem Titel The Story of Menstruation produziert und in Schulen ausgestrahlt. Aber abgesehen davon, dass dieser Kurzfilm wie ein ganz eigener Horrorfilm anmutet, hat niemand jemals daran gedacht, auf die hormonellen Veränderungen von Mulan oder Elsa in Frozen anzuspielen. Das hat vor allem auch damit zu tun, dass es im Hause Disney noch nie um Sex oder harte Fakten der Reproduktionsbiologie ging.

Nun ist kürzlich direkt auf Disney+ eher leise Turning Red erschienen, in dem die erste Periode ein Mädchen eben in einen roten Panda verwandelt. Ja, es ist genauso bizarr wie es klingt, aber es ist ein Pixar-Film. Der erste, bei dem ausschließlich eine Frau Regie führte, die chinesisch-kanadische Animatorin Domee Shi.

Über Nacht verwandelt sich ihr Kindheits-Ich, die dreizehnjährige Mei Lee, in einen fluffigen, roten Knäuel. Sie riecht plötzlich komisch. Überall sind Haare. Ihre Stimmungen schwanken. Sie kann ihre Gefühle nicht kontrollieren. Und es ist ein zutiefst großartiger Moment, wenn ihre Mutter zart an die Badezimmertür klopft und fragt: „Ist die rote Pfingstrose erblüht?“ Als Mei Lee, die sich als roter Panda hinter dem Duschvorhang versteckt, nicht antwortet, stürmt die besorgte Mutter ins Bad, voll bepackt mit Ibuprofen, Vitamin B, einer Wärmflasche und – Binden!

Im Allgemeinen wurde Turning Red hoch gelobt in den USA, seit er am 11. März erschienen ist, aber die Reaktionen der Eltern waren etwas stärker gemischt, von „unangemessen“ bis zu „befremdlich“. Trotz der zahlreichen Euphemismen, die es für das Wort „Periode“ gibt (das Wort wird im Film nie ausgesprochen), waren einige Eltern empört. Ein Elternteil twitterte: „Dieser Disney-Film ‚Turning Red‘ ist NICHT für Kinder geeignet.“

Im Gegenteil. Turning Red ist sogar SEHR für Kinder geeignet. Und es sollte viel mehr solcher Filme geben. Eben weil das Thema Periode mit so viel Scham verbunden ist, hat Domee Shi den Film gedreht. In einem Interview erklärte sie: „Dieser Film ist eigentlich für die 13-jährige Domee, die entsetzt in einem Badezimmer stand und dachte, sie hätte sich in die Hose gemacht. Und zu viel Angst hatte, es ihrer Mutter zu sagen, geschweige denn irgendjemand anderen zu fragen, was los war.“

Das Mädchen im Film wächst in der chinesischen Gemeinde von Toronto auf. Auf ihrer Familie liegt ein uralter, chinesischer Fluch bzw. Segen, weshalb sie sich in den roten Panda verwandelt. Diese kulturelle Besonderheit ärgerte einen amerikanischen Kritiker, dem es an universellen Themen mangelte. Sean O’Connell von CinemaBlend schrieb in seiner Rezension, dass es ihm nicht nur unmöglich war, sich mit den Teenagern von Turning Red zu identifizieren, sondern dass selbst der Versuch „ihn erschöpfte“. Diese Kritik wurde an verschiedenen Stellen zitiert und selbst so stark als rassistisch und sexistisch kritisiert, dass sie inzwischen unter Entschuldigungen entfernt wurde.

Die Drehbuchautorin Gennifer Hutchison (Breaking Bad) hatte in einem inzwischen gelöschten Account getwittert: „Ich bin es leid, dass Weiße (und viele Kerle) sich Filme und Serien über Menschen ansehen, die nicht weiß (und keine Kerle sind) und sagen: ‚Ich konnte mich einfach nicht damit anfreunden‘ (besonders wenn die Filme und Serien sich mit universellen Themen und Emotionen befassen). Es ist einfach eine riesige Enttäuschung.“

Die Kontroverse konzentrierte sich insbesondere auf die Vermischung von ethnischer Herkunft und Identitätspolitik, aber es fällt auf, wie manche Rezensenten einen Film über ein Mädchen nicht verstehen wollen, dessen rote Pfingstrose geblüht hat. Es geht hier wirklich um mehr als nur das. Es geht darum, was es bedeutet, durch dieses unmögliche Ding namens Pubertät zu gehen. Der Triumph und, ja, die Universalität von Turning Red besteht darin, dass es ein tabuisiertes Thema menschenfreundlich macht. Mädchen menstruieren. Egal welche Hautfarbe sie haben.

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